4 grandes clases magistrales gracias a la Menuhin Competition.

El Concurso Internacional de violín Menuhin es probablemente, y con justicia, uno de los más famosos y prestigiosos eventos violinísticos del mundo. No sólo por el nivel del concurso en sí, sino por su filosofía pedagógica e innovadora, con pruebas como la de improvisación, y sus clases magistrales con los participantes, a cargo de intérpretes de nivel excepcional, como los que participaron en la edición de 2018.

Estas masterclasses son grabadas y publicadas en Youtube para su libre difusión, algo muy de agradecer.

Sobre todo si sois profesores o alumnos avanzados, no dejéis de ver y escuchar los comentarios de estos grandes maestros. Obviamente están en inglés pero, si esto es un gran problema, podéis activar los subtítulos con traducción automática.

Masterclass de Maxim Vengerov

Carmen Fantasie  | Waxman

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Carmen Fantasie es una composición para violín concebida en 1946 por Franz Waxman, dentro de la obra que compuso para la película Humoresque, por la que recibiría un Oscar de la Academia.

Es una pieza inspirada en fragmentos de la ópera Carmen, de Bizet, eminentemente virtuosística, que inicialmente debía ser interpretada por Jascha Heifetz pero que en su primera grabación para la película fue finalmente adjudicada a un joven Isaac Stern.

Por su carácter de obra de lucimiento, es habitualmente interpretada por los mejores violinistas.

Caprice d’après l’Étude en forme de Valse de Saint-Saëns, Op. 52 | Eugene Ysaÿe

Esta es una adaptación de una pieza para piano de Camille Saint-Saëns que Ysaÿe adaptó para violín y que se ha vuelto muy popular, entre otras razones por interpretaciones como las realizadas por el mismo Vengerov. Una gran muestra de la técnica de la escuela franco-belga.

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Sonata para violín nº2 – Andante | J. S. Bach

Las sonatas y partitas para violín solo son probablemente las composiciones para violín solo más importantes de la historia de la música. Compuestas por el maestro de Eisenach en 1703, están basadas en danzas y no fueron publicadas de forma íntegra hasta 1802.

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Masterclass de Pamela Frank

Sonata para violín nº1 en Sol mayor | Johannes Brahms

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La romántica Sonata nº1 de Brahms parte de unos temas previamente compuestos por el autor con motivos de la naturaleza, y por eso a veces también llamada “sonata de la lluvia”. Melancólica y sentimental, es una obra para gestionar emociones.

Sonata para violín solo nº4 en Mi menor | Eugène Ysaÿe

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Las seis sonatas para violín solo de Eugène Ysaÿe fueron compuestas en 1923 y dedicadas cada una a un famoso violinista de su tiempo: No 1, Joseph Szigeti; No 2, Jacques Thibaud; No 3, Georges Enescu; No 4, Fritz Kreisler; No 5, Mathieu Crickboom; No 6, Manuel Quiroga. En la segunda parte del siguiente vídeo se estudia la 4, dedicada a Frit Kreisler. Estas sonatas son plenamente modernas, con un uso importante de características interpretativas del siglo XX como escalas de tono entero, disonancias y cuartos de tono, así como golpes de arco y técnicas especiales de mano izquierda.  Pero, a pesar de la alta exigencia técnica de su obra, Ysaÿe apuntaba a la importancia de otro tipo de cuestiones: un maestro de violín “debe ser un violinista, un pensador, un poeta, un ser humano, debe haber conocido la esperanza, el amor, la pasión y la desesperación, debe haber recorrido toda la gama de emociones para expresarlas en su interpretación.”

Sonata para violín y piano nº4 en La menor | L. V. Beethoven

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Escrita en 1801, la sonata nº4 para violín y piano de Beethoven fue muy bien recibida en su época. Tiene una estructura de pequeños fragmentos melódicos en los que va modulando desde el La menor al Mi menor, para volver de nuevo a la tonalidad.

Capricho para violín solo nº19 | Pietro Locatelli

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Pietro Locatelli fue un violinista prodigio de principios del XVIII, pedagogo autor de la conocida obra “Arte del violino”, con los famosos 24 caprichos para violín a los que pertenece el número 19 aquí estudiado (y de los cuales el más famoso es el llamado “Laberinto armónico”.

