Ritmos de guitarra con arpegios y percusión

Hay un amplio abanico de posibilidades cuando tocamos la guitarra, podemos tocar una canción con arpegios, ritmos, una melodía, etc. Pero si ya mezclamos un ritmo con arpegios y algo de percusión el resultado puede ser fabuloso, agradable al oído y divertido de tocar, sobre todo por el papel rítmico que tiene el instrumento a la hora de repetir estos patrones de arpegios constantemente.

En la lección de hoy veremos 7 patrones rítmicos que combinan arpegios con algo de percusión. A estos patrones hemos añadido después, unas progresiones de acordes para que las practiques una vez te los hayas aprendido.

Ritmo 1:

Este ritmo consiste en tocar una sucesión de corcheas y en los tiempos 2 y 4 añadir un pequeño golpe sobre las cuerdas.

Una vez hayas practicado este ritmo, puedes practicar con la siguiente progresión:

 |Mi| Mi| La| La| Si7| Si7| Mi :||

Ritmo 2:

Este ritmo combina el patrón de arpegio de corcheas con un golpe en el tiempo 3 seguido de corchea y negra con pulgar.

puedes practicar este ritmo con la siguiente progresión:

|Sol|Sol|Mim|Mim|Lam|Lam|Re|Re:||

Ritmo 3:

Este ritmo que tienes ante ti está algo más elaborado que los anteriores, pero no por eso es más difícil. Si lo tocas repetidas veces verás que tiene un ritmo muy característico, a mi me recuerda a la lambada por el juego de la percusión y los bajos alternando. Practícalo y verás que resultará divertido con la progresión de abajo una vez hayas interiorizado el ritmo.

Progresión:

|Lam|Lam|Mim|Mim|Lam|Do|Si7|Em|Em|Em|

Ritmo 4:

Este ritmo con el acorde de Mi menor es interesante por el corte en seco que tiene, no dejes sonar la última nota antes del silencio. Sino pierde la gracia.

Progresión:

|Mim|Mim|Re|Re|Do|Do|Si7|Si7|Mim|

Ritmo 5:

Aquí tenemos otro juego interesante con el pulgar en los bajos, es como si hubieran varios instrumentos juntos tocando: una guitarra, una batería y un bajo.

Progresión:

|Lam|Lam|Sol|Sol|Fa|Fa|Mi|Mi|Lam|

Ritmo 6:

El ritmo que ves aquí te podrá resultar complicado al principio, pero una vez lo domines lo vas a disfrutar como un niño, como ves las posibilidades son casi infinitas con la guitarra. Podría hacer un post de 100 ritmos y no acabar nunca.

Progresión:

|Lam|Lam|Mim|Mim|Sol|Re|Mim|Mim|

Ritmo 7:

Aquí te presento dos ritmos combinados, el primero en el primer compás con dos notas tocadas a la vez y un arpegio de Simadd11 con golpe y corchea seguida de negra y en el siguiente compás corcheas ascendentes seguidas de las mismas figuras rítmicas del primer compás. Puedes usarlos por separado como en la progresión de abajo en la que con el Sol, Fa#m y Mim hacemos solo el ritmo del compás 1.

 

Progresión :

|Simadd11|Simadd11|Lasus4|Lasus4:||Sol|Fa#m|Mim|Mim|

Ritmo bonus:

En este ritmo quiero que veas que podemos combinar distintas técnicas en una sola con golpes sobre el puente, rasgueos, ritmos de arriba/abajo, notas sueltas y percusión.

¿Tienes alguna duda respecto a esta lección? Coméntala debajo y te contestaré

10 acordes increíbles con notas al aire

Hay varios tipos de acordes que en la guitarra acústica suenan muy bien si los tocas con cuerdas al aire, es decir, dejando algunas notas sin pisar. En esta lección veremos cuáles son esos acordes y cómo ejecutarlos, además podrás descargarte la tablatura y partitura en la que utilizo estos acordes de manera arpegiada para que los veas en contexto.
Aquí tienes el vídeo de la lección:

Y la partitura puedes descargarla haciendo clic aquí>>

Aquí tienes la pista de acompañamiento:

En la lección del vídeo vemos la parte práctica de la lección, aquí debajo te enseñaré los intervalos de estos acordes y por qué se llaman como se llaman:

Acorde 1:

El acorde de Am9 está formado por las siguientes notas: LA DO MI SOL SI= 1 b3 5 b7 9

