El globo rojo

¡Cuántas cosas se puede hacer con un simple globo! Hacer sonidos, imitarlos con la voz, pasarlo sin que caiga al suelo y ...moverse como si nos empujara una ráfaga de aire.¡Parecíais globos de verdad!
Esta es la música que nos movía


Y éste el cuento que termina donde empezó. ¿Lo recuerdas? "El globo rojo"

 

Conquistando los nervios… Soluciones a problemas que nos da el miedo escénico (I)

La revista The Strad hace una labor de difusión y apoyo a los músicos que es conocida por muchos. Entre sus múltiples artículos hemos encontrado una serie muy interesante titulada Conquering performance nerves. En cada uno de estos artículos se da solución a distintos problemas que surgen a raíz del miedo escénico, y con los que los músicos lidiamos casi a diario. Por ello, en Gran Pausa hemos decidido traducir algunos de estos artículos al español. ¡Esperamos que os sirvan de ayuda!

En esta primera parte vamos a traducir dos artículos que tratan sobre dos problemas: mantenerse concentrado, y mantener un tempo estable.

El problema: Mantenerse concentrado en el escenario

Traducido del original: Conquering performance nerves: staying focused on stage

Autores: Brian Hodges y Diana Allan

URL: https://www.thestrad.com/conquering-performance-nerves-staying-focused-on-stage/1668.article

Mantener a raya tus pensamientos es una habilidad muy importante para un músico, sobre todo durante una actuación. Los estudiantes plantean estas reflexiones a menudo, justo después de haber actuado: “No sé lo que pasó en ese sitio, pero mi cerebro simplemente se fue a otro lado”; “Me resultó difícil recuperar mis pensamientos después de cometer ese error”; “¡No sé a dónde fue mi mente!”.

Cuando estamos en un estado intenso y nuestra adrenalina está a tope, nuestros cerebros pueden estar bastante inquietos y seguir cualquier rastro de pensamiento fuera de nuestro control -como Alicia y el conejo-. Nuestras mentes están tomando la opción de volar en lugar de luchar. Sin embargo, la verdad es que tenemos más control sobre nuestros pensamientos de lo que creemos, y mediante la práctica y la diligencia, podemos aprender a enfocarnos en lo que es más importante para tocar mejor.

Un escenario muy común es aquel en el que cometemos un error – no importa cuán insignificante – lo cual provoca que nuestro cerebro se detenga y se obceque en el fallo que ahora está tres compases atrás, y contando. Mientras tanto, la música continúa y tu mente no se enfoca en lo que está sucediendo en el presente. Como es de esperar, esto lleva a más errores en un efecto de bola de nieve. Aprender a aceptar el error en el momento y cultivar la capacidad de seguir adelante puede ser muy valioso para lograr mantener la concentración.

Las soluciones

Una excelente estrategia es practicar la actuación. Si tu profesor no te proporciona esta oportunidad en clase, crea tú mismo esa oportunidad de actuar. Toca para cualquiera que te escuche (especialmente las personas que te ponen nervioso). A medida que vayas actuando y sientas que tus pensamientos empiezan a perder el foco, di frases internamente. Cosas como ‘sigue adelante’, ‘concéntrate’ o ‘¿qué está pasando en la música ahora?’. Lo que te digas a ti mismo depende de ti, pero tener palabras de control puede hacer que vuelvas a la obra musical que tienes entre manos.

Tienes más control de lo que crees. Cuanto más ensayes tu interpretación, más fácil te será mantener el rumbo de tus pensamientos.

El problema: Empezar bien y mantener el tempo

Traducido del original: Conquering performance nerves: starting well and keeping tempo on track

Autor: Brian Hodges

URL: https://www.thestrad.com/improve-your-playing/conquering-performance-nerves-starting-well-and-keeping-tempo-on-track/7358.article

Lo que sucede con nuestros cerebros y, por lo tanto, nuestra percepción en el escenario, es un fenómeno fascinante. Podemos estudiar tan despacio como nos gustaría en nuestra habitación, sintiéndonos seguros y manteniendo el control. Sin embargo, y en el momento en que pongamos el arco a la cuerda en una situación de estrés, podemos tirar todo por la ventana.

Es importante comprender que tienes control sobre cómo establecer tu tempo y cómo sentirte en el escenario. A pesar de que tu corazón puede estar acelerado como el de una liebre, es posible encontrar un lugar donde centrarse y comenzar correctamente, lo que tendrá implicaciones positivas para el resto de la interpretación.

