Cómo enfocar la música de cámara en la enseñanza

La música de cámara lleva formando parte de la enseñanza musical desde hace varios años. Se trata de un área indispensable, que sitúa a los alumnos en un entorno de trabajo al que no están acostumbrados. Pasan de la característica individualidad de las clases de instrumento a formar parte de un grupo.

Desde el punto de vista pedagógico, es una clase con gran peso de la que los alumnos pueden aprender realmente qué significa ser músico. No siempre se le da el respeto que se merece. A menudo, por razones puramente logísticas, los profesores de música de cámara se ven obligados a trabajar con pocas horas, combinaciones instrumentales extrañas y sin repertorio propio o aulas insuficientes. Todo esto denota una la falta de reconocimiento.

Hoy vamos a centrarnos en los aspectos que se trabajan en esta clase para darle la importancia que realmente tiene:

La interpretación en grupo

A la hora de trabajar con una agrupación, independientemente de los instrumentos que la compongan, hay algunos puntos en común que podemos trabajar con los alumnos, los cuales les enseñarán a trabajar en cualquier agrupación en el futuro.

Flexibilidad individual

Es habitual encontrar en una misma agrupación alumnos con distintos niveles técnicos/musicales. Por un lado, el problema puede tener origen en la propia preparación del alumno. Por otro, la dificultad puede traerla la partitura, puesto que las obras que interpretamos en música de cámara no siempre son igual de difíciles para un instrumento que para otro.

Siempre debemos ayudar a los alumnos que encuentren mayores dificultades a olvidarse de los problemas técnicos y centrarse en el resultado final. Tengamos en cuenta que el aprendizaje de música de cámara, debe centrarse en conocer repertorio y aprender a interpretar en conjunto; no en trabajar aspectos técnicos individuales.

En este sentido, debemos instar a cada miembro del grupo a encontrarse cómodo. Esto nunca será posible si un alumno no puede superar psicológicamente un pasaje difícil. Lo menos relevante es que sea capaz de tocar de manera impecable, y esto es precisamente lo que debemos enseñarle: el resultado colectivo está por encima de los problemas técnicos que cada uno pueda enfrentar.

Mecánica de los ensayos

Otro de los puntos que un alumno debe aprender dentro de la clase de cámara es a trabajar en grupo. Este trabajo debe partir de detalles simples, que a priori se dan por sentados.

  • Puntualidad: siendo puntual, tanto en clase como en los ensayos programados, estará mostrando respeto por sus compañeros, su profesor, y la actividad conjunta.
  • Colocación en el espacio: La disposición de los músicos de cámara siempre debe ser meditada y tener una finalidad acústica. No olvidemos que tocamos para un público.
  • Rigurosidad en el trabajo: A la hora de trabajar en conjunto, es normal que los alumnos se dispersen, hablan entre ellos, se distraigan…etc. La música de cámara es el entorno ideal en el que pueden aprender la rigurosidad en el trabajo común. Cualquier falta de respeto afectará al resultado de un trabajo en grupo, por lo que repercutirá directamente en el resto de personas de la clase.

Afinación

Dentro de la clase de conjunto, los alumnos aprenderán el protocolo más usual para afinar dentro de una agrupación. Además de este detalle, es importante que aprendan a colocar cada nota dentro de los distintos acordes. Es en la clase de conjunto donde mejor pueden comprender que cada nota que tocan tiene una función armónica o melódica, y por tanto, una afinación diferente. El trabajo cuidado y coordinado con respecto a acordes y afinación general marcará la excelencia dentro del grupo de cámara.

Gestualidad en grupo

Todos los puntos que marcan el discurso musical deben ir acompañados de un gesto y una respiración que ayude a la interpretación en grupo. En la música de cámara, trabajaremos esto con los alumnos de manera exigente, para conseguir una mayor coordinación entre ellos, y por tanto, un mejor resultado sonoro.

No sólo debe marcar con gesto el instrumentista que lleve la voz principal, los demás tendrán que acompañar su gesto, respirar con él y moverse con él. Una buena herramienta de trabajo en este sentido es pedir a cada integrante del grupo que marque y dé las entradas. De esta manera todos asumirán la responsabilidad de dirigir la música, además de interiorizar mejor los gestos y la respiración necesarios.