Acorde 2:

El acorde Amadd9 tiene las notas: LA DO MI SI= 1 b3 5 9

 

Acorde 3:

Aquí tienes una entrada sobre el acorde de sexta pero resumiendo, el acorde A6sus2, además de la nota suspendida 2, consta de: LA SI MI FA#= 1 2 5 6

Acorde 4:

Los acordes con notas añadidas como el Eadd9, que tiene una 9ª añadida, se diferencian de los de 9ª normales porque no tienen la 7ª incluida: MI SOL# SI FA#= 1 3 5 9

 Acorde 5:

Los acordes de 7ª menor ya los hemos visto en esta entrada. No obstante, los intervalos del Em7 acorde son: MI SOL SI RE= 1 b3 5 b7

Acorde 6:

El acorde 4 contenía también una nota añadida. Para el acorde Badd11, la teoría es igual. Un acorde triada sin una 7ª, que contiene una nota añadida que en este caso es una onceava. En otras palabras, una nota que contando desde la nota que da nombre al acorde (SI) hasta MI( SI DO RE MI FA SOL LA SI DO RE MI ) nos da 11.

SI RE# FA# MI= 1 3 5 

Acorde 7:

El acorde C#m7 es el mismo tipo de acorde que el 5º de esta lista.  DO# MI SOL# SI= 1 b3 5 b7

Acorde 8:

Al igual que en acorde 4 que tenemos una 9ª añadida, en el acorde Dadd9/A sucede lo mismo, con la diferencia de que el bajo que se usa es un La en vez de el Re. RE FA# LA MI= 1 3 5 9

Acorde 9:

El acorde de 9ª menor es parecido al de 7ª menor porque contiene los mismos intervalos. El acorde  Dm9/A  se toca con la nota LA como bajo.

RE FA LA DO MI= 1 b3 5 b7 9

Acorde 10:

Finalmente, el acorde G6add9 contiene las notas que llevaría un acorde de sexta normal pero con una 9ª añadida.  SOL SI RE MI LA= 1 3 5 6 9 . 

¿Conoces algún otro acorde que suene bien con las notas al aire? Coméntalo debajo

Historia del rock parte 1: El rock ‘n’ roll

Estados Unidos: años 40, el rhythm and blues se escuchaba solo por personas negras. Un estilo que derivaba del blues, boggie woogie, el jazz y el swing. Una década después: la historia del rock comenzaría con el nacimiento de un nuevo género, el rock ‘n’ roll, que con su evolución, pasando por todas las décadas hasta ahora, lo conocemos explícitamente como rock. Esta entrada es la primera de una serie de posts en la que hablaremos de la música rock y de su evolución hasta ahora.

Bien, todo comienza en los años 50, cuando un disc-jockey llamado Alan Freed – de quien se dice que es el padre del estilo – comenzó a popularizar en su emisora música rhythm and blues a la que él llamaba “rock ‘n’ roll”.  Según sus palabras “Un rio de música que se nutre de distintas fuentes: el rhythm and blues, jazz, ragtime, las canciones de cowboy, el country, y el folk”.

Características del Rock ‘n’ Roll

Vamos a ver ahora cómo suena desde un punto de vista musical el rock ‘n’ roll, ya que éste tiene distintas características:

1- Una banda de rock ‘n’ roll puede constar principalmente de voces masculinas, guitarra eléctrica, contrabajo, batería, piano, armónica  y saxofón (otros instrumentos de viento son opcionales).

2- El tempo de las canciones suele ser rápido, a unos 140 pulsaciones la negra o más.

3- Las voces tienen mucha energía, a menudo con gritos para darle énfasis a las canciones.

4- Se hace también uso de la acentuación en los tiempos 2 y 4 dentro del compás de 4/4, usando un ritmo shuffle, o sincopado como en el blues.

5-La estructura se basa en la progresión de blues de 12 compases y además se suelen utilizar tonalidades mayores pero con escalas de blues para la voz y los solos. Esta progresión es de las más utilizada dentro del rock ‘n’ roll en sus inicios, es como una receta que una vez te la aprendes te sirve para infinidad de canciones.

Aquí unos ejemplos para entrar en materia:

6- Las líneas en el bajo son lo que llaman four to a bar,  que es básicamente tocar 4 negras en cada compás, también basado en patrones ascendentes desde la tónica a la 3ª, 5ª, 6ª y descendentes desde la 7ªb pasando por 6ª, 5ª, 3ª, esta línea a menudo la dobla la guitarra eléctrica. Aquí vemos un ejemplo:

7- La línea que hace el bajo también la dobla la guitarra a veces y si tenemos dos guitarras en la agrupación, la guitarra rítmica tocaría acordes de 6ª y/o de 7ª.