Las soluciones

El primer paso es tomarse un tiempo antes de comenzar. Muchos músicos, tan pronto como saludan y toman su lugar en el escenario (de pie o sentados), inmediatamente tocan antes de estar realmente 100% listos. Puede existir la percepción de que el público se impacientará si el intérprete tarda demasiado en situarse, lo cual, por supuesto, no es cierto. Solo parece mucho tiempo para ti. El público esperará pacientemente. Quieren una actuación fantástica y si toma un minuto extra mientras te concentras, que así sea.

Una vez que encuentres tu lugar en el escenario, tómate un momento para respirar profundamente, cierra los ojos si es necesario. Canta la música en tu cabeza, solo algunos compases a un ritmo en que te sientas seguro y cómodo. Si realmente te sientes nervioso, toma el tempo más lento de lo que habías planeado. Lo más probable es que la combinación de tu adrenalina, nervios y emoción hará que lo sientas más rápido de todos modos, por lo que al tomar un tempo más deliberado dividirás la diferencia.

Si hay otro músico involucrado, discute de antemano cómo vais a comenzar. Construye lugares en la música para reagruparse, por así decirlo, si el tempo se pone demasiado rápido. Si generalmente comienzas bien, pero eres propenso a apresurarte, conscientemente haz tus movimientos y gestos más grandes. Por ejemplo: usa más arco, haz movimientos de brazo más grandes, lo que sea necesario para evitar tensarse y cansarse.

La clave es saber que está bien tomarse un tiempo antes, y comenzar a buscar tu lugar interno, donde te sientes cómodo y controlado. Puede llevar un tiempo acostumbrarse en las actuaciones, pero la sensación que obtienes cuando actúas desde una posición de fuerza y seguridad vale la pena.

 

 

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Escuchar cantantes

Hola! 

Estamos en una nueva edición de las preguntas de LBDC. 

Graciela desde Argentina nos ha preguntado por qué es bueno escuchar a otros cantantes. 

Bueno, hemos de decir, que nutrirse musicalmente y vocalmente de otras personas ayuda a adquirir mejor audición, mejor sensibilidad y después a poder repetir a través de la imitación determinados efectos que puedan hacer otros cantantes. 

Afinar el oído, trabajar el oído siempre nos ayudará a ser mejores cantantes. 

Esto ha sido un consejo sobre cómo cantar de Isabel Villagar para LBDC. 

Transcripción de un videoconsejo del canal Youtube de Isabel Villagar.

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Isabel Villagar, Profesora de Canto Online

Cómo enfocar la música de cámara en la enseñanza

La música de cámara lleva formando parte de la enseñanza musical desde hace varios años. Se trata de un área indispensable, que sitúa a los alumnos en un entorno de trabajo al que no están acostumbrados. Pasan de la característica individualidad de las clases de instrumento a formar parte de un grupo.

Desde el punto de vista pedagógico, es una clase con gran peso de la que los alumnos pueden aprender realmente qué significa ser músico. No siempre se le da el respeto que se merece. A menudo, por razones puramente logísticas, los profesores de música de cámara se ven obligados a trabajar con pocas horas, combinaciones instrumentales extrañas y sin repertorio propio o aulas insuficientes. Todo esto denota una la falta de reconocimiento.

Hoy vamos a centrarnos en los aspectos que se trabajan en esta clase para darle la importancia que realmente tiene:

La interpretación en grupo

A la hora de trabajar con una agrupación, independientemente de los instrumentos que la compongan, hay algunos puntos en común que podemos trabajar con los alumnos, los cuales les enseñarán a trabajar en cualquier agrupación en el futuro.

Flexibilidad individual

Es habitual encontrar en una misma agrupación alumnos con distintos niveles técnicos/musicales. Por un lado, el problema puede tener origen en la propia preparación del alumno. Por otro, la dificultad puede traerla la partitura, puesto que las obras que interpretamos en música de cámara no siempre son igual de difíciles para un instrumento que para otro.

Siempre debemos ayudar a los alumnos que encuentren mayores dificultades a olvidarse de los problemas técnicos y centrarse en el resultado final. Tengamos en cuenta que el aprendizaje de música de cámara, debe centrarse en conocer repertorio y aprender a interpretar en conjunto; no en trabajar aspectos técnicos individuales.

En este sentido, debemos instar a cada miembro del grupo a encontrarse cómodo. Esto nunca será posible si un alumno no puede superar psicológicamente un pasaje difícil. Lo menos relevante es que sea capaz de tocar de manera impecable, y esto es precisamente lo que debemos enseñarle: el resultado colectivo está por encima de los problemas técnicos que cada uno pueda enfrentar.