Analizando la partitura

La música de cámara se convierte en un vehículo excepcional para transmitir los primeros conceptos del análisis musical de forma práctica. El análisis debe ser una actividad de conjunto previa a la interpretación, y en ella deben participar todos los miembros del grupo.

Dependiendo del nivel de los alumnos con los que se trabaje, se dará mayor o menor profundidad al trabajo de análisis en clase. Sin embargo, debemos seguir una serie de pautas. Lo primero que deben conocer los alumnos cuando comienzan a trabajar una nueva es el autor, la época y el estilo al que pertenece. Identificar y conocer el contexto histórico de la obra nos ayudará a encontrar el modo de tocarla.

El análisis de forma

Podemos hacer que los alumnos respondan una serie de preguntas para guiarles en su análisis:

  • ¿Qué tipo de composición es? ¿Cuál es la forma típica de esta composición?
  • ¿Cuántos temas hay? Identificarlos con letras (A, B,…)
  • ¿Cuántos subtemas hay? Identificarlos también con letras (a, b,…)
  • ¿Qué frases contiene cada tema? ¿Dónde están las cadencias?
  • ¿Están compuestas las frases por otras más pequeñas?
  • ¿Qué motivos hay? ¿Cuándo y cómo se repiten o varían
  • ¿Hay alguna progresión?
  • ¿Exiten puentes?
  • ¿Hay codas?
  • ¿Dónde están los puntos culminantes? ¿Y los puntos más bajos?

El análisis armónico

También es importante realizar un análisis armónico. Del mismo modo, podemos plantear una nueva serie de cuestiones:

  • ¿Qué tonalidades aparecen en la obra? ¿Cuál es la principal?
  • ¿Qué acordes son más tensos?
  • ¿Cuáles son los que relajan la música?
  • ¿Qué tipo de cadencias hay? ¿Son más o menos conclusivas?
  • ¿Hay alguna “sorpresa” armónica?

Cuando se toca en grupo de cámara o en orquesta, el análisis armónico cobra mayor importancia: es esencial que cada instrumentista sepa qué nota del acorde lleva en cada momento para tocarla con la intensidad y la colocación correctas y así ayudar a que la afinación sea óptima.

Técnicas de educación corporal

El trabajo en grupos de cámara es una situación perfecta para introducir a los alumnos en la educación corporal.  Los ejercicios en grupo ayudarán a crear una rutina.

Elementos a trabajar

  • Calentamiento físico: El calentamiento previo a la actividad de tocar previene lesione y prepara el cuerpo y la mente para la concentración durante la clase. Podemos elaborar una pequeña tabla de ejercicios de no más de 5 minutos que se adapte a todos los tipos de alumnos de la clase.
  • Respiración en conjunto: la respiración es la base de la música. A través de ella damos sentido al discurso musical. Tanto o más importante es en el trabajo en grupo, donde la coordinación juega un importante papel. A través de una serie de ejercicios que el profesor proponga, los alumnos deben aprender a respirar juntos.
  • Estiramientos post-actividad física: Después de tocar, es recomendable estirar la musculatura para evitar posibles lesiones tanto a corto como a largo plazo. Con 5 minutos de ejercicios propuestos por el profesor será suficiente.
  • Relajación en conjunto: Un estado de relajación implica relajación mental, física y mayor concentración. Por ello, es importante que los alumnos la practiquen y la manejen tanto en solitario como en grupo. Con ello, conseguirán mayor seguridad en dentro del conjunto, desinhibición al tocar con otros compañeros y concentración. Así pues, la aplicación de alguna técnica de relajación autoinducida favorecerá el trabajo del grupo de cámara.
  • Ejercicios y actividades de motricidad en conjunto: otro factor que podemos trabajar es la motricidad. Muchos pedagogos, como Kodaly o Dalcroze, se han apoyado en el movimiento como base en sus métodos. A través del dominio del movimiento se consigue mayor control rítmico, relajación, socialización…etc. El profesor podrá plantear algunos ejercicios en función de las edades de los alumnos.