  • Guitarra doblando lo que hace el bajo:
  • Con dos guitarras, una doblando el bajo y la otra acompañando con acordes:

8- También se usa el stop time, que consiste en que los demás instrumentos cortan en seco para un solo instrumento, o la voz, que se queda sola durante un compás. Por ejemplo, al principio de la canción Jailhouse rock de Elvis.

9- Los solos de guitarra son extravagantes, no al nivel de lo que sucede en los años 70, 80 pero sí más que en décadas anteriores. El solo de Rock around the clock es un buen ejemplo, aquí tocado por David Escobar.

10- Se utiliza el call and response (llamada y sucesión) cuando un instrumento o la voz suenan de manera individual o con acompañamiento de fondo y los demás músicos responden. Un gran ejemplo es la canción School Days de Chuck Berry.

¿Cuál fue la primera canción de Rock ‘n’ Roll?

Bueno, ya conocemos las características del rock ‘n’ roll pero ¿cúal fue la primera canción de rock ‘n roll?

Es difícil saber con exactitud cuál fue la primera canción de rock ‘n’ roll, no obstante, la canción rock around the clock de Bill Haley, es muchas veces citada como la primera canción que promovió el género por el éxito que tuvo. Otros sin embargo dicen que fue Rocket 88 de Ike Turner, grabada en 1951, por el ritmo sincopado (o backbeat como llaman), y por la guitarra eléctrica distorsionada, a pesar de que otros dijeran que tenía un ritmo shuffle (el típico del blues) y no el ritmo rock característico que aparecía en las canciones de Chuck Berry y Little Richard.

Por otra parte, para el ya fallecido Robert Palmer, Rock Awhile de Goree Carter (1949) es la candidata a ser la primera, porque hay una guitarra eléctrica alta y electrificada.

Otras candidatas son Good Rockin’ Tonight de Roy Brown, o la versión de 1948 de Wynonie Harris. Además esta canción fue muy aclamada cuando Elvis Presley la versionó en 1954. También se considera Strange Things Happening Every Day de Sister Rosetta Tharpe de 1944 como la primera o Crazy Man de Bill Haley para otros historiadores, por el éxito en las listas de ventas.

No obstante a pesar de todas las especulaciones que se hayan hecho, lo que sí está claro es que el género ya comenzó a tomar forma con  Rock Around the Clock, que junto con otras canciones popularizó el género en 1955. A parte del álbum homónimo de esta canción, algunos críticos también mencionan al primer single de Elvis, That’s All Right, como la primera grabación de rock ‘n’ roll. Sin embargo, el propio Elvis dijo: “Mucha gente piensa que yo empecé este negocio, pero el rock ‘n’ roll lleva aquí más tiempo desde que llegué”.

Eso sin olvidar que también tenemos un sonido que podría considerarse rock, de la mano de Little Richard y Chuck Berry a principios de los 50. Este último también fue una gran influencia porque sus canciones Maybellen, Roll over Beethoven, Rock and Roll Music y la famosísima Johnny B. Goode de 1958 también definen el estilo tan característico, por su temática y por los intros de guitarra que fueron de gran influencia. En definitiva, no hay una conclusión al respecto ya que hay otras cuantas teorías y el debate sigue abierto.

Y ya para terminar me gustaría compartir contigo esta lista de reproducción de algunas leyendas para que disfrutemos de la evolución de la historia del rock desde sus inicios:

¿Te ha gustado el post? ¿Cuál fue para ti la primera canción de la historia del rock o del rock ‘n’ roll? No dejes de comentar abajo.

¿Qué es eso de tiempo, contratiempo y sincopa?

 El tiempo o pulso es una medida de tiempo regular. Para que nos entendamos, es lo que haces cuando sigues el ritmo de la música con el pie y tu golpe coincide con el ritmo natural de lo que estés tocando o escuchando.