Mecánica de los ensayos

Otro de los puntos que un alumno debe aprender dentro de la clase de cámara es a trabajar en grupo. Este trabajo debe partir de detalles simples, que a priori se dan por sentados.

  • Puntualidad: siendo puntual, tanto en clase como en los ensayos programados, estará mostrando respeto por sus compañeros, su profesor, y la actividad conjunta.
  • Colocación en el espacio: La disposición de los músicos de cámara siempre debe ser meditada y tener una finalidad acústica. No olvidemos que tocamos para un público.
  • Rigurosidad en el trabajo: A la hora de trabajar en conjunto, es normal que los alumnos se dispersen, hablan entre ellos, se distraigan…etc. La música de cámara es el entorno ideal en el que pueden aprender la rigurosidad en el trabajo común. Cualquier falta de respeto afectará al resultado de un trabajo en grupo, por lo que repercutirá directamente en el resto de personas de la clase.

Afinación

Dentro de la clase de conjunto, los alumnos aprenderán el protocolo más usual para afinar dentro de una agrupación. Además de este detalle, es importante que aprendan a colocar cada nota dentro de los distintos acordes. Es en la clase de conjunto donde mejor pueden comprender que cada nota que tocan tiene una función armónica o melódica, y por tanto, una afinación diferente. El trabajo cuidado y coordinado con respecto a acordes y afinación general marcará la excelencia dentro del grupo de cámara.

Gestualidad en grupo

Todos los puntos que marcan el discurso musical deben ir acompañados de un gesto y una respiración que ayude a la interpretación en grupo. En la música de cámara, trabajaremos esto con los alumnos de manera exigente, para conseguir una mayor coordinación entre ellos, y por tanto, un mejor resultado sonoro.

No sólo debe marcar con gesto el instrumentista que lleve la voz principal, los demás tendrán que acompañar su gesto, respirar con él y moverse con él. Una buena herramienta de trabajo en este sentido es pedir a cada integrante del grupo que marque y dé las entradas. De esta manera todos asumirán la responsabilidad de dirigir la música, además de interiorizar mejor los gestos y la respiración necesarios.

Analizando la partitura

La música de cámara se convierte en un vehículo excepcional para transmitir los primeros conceptos del análisis musical de forma práctica. El análisis debe ser una actividad de conjunto previa a la interpretación, y en ella deben participar todos los miembros del grupo.

Dependiendo del nivel de los alumnos con los que se trabaje, se dará mayor o menor profundidad al trabajo de análisis en clase. Sin embargo, debemos seguir una serie de pautas. Lo primero que deben conocer los alumnos cuando comienzan a trabajar una nueva es el autor, la época y el estilo al que pertenece. Identificar y conocer el contexto histórico de la obra nos ayudará a encontrar el modo de tocarla.

El análisis de forma

Podemos hacer que los alumnos respondan una serie de preguntas para guiarles en su análisis:

  • ¿Qué tipo de composición es? ¿Cuál es la forma típica de esta composición?
  • ¿Cuántos temas hay? Identificarlos con letras (A, B,…)
  • ¿Cuántos subtemas hay? Identificarlos también con letras (a, b,…)
  • ¿Qué frases contiene cada tema? ¿Dónde están las cadencias?
  • ¿Están compuestas las frases por otras más pequeñas?
  • ¿Qué motivos hay? ¿Cuándo y cómo se repiten o varían
  • ¿Hay alguna progresión?
  • ¿Exiten puentes?
  • ¿Hay codas?
  • ¿Dónde están los puntos culminantes? ¿Y los puntos más bajos?

El análisis armónico

También es importante realizar un análisis armónico. Del mismo modo, podemos plantear una nueva serie de cuestiones:

  • ¿Qué tonalidades aparecen en la obra? ¿Cuál es la principal?
  • ¿Qué acordes son más tensos?
  • ¿Cuáles son los que relajan la música?
  • ¿Qué tipo de cadencias hay? ¿Son más o menos conclusivas?
  • ¿Hay alguna “sorpresa” armónica?

Cuando se toca en grupo de cámara o en orquesta, el análisis armónico cobra mayor importancia: es esencial que cada instrumentista sepa qué nota del acorde lleva en cada momento para tocarla con la intensidad y la colocación correctas y así ayudar a que la afinación sea óptima.

Técnicas de educación corporal

El trabajo en grupos de cámara es una situación perfecta para introducir a los alumnos en la educación corporal.  Los ejercicios en grupo ayudarán a crear una rutina.