Mejorando la audición

En este sentido, la música de cámara cumple una función crucial en el desarrollo del oído musical. En primera instancia, en cuanto a afinación dentro de la armonía. Pero también se desarrolla la audición de la polifonía y los distintos timbres. Los conceptos a trabajar serán:

  • Timbres de los distintos instrumentos de la propia familia
  • Timbres de instrumentos de distintas familias
  • Afinación dentro de un contexto armónico y melódico
  • Afinación dentro de un conjunto de tímbricas mixtas
  • Atención a las distintas voces que componen el grupo de cámara
  • Trabajo del papel de la voz propia dentro de un conjunto
  • Atención al empaste de dinámicas, articulaciones y técnica con otros instrumentistas
  • Atención a las distintas sonoridades del propio instrumento y del conjunto: colores, efectos, intensidades
  • Balance de voces

Improvisar en grupo

Dalcroze escribía en 1932: “Improvisar es expresar sobre el terreno los pensamientos, tan rápidamente como se presentan y se desarrollan en nuestra mente”. La clase de cámara se presenta como el entorno perfecto para desarrollarla, ya que el alumno, movido por la participación de sus compañeros, puede desarrollar sus capacidades creativas. El trabajo de improvisación en la clase conjunta tiene ciertas funciones:

  • Ayuda a sintetizar lo aprendido a través de la experiencia
  • Demuestra que el alumno ha aprendido o entiende conceptos
  • Motiva al alumno a expresar sus ideas musicales propias
  • Estimula los poderes de concentración, capacidad de escuchar e imaginación
  • Crea sentimientos de satisfacción y logro

Para improvisar, el profesor puede darle al alumno algunos elementos en los que basarse, o simplemente dejar que él sea el que tome el mando. La improvisación no tiene que hacerse obligatoriamente con el instrumento. También se puede improvisar cantando, o utilizando el cuerpo. El objetivo final es estimular al alumno para que se desinhiba y conecte cuerpo y mente.

Lectura a primera vista y memoria

La memoria musical cobra un papel relevante dentro del trabajo en conjunto. Mientras el alumno se centre en el papel, le costará más interactuar con sus compañeros y abrir la mente hacia la sonoridad conjunta, alejándose de su sonido personal.

No hablamos sólo de memorizar las notas, sino de memorizar el papel dentro del conjunto, con todos sus detalles dinámicos y musicales. De esta manera, cada alumno dentro del grupo interiorizará un discurso más allá de las notas “sin sentido” de su particella.

En cuanto a la práctica de la primera vista, el entorno de la música de cámara juega un importante papel. Leer partituras en conjunto obliga a cada alumno a centrar su atención más allá de su propio papel y utilizar su intuición musical para interpretar dentro del conjunto una partitura que no conoce. Al practicar esta lectura a primera vista en conjunto, el alumno no puede distraerse o centrarse demasiado en las notas. Tendrá que mantener una rítmica común y continuar la lectura hasta el final sin excusas, puesto que se trata de una actividad de conjunto, en la que juega un importante papel.

 

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El método Dalcroze: movimiento, improvisación y memoria

Jaques Dalcroze fue un músico y teórico nacido en 1865, conocido por sus teorías sobre el aprendizaje rítmico. Sin embargo, su intención iba mucho más allá: siempre pretendió establecer un método musical para desarrollar el oído, la creatividad y la conexión entre cuerpo y mente.

Su método se basa en enseñar a los alumnos a través del movimiento. Creía firmemente en que el movimiento está relacionado con la música: el movimiento es ritmo y ayuda al aprendizaje musical. Esta es la faceta más conocida y aplicada de su método. Pero el trabajo del movimiento relacionado con el ritmo va más allá: combinado con el desarrollo de la creatividad y la improvisación, ayuda a liberar al alumno de sus inhibiciones, controlar su cuerpo, sus repuestas nerviosas y sentir dentro de la interpretación.

La idea de Dalcroze es que el alumno debe experimentar la música tanto física como espiritualmente. Sus metas son el desarrollo del oído interno y la relación consciente entre mente y cuerpo para ejercer control durante la actividad musical.

La música es movimiento

Según el método Dalcroze, la experiencia musical debe nacer del movimiento. Este pedagogo veía en sus alumnos más noveles lo mucho que les costaba medir correctamente las partituras, incluso después de varios años de estudio. Comprendió que algo fallaba en el proceso de aprendizaje y se propuso darle la vuelta.

Antes de aprender a leer la partitura, o de interpretar la música, los alumnos deben aprender a sentir y moverse con ella. Buscó un aula grande y con espejos, pidió a sus alumnos que se descalzaran y se movieran por la clase al ritmo del piano.