En la música diferenciamos entre tiempos fuertes y débiles y estos tiempos los ordenamos dentro de cada compás. Veamos los compases más usados en la música para entender qué tiempos son los fuertes y débiles:

compás de 2/4

aquí el pulso es 1, 2, 1, 2… Es decir, fuerte, débil, fuerte, débil…

Compás de 3/4

   aquí el pulso es 1, 2, 3, 1, 2, 3… Es decir, fuerte, semifuerte, débil, fuerte, semifuerte, débil…

Compás de 4/4

   aquí el pulso es 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4…Es decir, fuerte, débil, fuerte, débil, fuerte, débil, fuerte, débil…

 

Veámoslo ahora con unas pequeñas melodías:

1- En este compás de 2/4 vemos que tenemos una melodía regular, en la que cada nota cae en un tiempo.

2- En este compás, al igual que el anterior tenemos 3 tiempos y 3 notas en cada compás.

3- Finalmente, en el compás de 4/4 también sucede lo mismo que en los dos anteriores. Si escuchas las melodía notarás como  el ritmo es regular.

¿Pero que pasaría si tocáramos lo mismo alterando los acentos naturales de cada compás, es decir, convirtiendo los tiempos que deberían ser débiles en fuertes? de esto se encargará la sincopa y el contratiempo:

Sincopa vs. contratiempo

Lo que tienen en común la sincopa y el contratiempo es que ambos refuerzan el tiempo débil del compás, lo que les diferencia: que la sincopa se alarga hasta el tiempo siguiente y el contratiempo se posa sobre el tiempo débil y sustituye los tiempos fuertes por silencios. Ejemplo:

Sincopa:

Observa las flechas que señalan la nota sincopada y cómo en el tiempo siguiente no hay nota. En el penúltimo compás también tenemos una sincopa con ligadura. Escucha el audio para ver el efecto.

Contratiempo:

En el contratiempo, como se ha explicado antes, ocurre que tenemos silencios en los tiempos fuertes, consiguiendo un sonido distinto.

Los distintos tipos de sincopa y de contratiempos:

1- Sincopa larga:

El sonido sincopado dura 2 tiempos y comienza en tiempo débil del compás y se prolonga al tiempo fuerte, ahora vamos a usar el mismo ejemplo de antes. si observas, las dos primeras notas señaladas, verás que comienzan en el tiempo 2 (tiempo débil) y se prolonga al 3 (tiempo fuerte), por eso están sincopadas.

2- Sincopa breve:

Suele durar 1 tiempo y como la larga, comienza en tiempo débil del compás y se prolonga sobre la parte fuerte del siguiente tiempo.

3- Nota a contratiempo larga:

Se produce en tiempo débil del compás, mientras los tiempos débiles contiene un silencio.

4- Nota a contratiempo breve:

Ocurre en la parte débil de un tiempo, por ejemplo cuando tenemos dos corcheas seguidas, la segunda nota va precedida y seguida de silencios:

5-La ligadura:

Mediante una ligadura podemos acentuar los tiempos débiles de un compás y prolongarlo hacia el otro y caer sobre un tiempo fuerte.

En definitiva, las notas a contratiempo pueden ser de muchos tipos al igual que la sincopa, lo que tienes que tener en cuenta es que una se produce en la parte débil del compás y pueden ir seguidas o precedidas de un silencio y la otra se produce en tiempo débil pero se alarga hasta un tiempo fuerte.

Si quieres aprender más sobre ritmos a contratiempo échale un vistazo a>>Cómo tocar Reggae 

¿Es Jimi Hendrix el mejor guitarrista de la historia?

Desde que se comenzó a idolatrar a las estrellas de pop/rock como a Elvis y a los Beatles, hasta que aparecieron de guitarristas como Jimi Hendrix y Jimmy Page, ha surgido una horrible tendencia por clasificar a ciertos guitarristas según quién es el mejor guitarrista del mundo. Pero muchas veces esta clasificación es engañosa ya que solo se tienen en cuenta factores históricos y culturales sin llegarse a analizar en profundidad otros aspectos más técnicos que solo impliquen dominar el instrumento.

Para mi por ejemplo, un buen guitarrista es, independientemente de quien haya sido, alguien con un sonido limpio, que domine su instrumento, que sea creativo si es compositor, que me haga sentir cosas emocionalmente y que tenga sobre todo, gusto a la hora de tocar, independientemente de su estilo. Porque un guitarrista que sea un virtuoso y que carezca de todo lo demás, solo se queda en un buen guitarrista pero sin alma.

