Master Class en YouTube: los grandes a un click de ti.

YouTube se ha convertido en los últimos años en una plataforma con capacidades increíbles de compartir conocimientos y entretenimiento. Es la herramienta que mejor representa el 3.0: la era en que crear contenido digital está al alcance de cualquiera con conexión a Internet y algo que compartir.

Seguro que ya lo usas como herramienta para ver vídeos de tus intérpretes favoritos, escuchar obras, grandes orquestas o grupos de cámara. YouTube nos da hoy en día la posibilidad de aprender viendo conciertos y grabaciones que hace unos años jamás habrían estado al alcance de cualquiera. Algunas de las grandes organizaciones musicales del mundo se han dado cuenta del potencial de este medio, y han empezado a usarlo más allá de la simple promoción de sus conciertos.

Desde hace unos años, orquestas y fundaciones de renombre se han atrevido con YouTube creando contenidos específicos para la plataforma. Uno de los contenidos que queremos destacar hoy son las Master Class. Se trata de vídeos especialmente producidos para YouTube, no muy largos, pero sí útiles, con consejos, técnicas y herramientas para tu carrera de mano de los mayores músicos de la actualidad.

En nuestro canal de YouTube hemos recopilado en forma de listas de reproducción algunas de estas Master Class:

Lista 1: London Symphony Master Classes

En 2011 nació la YouTube Symphony Orchestra. Para formar la plantilla se organizaron unas audiciones mediante grabación. Para hacerle el trabajo más fácil a los aspirantes, YouTube pidió a algunas orquestas y profesionales que grabasen una Master Class sobre las obras y pasajes que se pedían en la audición.

La London Symphony fue una de las orquestas que participó, con unas Master Class muy completas. En ellas, además de dar consejos sobre obras y pasajes concretos para cada instrumento que suelen pedirse en muchas audiciones de orquesta, también se dan consejos generales para audicionar. Algo muy positivo para los que vayan mal de inglés: todos los vídeos cuentan con subtítulos en español. ¡Un material muy valioso!

 

Os dejamos aquí la lista completa:

Lista 2: Sydney Symphony Master Classes

La Sydney Symphony fue otra de las orquestas que elaboró algunas Master Class con motivo de las audiciones de YouTube. El inconveniente es que sólo grabaron para algunos instrumentos y que no están subtituladas, pero se entienden bastante bien, y es muy bueno poder ver a estos músicos experimentados en orquestas interpretar los pasajes tal y como si estuvieran en una audición de orquesta.

Os dejamos aquí la lista:

Lista 3: Filarmónica de Berlín Master Class

También con motivo de las audiciones de YouTube se grabaron estas Master Class en Berlín. Tampoco están para todos los instrumentos, pero sí cuentan con subtítulos en español. 

Os dejamos aquí la lista:

Lista 4: Master Class del Carnegie Hall

El Carnegie Hall ha producido varios vídeos con fragmentos de Master Class para todo tipo de instrumentos y voces, y con temas muy variados: música de cámara, pasajes orquestales, repertorio solista… Son distintas a las que ya os hemos mostrado, ya que en estos vídeos el profesor interactúa con un alumno. Los subtítulos no están en español, pero sí en inglés.

Aquí tenéis la lista completa:

Lista 5: How to… Master Class del Carnegie Hall para todos los músicos

Estas Master Class que hemos titulado How To… preparan a cualquier músicos para situaciones que todos nos encontramos independientemente del instrumento que toquemos: preparar un concierto, impresionar en una audición, concentrarse durante una actuación… etc. Sin duda muy útil, y con subtítulos en inglés.

Aquí la lista completa:

Esperamos que estos vídeos os sirvan y que os animéis a buscar por vosotros mismos más, YouTube es muy amplio y tiene un material muy variado que seguro os servirá en vuestra carrera.

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Analizar partituras: la clave de un estudio eficiente

Muchos estudiantes de Conservatorio, y también profesionales, toman la lectura de una nueva pieza sin una estructura de trabajo definida y sin unas pautas claras. Lo cierto es que, aunque se nos den las herramientas para trabajar de manera correcta, muchos no las usamos. Ya sea por pereza, por prisas o por falta de costumbre, solemos tomar las partituras nuevas de forma desordenada y sin objetivos claros.

El primer y principal punto que debemos tener en cuenta para trabajar cualquier pieza nueva es el análisis de la misma. Este análisis nos facilitará el trabajo y nos situará para que podamos empezar a meternos en la nueva obra que vamos a trabajar con un contexto claro.

Cómo realizar el análisis

Lo primero que debemos saber cuando comenzamos a trabajar una nueva pieza o estudio es el autor, la época y el estilo al que pertenece. Parece obvio, pero no todos los alumnos piensan en ello. Identificar y conocer el contexto histórico de la obra nos ayudará a encontrar el modo de tocarla: expresividad, vibrato, articulaciones, legatos… Todo ello depende del contexto, y es por eso que es lo primero que debemos conocer y trabajar.

El análisis de forma

Después de este primer paso, vendría el análisis de forma. Para ello, nos ayudará escuchar una grabación de la obra o cantarla. Debemos ir respondiendo una serie de preguntas:

  • ¿Qué tipo de composición es? ¿Cuál es la forma típica de esta composición?
  • ¿Cuántos temas hay? Identificarlos con letras (A, B,…)
  • ¿Cuántos subtemas hay? Identificarlos también con letras (a, b,…)
  • ¿Qué frases contiene cada tema? ¿Dónde están las cadencias?
  • ¿Están compuestas las frases por otras más pequeñas?
  • ¿Qué motivos hay? ¿Cuándo y cómo se repiten o varían?
  • ¿Hay alguna progresión?
  • ¿Hay puentes?
  • ¿Hay codas?
  • ¿Dónde están los puntos culminantes? ¿Y los puntos más bajos?