Este fue el inicio de una serie de ejercicios que les planteaba, en los que el cuerpo era su principal instrumento musical. Observó que a los alumnos más retraídos les costaba moverse más que al resto, y sin embargo, comenzaron a progresar mucho más rápido con este método. La descoordinación que tenían se iba solucionando: la barrera entre su cuerpo y su mente se abría dándoles el control de la actividad musical.

Improvisación

Dalcroze escribía en 1932: “Improvisar es expresar sobre el terreno los pensamientos, tan rápidamente como se presentan y se desarrollan en nuestra mente”. En aquel momento, Dalcroze se preguntaba por qué la improvisación tenía tan poco espacio en la educación musical, siendo un vehículo tan importante en el aprendizaje y las capacidades expresivas del alumno. Todavía hoy esto sigue ocurriendo.

La improvisación que Dalcroze plantea distintos objetivos:

  • Ayuda a sintetizar lo aprendido a través de la experiencia
  • Demuestra que el alumno ha aprendido o entiende conceptos
  • Motiva al alumno a expresar sus ideas musicales propias
  • Estimula los poderes de concentración, capacidad de escuchar e imaginación
  • Crea sentimientos de satisfacción y logro

Para improvisar, el profesor puede darle al alumno algunos elementos en los que basarse, o simplemente dejar que él sea el que tome el mando. La improvisación no tiene que hacerse obligatoriamente con el instrumento. También se puede improvisar cantando, o utilizando el cuerpo. El objetivo final es estimular al alumno para que se desinhiba y conecte cuerpo y mente.

Memoria

Al igual que en todo su método, Dalcroze propone que el movimiento forme parte del proceso de memorización. Por un lado, utiliza la memoria imitativa. El profesor canta o toca un pequeño fragmento y el alumno lo repite acto seguido.

Lo novedoso es que añade el elemento motoro: Al repetir el fragmento memorizado, los alumnos caminan por la clase. Pueden hacerlo con el pulso de la música o siguiendo el ritmo melódico. De esta manera, se integran en el aprendizaje varios elementos que ayudan una vez más al cuerpo y la mente a mantenerse conectados.

La propuesta de Dalcroze es integrar todo el cuerpo en el proceso de aprendizaje musical: sentimientos, movimiento, tiempo y espacio se aunan para ayudar al alumno a aprender de forma más segura y rápida.

 

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David Monleón: ¡la música es vida, experimentar e improvisar!


¿Cómo ha sido tu experiencia en el Casting de Canto Moderno “Singing Talent”?

Muy enriquecedora. Para mí personalmente ha sido un reto muy grande. He tocado delante de más gente pero con bandas, o solo incluso pero nunca me han estado juzgando como cantante individualmente de manera que esa presión ha sido nueva para mi. Ver talento de otras personas, es como ser consciente de la realidad en la que estamos todos y es que hay que trabajar duro porque somos muchos. ¡Normal, la música es vida! jeje

¿Qué hace a un buen cantante?

Yo creo que un buen cantante tiene que ser alguien mas que cante muy bien. Un cantante completo entiende y vive la música incluso su vida de una manera concreta. Ser buena persona lo veo igual de importante que cantar bien. Nunca compraré música de alguien que cante muy bien pero no me parezca un ser humano en sus acciones. Para ellos, ver entrevistas personales, ver videos en directo es un buen recurso. Hay cantantes que los admiro vocalmente muchísimo pero ahí me quedo. Y otros que admiro muchas más cosas de ellos. Creo que es importante ser humilde, respetuoso con cada hacer de las personas allá donde vayas.

¿Qué experiencia profesional recordarás siempre?

He trabajado con un cuarteto de voces increíble. Nuestra especialidad eran las armonías complejas. Son las tres personas con más talento que a día de hoy he conocido en mi vida con diferencia. Fuimos seleccionados muy rigurosamente y trabajar con ellos jamás lo olvidaré. Les admiro y les apoyo.

¿Qué libro te llevarías a una isla desierta?

El penúltimo sueño de Ángela Becerra.

¿Y qué disco?

Una mattina de Ludovico Eunaudi. Si me muero en una isla, que me muera en paz con su música, jaja.

Una canción que sea muy especial para ti.

Hallelujah de Leonard Cohen

¿Por qué?