Hoy en día parece casi indiscutible que Jimi Hendrix sea el mejor guitarrista de la historia del rock, incluso se he llegado a decir, muy inocentemente, que es incluso el mejor guitarrista de todos los tiempos. De lo primero tal vez esté de acuerdo (más abajo las razones), de que sea el mejor guitarrista de todos los tiempos, lo dudo mucho.

El absurdo debate

Imaginemos a un muchacho nacido en los 2000 y que haya crecido con Youtube, viendo a guitarristas virtuosos en su habitación, o escuchando a grupos modernos de metal progresivo, dirigirse a un adulto nacido en los 50 o 60 y que haya escuchado a Hendrix toda su vida, para decirle que el chico japones de Youtube es mejor que Hendrix. Lo primero que escucharía es una carcajada seguida de una palmadita condescendiente en la espalda.

¿Pero quién tendría la razón? Ninguno. En primero lugar, lo que hizo Hendrix ya se ha asimilado hace mucho tiempo, él creó escuela sí, pero muchas de las cosas innovadoras que hizo ya las hacen muchos otros guitarristas modernos, porque todos hemos bebido directa o indirectamente de él, y en segundo lugar, el hecho de escuchar a artistas modernos no te hace peor o mejor que el que escucha a Hendrix.

Por otra parte, el término mejor o peor guitarrista debería estar superado hace ya tiempo, pero lo que más me molesta del asunto es que el debate aún continúa, y es un debate ridículo que sucede en foros y páginas web, incluso en la calle, sobre todo si juntamos a dos guitarristas conservadores, y de opinión cerrada en sus gustos musicales. Véase por ejemplo a uno que le guste Zakk Wylde y a otro que aborrezca el metal y adore a Johnny Marr. Lo único que puede pasar es que el uno piense del otro que no sabe de música:

-“Este tío no tiene ni idea de música”

y ya si aplicamos la falacia de autoridad todo se desmadra:

 -Yo es que llevo tocando la guitarra muchos años y sé de lo que hablo y ese tal Johnny no toca tan bien como Steve Vai por ejemplo.

O en el otro espectro:

-Johnny Marr es exquisito, mete acordes de 9ª y su música está más elaborada.

La cuestión es, ¿cómo se mide que alguien sea mejor guitarrista que otro?, ¿según velocidad?, ¿precisión?, ¿limpieza?, ¿lentitud?, ¿trayectoria?, ¿ según composición?. Porque Jimi Hendrix no es más veloz que Steve Vai, no es más preciso que Ritchie Blackmore, no es más limpio que Marc Knopfler, no es más lento que Eric Clapton, no tiene una trayectoria más larga que B.B King, y no es mejor compositor que cualquier compositor desconocido que se dedique a ello en cuerpo y alma. En pocas palabras, hay miles de guitarristas que le darían 1000 patadas a Hendrix en lo que respecta a perfección, ya sea dentro del rock, el Jazz, el blues y todos los estilos de la faz de la tierra. ¿Pero tú crees que a Jimi Hendrix le importaba?

Eres el mejor guitarrista de la historia           ¿Y ahora qué?

Aún así, ¿ por qué Hendrix es el mejor dentro del rock? Pues porque él es el génesis de lo moderno, porque cuando todos estaban obsesionados con la perfección y la claridad del sonido, Hendrix experimentaba con el feedback de su amplificador para dar originalidad a su sonido, su guitarra era un objeto para crear efectos que van más allá de la armonía, la melodía o ritmo y además lo hacía de manera emotiva. Sabía usar el fuzz, el wah, el flanger o el chorus de manera extraordinaria y distinta para la época. Además tenía una conexión tremenda con el blues por sus orígenes y si a esto le sumas que como figura de la cultura pop era guay, sexy, carismático y elegante además de ser negro, todo encaja.

Su música también tiene algo de abstracta como para poder escucharla y sacar lo que toca de oído, de hecho hay miles de versiones de sus solos y es difícil atinar las notas exactas que tocaba. También popularizó el uso del Wah Wah y canciones como Machine Gun donde imitaba el sonido de las bombas que caían de los aviones en Vietnam y las metralletas con el feedback de la guitarra, y otras como Voodoo child (slight return), Hear my train  comin’ , All along the watch tower, o la versión de hey joe solo se le podrían haber ocurrido a Hendrix.

En definitiva, Jimi Hendrix debería ser considerado el padre del Rock moderno pero da igual si es el mejor, si fue el mejor o si dejará de serlo en un futuro, lo que importa es su legado. Por eso, déjate de clasificaciones y disfruta de la música, porque la música es arte y punto.