Elementos a trabajar

  • Calentamiento físico: El calentamiento previo a la actividad de tocar previene lesione y prepara el cuerpo y la mente para la concentración durante la clase. Podemos elaborar una pequeña tabla de ejercicios de no más de 5 minutos que se adapte a todos los tipos de alumnos de la clase.
  • Respiración en conjunto: la respiración es la base de la música. A través de ella damos sentido al discurso musical. Tanto o más importante es en el trabajo en grupo, donde la coordinación juega un importante papel. A través de una serie de ejercicios que el profesor proponga, los alumnos deben aprender a respirar juntos.
  • Estiramientos post-actividad física: Después de tocar, es recomendable estirar la musculatura para evitar posibles lesiones tanto a corto como a largo plazo. Con 5 minutos de ejercicios propuestos por el profesor será suficiente.
  • Relajación en conjunto: Un estado de relajación implica relajación mental, física y mayor concentración. Por ello, es importante que los alumnos la practiquen y la manejen tanto en solitario como en grupo. Con ello, conseguirán mayor seguridad en dentro del conjunto, desinhibición al tocar con otros compañeros y concentración. Así pues, la aplicación de alguna técnica de relajación autoinducida favorecerá el trabajo del grupo de cámara.
  • Ejercicios y actividades de motricidad en conjunto: otro factor que podemos trabajar es la motricidad. Muchos pedagogos, como Kodaly o Dalcroze, se han apoyado en el movimiento como base en sus métodos. A través del dominio del movimiento se consigue mayor control rítmico, relajación, socialización…etc. El profesor podrá plantear algunos ejercicios en función de las edades de los alumnos.

Mejorando la audición

En este sentido, la música de cámara cumple una función crucial en el desarrollo del oído musical. En primera instancia, en cuanto a afinación dentro de la armonía. Pero también se desarrolla la audición de la polifonía y los distintos timbres. Los conceptos a trabajar serán:

  • Timbres de los distintos instrumentos de la propia familia
  • Timbres de instrumentos de distintas familias
  • Afinación dentro de un contexto armónico y melódico
  • Afinación dentro de un conjunto de tímbricas mixtas
  • Atención a las distintas voces que componen el grupo de cámara
  • Trabajo del papel de la voz propia dentro de un conjunto
  • Atención al empaste de dinámicas, articulaciones y técnica con otros instrumentistas
  • Atención a las distintas sonoridades del propio instrumento y del conjunto: colores, efectos, intensidades
  • Balance de voces

Improvisar en grupo

Dalcroze escribía en 1932: “Improvisar es expresar sobre el terreno los pensamientos, tan rápidamente como se presentan y se desarrollan en nuestra mente”. La clase de cámara se presenta como el entorno perfecto para desarrollarla, ya que el alumno, movido por la participación de sus compañeros, puede desarrollar sus capacidades creativas. El trabajo de improvisación en la clase conjunta tiene ciertas funciones:

  • Ayuda a sintetizar lo aprendido a través de la experiencia
  • Demuestra que el alumno ha aprendido o entiende conceptos
  • Motiva al alumno a expresar sus ideas musicales propias
  • Estimula los poderes de concentración, capacidad de escuchar e imaginación
  • Crea sentimientos de satisfacción y logro

Para improvisar, el profesor puede darle al alumno algunos elementos en los que basarse, o simplemente dejar que él sea el que tome el mando. La improvisación no tiene que hacerse obligatoriamente con el instrumento. También se puede improvisar cantando, o utilizando el cuerpo. El objetivo final es estimular al alumno para que se desinhiba y conecte cuerpo y mente.

Lectura a primera vista y memoria

La memoria musical cobra un papel relevante dentro del trabajo en conjunto. Mientras el alumno se centre en el papel, le costará más interactuar con sus compañeros y abrir la mente hacia la sonoridad conjunta, alejándose de su sonido personal.

No hablamos sólo de memorizar las notas, sino de memorizar el papel dentro del conjunto, con todos sus detalles dinámicos y musicales. De esta manera, cada alumno dentro del grupo interiorizará un discurso más allá de las notas “sin sentido” de su particella.

En cuanto a la práctica de la primera vista, el entorno de la música de cámara juega un importante papel. Leer partituras en conjunto obliga a cada alumno a centrar su atención más allá de su propio papel y utilizar su intuición musical para interpretar dentro del conjunto una partitura que no conoce. Al practicar esta lectura a primera vista en conjunto, el alumno no puede distraerse o centrarse demasiado en las notas. Tendrá que mantener una rítmica común y continuar la lectura hasta el final sin excusas, puesto que se trata de una actividad de conjunto, en la que juega un importante papel.

 

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