Es la canción con la descubrí un mundo de sensaciones tocándola con mi guitarra y cantándola. La he tocado en momentos intensos y significa mucho para mi.

Si fueras un instrumento musical, ¿cuál sería?

Un piano.

¿Cuál es el concierto más especial que has vivido como oyente?

Tengo una anécdota bastante curiosa. El pasado 2015 hice el Camino de Santiago y lo acabé después de dos semanas, ya que era lo que me faltaba. Vi que en Madrid iba a hacer un concierto Sam Smith en un festival. Ni miré absolutamente quien mas iba, solo por verlo a él compré la entrada al festival, hice noche en Madrid y no me fui directo a Almazora, mi pueblo. Llevaba meses esperando ese concierto ya que me parece vocalmente perfecto.

Fui al festival, estuve descubriendo otros conciertos que no conocía y entusiasmadísimo me puse una hora antes del concierto en primera fila. Me senté en el suelo literalmente y de pronto una chica se sentó a mi lado. Empezamos a hablar y le pregunté si era seguro en ese escenario el concierto de Sam porque llevaba una hora sentado. Y me enseñó el Facebook de Sam Smith en el que decía que el concierto se había cancelado por una infección respiratoria. No me lo creía, me deprimí, y me fuí del festival unas horas después una vez había olvidado la decepción con unas cervezas. Nunca lo olvidaré.

Contestando a la pregunta del mejor concierto, fué MUSE en el palacio de los deportes de Madrid.

¿Qué opinas de la situación actual de la música? 

Es muy difícil que las casas discográficas apuesten por las diferencias. Su estructura como empresa está hecha con moldes para una serie de producto, si sales de sus moldes, aunque seas muy muy bueno, no pueden lanzarte como artista. No es una apuesta segura, y es justamente lo que buscan, éxitos ya.

Muchísimas de las oportunidades están en internet (tener seguidores), castings (Singing Talent), audiciones. Nunca sabes quién puede estar escuchándote. Si tienes seguidores no hará falta presentar nada, ellos vendrán a por ti, si no, es más difícil. Hay otros caminos en los que uno se puede mover. Lo que está claro es que no hay que parar de hacer cosas en una misma dirección, y es en conseguir tus sueños. 



¿Qué crees que debería cambiar?

Esas estructuras dentro de las casas discográficas. Perdemos la oportunidad de escuchar nuevos horizontes musicales. La música es experimentar, improvisar. Si siempre escuchamos lo mismo, estamos en una dirección limitante y esa sensación no me gusta como persona ni como artista. La música no debería de tener límites en este sentido. El escuchar mas tipos de música haría que la gente encontrará mas complicidad con la variedad ya que cada persona reacciona de forma distinta a diferentes estilos musicales, así que podríamos conectar con más variedad, y eso me parece riqueza a muchos niveles.

¿Dónde pueden hallar nuestros lectores más información en la red sobre ti?

David Monleón: ¡la música es vida, experimentar e improvisar!


¿Cómo ha sido tu experiencia en el Casting de Canto Moderno “Singing Talent”?

Muy enriquecedora. Para mí personalmente ha sido un reto muy grande. He tocado delante de más gente pero con bandas, o solo incluso pero nunca me han estado juzgando como cantante individualmente de manera que esa presión ha sido nueva para mi. Ver talento de otras personas, es como ser consciente de la realidad en la que estamos todos y es que hay que trabajar duro porque somos muchos. ¡Normal, la música es vida! jeje

¿Qué hace a un buen cantante?

Yo creo que un buen cantante tiene que ser alguien mas que cante muy bien. Un cantante completo entiende y vive la música incluso su vida de una manera concreta. Ser buena persona lo veo igual de importante que cantar bien. Nunca compraré música de alguien que cante muy bien pero no me parezca un ser humano en sus acciones. Para ellos, ver entrevistas personales, ver videos en directo es un buen recurso. Hay cantantes que los admiro vocalmente muchísimo pero ahí me quedo. Y otros que admiro muchas más cosas de ellos. Creo que es importante ser humilde, respetuoso con cada hacer de las personas allá donde vayas.

¿Qué experiencia profesional recordarás siempre?

He trabajado con un cuarteto de voces increíble. Nuestra especialidad eran las armonías complejas. Son las tres personas con más talento que a día de hoy he conocido en mi vida con diferencia. Fuimos seleccionados muy rigurosamente y trabajar con ellos jamás lo olvidaré. Les admiro y les apoyo.