El análisis de forma es muy importante, ya que nos ayudará a pensar cómo debemos tocar cada frase, las direcciones de la música, las pausas, el movimiento, la expresividad, los momentos más enérgicos, los puntos más bajos y altos de la obra… Si hacemos un buen análisis, comprenderemos mejor cómo tenemos que tocar. Además, desde fuera se notará que hemos hecho un trabajo exhaustivo y que entendemos la partitura.

El análisis armónico

También es importante realizar un análisis armónico, aunque nos puede costar un poco de más trabajo que el análisis formal. Para ello, debemos responder estas cuestiones:

  • ¿Qué tonalidades aparecen en la obra? ¿Cuál es la principal?
  • ¿Qué acordes son más tensos?
  • ¿Qué acordes relajan la música?
  • ¿Qué tipo de cadencias hay? ¿Son más o menos conclusivas?
  • ¿Hay alguna “sorpresa” armónica?

Cuando se toca en grupo de cámara o en orquesta, el análisis armónico cobra mayor importancia: es esencial que cada instrumentista sepa qué nota del acorde lleva en cada momento para tocarla con la intensidad correcta y así ayudar a que la afinación sea óptima.

Como regla general, la tónica debe ser el sonido más intenso, seguido de la quinta, después la tercera y por último la séptima.

Cuando tienes dudas sobre la dirección de una frase o melodía, normalmente podrás encontrar la clave de la interpretación en el análisis armónico.

 Qué ventajas tiene analizar las obras que se estudian

  • Ganas tiempo, ya que comprendes antes la obra y desechas interpretaciones erróneas o poco ortodoxas.
  • Trasmites seguridad y conocimientos sobre la obra.
  • Creas argumentos para tu interpretación, con los que puedes explicar porqué lo tocas de un modo y no de otro.
  • Consigues que tu interpretación sea más clara y amena para el público.
  • Amplías tus conocimientos musicales.
  • Aprendes a estudiar sin el instrumento en las manos.
  • Te obliga a activar el cerebro de manera distinta en que lo haces cuando tocas, por lo que fijas mejor lo que aprendes.
  • Te ayuda a memorizar partituras.
  • Le das sentido a lo que interpretas.

Para conocer más sobre el análisis de partituras, recomendamos leer: Análisis Musical. Claves para entender e interpretar la música.

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Repetir y repetir, ¿sí o no?

Sin duda, a pesar de los avances pedagógicos, la repetición sigue formando parte de la práctica del instrumento. La tradición de la técnica dicta que, cuanto mas repitas un pasaje, mejor te saldrá. Sin embargo, ¿es esto correcto? ¿es la repetición una buena técnica de estudio?

La actividad musical es una actividad compleja, que implica tanto facultades motoras como mentales. Estudiar música y tocar un instrumento conllevan un aprendizaje continuo y diario con el fin de mejorar. Y para aprender, es necesario repetir. Sin embargo, en la repetición no vale todo.

Repetir sí, pero no de cualquier manera.

A la hora de estudiar cualquier materia, desde historia hasta matemáticas, la repetición también juega un papel importante. Sin embargo, la repetición en si misma- por ejemplo, leer un texto una y otra vez,- solo estimula nuestra memoria a corto plazo. Es cuando entran en juego la lectura comprensiva o el procesamiento de la información que se consigue fijar el aprendizaje en nuestra memoria a largo plazo.

La idea de lo que debe sonar.

Muchos estudiantes o intérpretes ya profesionales tienden a acostumbrarse a las faltas: asimilan como correcto algo que no lo es solo porque lo suelen repetir asiduamente. Faltas de precisión rítmica, sonido sucio, falta de calma en la interpretación… etc. Para repetir un pasaje y conseguir mejorarlo siempre se tiene que tener en mente el resultado musical que se busca.

Para practicar mediante la repetición es esencial que exista continuamente una comparación entre lo que es y lo que debe ser. Así conseguimos una práctica activa, hacemos participar a nuestro cerebro en el aprendizaje y optimizamos el tiempo de estudio.

La variedad es la clave.

La técnica de la repetición tiene una gran desventaja, y es que cuando repetimos algo diez o veinte veces seguidas, tendemos a perder el interés en lo que hacemos, a pensar en otras cosas y, por consiguiente, a perder un tiempo de estudio muy valioso. Si el cerebro se aburre, no aprende. ¿Como podemos conseguir mantener la concentración realizando aburridas repeticiones?

Las doctoras Christine Carter y Jessica Grahn se han asociado para estudiar estrategias eficaces de práctica musical. Su estudio evidencia que la práctica variada fomentan un aprendizaje mas rápido y eficaz. Si aplicamos esto a la técnica de la repetición, podemos pensar en una repetición variada: utilizar distintas articulaciones, ritmos, subdivisiones… Hacer que cada repetición sea algo distinto y nos obligue a mantener el cerebro alerta. Según la propia Dr. Carter, “el intercalado requiere un mayor esfuerzo, y esto aumenta la actividad mental, lo cual conduce a una mayor retención, la verdadera meta de la práctica“.

De esta forma, también se puede conseguir una mayor concentración sobre el estudio y una disminución considerable de las faltas. Manteniendo el cerebro mas activo, siempre con la idea de lo que debe sonar, y repitiendo de manera variada, conseguiremos mayor atención y actividad mental y, por tanto, un aprendizaje mas rápido y organizado.

Libro recomendado: Ejercitacion mental para musicos

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