¿Qué libro te llevarías a una isla desierta?

El penúltimo sueño de Ángela Becerra.

¿Y qué disco?

Una mattina de Ludovico Eunaudi. Si me muero en una isla, que me muera en paz con su música, jaja.

Una canción que sea muy especial para ti.

Hallelujah de Leonard Cohen

¿Por qué?

Es la canción con la descubrí un mundo de sensaciones tocándola con mi guitarra y cantándola. La he tocado en momentos intensos y significa mucho para mi.

Si fueras un instrumento musical, ¿cuál sería?

Un piano.

¿Cuál es el concierto más especial que has vivido como oyente?

Tengo una anécdota bastante curiosa. El pasado 2015 hice el Camino de Santiago y lo acabé después de dos semanas, ya que era lo que me faltaba. Vi que en Madrid iba a hacer un concierto Sam Smith en un festival. Ni miré absolutamente quien mas iba, solo por verlo a él compré la entrada al festival, hice noche en Madrid y no me fui directo a Almazora, mi pueblo. Llevaba meses esperando ese concierto ya que me parece vocalmente perfecto.

Fui al festival, estuve descubriendo otros conciertos que no conocía y entusiasmadísimo me puse una hora antes del concierto en primera fila. Me senté en el suelo literalmente y de pronto una chica se sentó a mi lado. Empezamos a hablar y le pregunté si era seguro en ese escenario el concierto de Sam porque llevaba una hora sentado. Y me enseñó el Facebook de Sam Smith en el que decía que el concierto se había cancelado por una infección respiratoria. No me lo creía, me deprimí, y me fuí del festival unas horas después una vez había olvidado la decepción con unas cervezas. Nunca lo olvidaré.

Contestando a la pregunta del mejor concierto, fué MUSE en el palacio de los deportes de Madrid.

¿Qué opinas de la situación actual de la música? 

Es muy difícil que las casas discográficas apuesten por las diferencias. Su estructura como empresa está hecha con moldes para una serie de producto, si sales de sus moldes, aunque seas muy muy bueno, no pueden lanzarte como artista. No es una apuesta segura, y es justamente lo que buscan, éxitos ya.

Muchísimas de las oportunidades están en internet (tener seguidores), castings (Singing Talent), audiciones. Nunca sabes quién puede estar escuchándote. Si tienes seguidores no hará falta presentar nada, ellos vendrán a por ti, si no, es más difícil. Hay otros caminos en los que uno se puede mover. Lo que está claro es que no hay que parar de hacer cosas en una misma dirección, y es en conseguir tus sueños. 



¿Qué crees que debería cambiar?

Esas estructuras dentro de las casas discográficas. Perdemos la oportunidad de escuchar nuevos horizontes musicales. La música es experimentar, improvisar. Si siempre escuchamos lo mismo, estamos en una dirección limitante y esa sensación no me gusta como persona ni como artista. La música no debería de tener límites en este sentido. El escuchar mas tipos de música haría que la gente encontrará mas complicidad con la variedad ya que cada persona reacciona de forma distinta a diferentes estilos musicales, así que podríamos conectar con más variedad, y eso me parece riqueza a muchos niveles.

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Axel Casas: guíense por la pasión

Las emociones son fundamentales para empatizar con el público, ¿de qué manera influye tu estado emocional en las grabaciones? 
Es curioso porque mucha gente nos escribe para decirnos que les alegramos la vida o que gracias a nuestro trabajo se animan en un mal día. Pero detrás de todo esto que es muy bonito, la verdad suele ser otra. Algunos de nuestros vídeos más divertidos los hemos hecho enfadados o con poca gana de hacer reír. Por lo general no es así y disfrutamos mucho de la grabación, pero no es tanto como la gente se cree. Detrás de la risa hay llantos…

¿Qué equipo, software, micros, etc... usas? 
Siempre he pensado que el formato no es lo que realmente importa. Si tienes algo divertido que contar, lo puedes hacer con el snapchat. Muchas veces cuanto más rudimentarios son tus medios más te lo tienes que trabajar para que salga como quieres. Me parece muy interesante poder grabar con el teléfono y editar con el Imovie. Se te ocurre algo, lo grabas, lo editas y lo subes…en el momento. Sin necesidad de volcar el material o hacer renders. Por ejemplo toda la saga de hombres sensibles y todo el material que subo en instagram, lo grabo y edito con el teléfono. 

Por supuesto que otras veces utilizamos equipo profesional, iluminación y edición en final cut o premiere. Pero precisamente porque se lo que a veces cuesta sacar un trabajo así, disfruto aun más de hacerlo sencillo y rápido. 

¿En cuántas tomas como promedio creas un vídeo? 
Depende de quien esté delante de la cámara. Soy muy fan de la primera toma, de la frescura. Pero cuando trabajo con mi primo Erik o mi tío Josetxo, podemos hacer 15 tomas de un plano…se confunden bastante y les hago repetir mucho. Luego en edición casi siempre cojo su peor toma, porque es la que más gracia me hace. Pero esto es una forma muy personal que tengo de trabajar. Cuando realizo trabajos más serios funciono de otra manera más convencional. Que no se vaya a pensar la gente que soy un chapucero de verdad, lo de hacerlo mal a propósito es complicado cuando no sabes hacerlo bien de verdad. 

¿Hacia dónde piensas que camina Youtube?
No se hacia donde va, lo que sí sé es que yo cada vez me voy más hacia otro lado. Creo que llegará un día en youtube desaparecerá y se inventará otra cosa. No tengo nada en contra de los vloggers, gamers, etc, pero no es algo que vaya conmigo…supongo que me estoy haciendo mayor. 

¿Cómo se profesionaliza un youtuber? 
Eso deberías preguntárselo a uno de ellos, yo no me considero un youtuber. Lo que está claro es que profesionales o no, hay algunos que llegan a ganarse la vida con ello. Así que podríamos decir que ser youtuber es una profesión.

¿Qué consejo darías a quien se inicia en este apasionante mundo de la creación de contenido audiovisual? 
Yo empecé a grabar con 13 años y hoy por hoy me sigue apasionando. Es mi forma de vivir, cuando tenemos un rato libre cogemos la cámara y nos ponemos a grabar cosas. Mi consejo sería ese: que se guíen por la pasión. Que hagan las cosas de corazón y no busquen otra cosa más que disfrutar con ello. Si tiene que llegar algo ya vendrá. No busques likes, ni suscriptores, haz lo que te guste.

¿Cómo es el proceso creativo habitual de tus vídeos? 
La verdad es que no tengo un proceso estándar. Surgen de muchas formas. A veces se me ocurre una idea conduciendo o en la ducha y después trabajo en ella, tomando notas o incluso escribiendo un guión. Por otro lado, me gusta jugar mucho con la improvisación y a veces ni siquiera tengo una idea fija cuando empezamos a grabar.

¿Están guionizados o improvisas? 
Depende mucho del tipo de video que sea. Si es algo “serio” o un trabajo, están bastante guionizados. Aunque después en grabación nos saquemos cosas de la chistera o incluso en el propio montaje. Me encanta escribir con mi co-guinista y amigo Gorka Ronquete, de hecho recientemente hemos terminado de escribir el guión de nuestra primera película “Paranormales”. Un proceso largo y complicado. Pero también disfruto muchísimo cuando nos saltamos todo a la torera e improvisamos sin tener nada pensado. Me parece interesante combinar estos dos conceptos y creo que es lo que hace nuestros videos tan personales. 

¿Cómo sincronizas la voz con la imagen? 
Normalmente no sincronizo, porque grabo con una videocámara y me evito complicaciones. Cuando trabajamos con sonido por separado, solemos utilizar un programa de sincro que se llama “Pluraeyes”. Ultimamente incluso grabo y edito con el iphone, me parecen maravillosas las opciones que esto te da en cuanto a frescura e inmediatez. 

¿Cuál es el vídeo del que te sientes más orgulloso? 
No te sabría responder a eso. Son muchísimos años grabando y colgando cosas. No tengo un favorito como tal y no me siento orgulloso de algunas cosas que he hecho…era joven y necesitaba el dinero (risas) La saga de “Transilvania Vamp High School” (nuestra actual web serie) me gusta porque es algo muy personal y diferente. 

¿Dónde pueden encontrar nuestros lectores más información sobre ti?
Pues prácticamente en todas las redes sociales: Youtube, Facebook, instagram, snapchat: axelcasas

-Si quieres saber más: sobre el mundo Youtuber.