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Masterclass de Henning Kraggerud

Romance en Sol | Johan Svendsen

Una de las composiciones más populares del compositor, director y violinista noruego Johan Svendsen, escrita en Christiania en 1881. Romántica y muy emotiva, está presente en multitud de recopilatorios de música para violín.

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Sonata para violín y piano nº8  |  L. V. Beethoven

Otra de las sonatas de Beethoven, publicada en 1803 y dedicada al zar Alejandro I de Rusia.

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Sonata para violín nº3, Largo, allegro assai  |  J. S. Bach

Uno de los fragmentos para violín de Bach más dulces y emotivos, dentro de una de las obras para violín solo más increíbles de toda la historia, por no decir simplemente la mejor.

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Concierto nº4 para violín  | W. A. Mozart

Uno de los grandes conciertos del repertorio, compuesto por Mozart, según se cree, para interpretarlo por él mismo, aunque finalmente legara la tarea al violinista Antonio Bruneti. Se debate si era así de difícil desde el principio  o lo modificó para que estuviera a la altura de la maestría de Brunetti en el concierto. Como veis, hoy en día lo interpretan adolescentes con gran maestría.

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Masterclass Joji Hattori

Tzigane | Maurice Ravel

“Tzigane” significa “Gitano”, así que esta pieza busca atrapar el espíritu de la música gitana. Ravel compuso esta pieza para la violinista húngara Jelly d´ Aranyi, sobrina nieta del gran violinista virtuoso Joseph Joachim, y de ella tomó varias de sus improvisaciones para incluirlas en la versión final de la obra.

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Concierto para violín nº3 | W. A. Mozart

Uno de los grandes conciertos del repertorio fue compuesto por Mozart cuando contaba con 19 años.

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Sonata para violín nº1 | L. V. Beethoven

Una sonata dedicada a Antonio Salieri (sí, aquel compositor al que, por culpa de una gran película, todo el mundo relaciona ahora con la envidia). Una obra compuesta en 1798 de estilo clásico.

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Capricho para violín nº3 | Henryk Wieniawski

Una obra de vocación pedagógica, ya que cada uno de los caprichos de este Opus 18 está dedicada a una técnica interpretativa. En este se trabaja mucho cambio de cuerda, de posición y extensiones de dedos de la mano izquierda.

Aunque están compuestos para ser acompañados por un segundo violín, son a menudo interpretados a violín solo, ya que suena perfectamente bien así.

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Cuatro cosas que aprendí en la masterclass de Christian Howes y Oriol Saña

Este fin de semana se ha desarrollado la Qarbonia Fiddle Weekend en Madrid, en la Escuela de Música SotoMesa, con intensas actividades pedagógicas a las que tuve la suerte de poder asistir. Y es que participaban nada menos que dos de los mejores violinistas no clásicos del momento en Europa y Estados Unidos: Oriol Saña y Christian Howes.

Es imposible resumir un día entero de trabajo en un artículo, pero entresacaré cuatro puntos especialmente interesantes que me apetece destacar:

La importancia de las notas fantasma (Ghost notes).

Una nota fantasma es una nota que se ejecuta pero no suena, o lo hace apenas. Pero entonces ¿para qué la ejecutas? os preguntaréis. Pues bien, hay buenas razones para ello.

En violín moderno, a menudo el instrumento tiene una gran carga rítmica. Se debe llevar el “groove” del estilo que estemos tocando, ya sea samba, rumba, swing. reggae, etc., y para ello el brazo derecho debe interiorizar ese ritmo y mantenerlo imperturbable y perfecto durante todo el tema, al menos hasta que sea su turno de “cantar” o hacer algún solo en el que podemos tocar más libremente según nuestro gusto y conocimientos, incluso adelantándonos o atrasándonos respecto al resto de músicos.

Para mantener bien el ritmo el brazo derecho debe arrancar su motorcito y mantenerlo constante, sobre todo a partir de los dedos de la mano derecha, y con la muñeca flexible. Entonces, según el tipo de ritmo del estilo que estemos tocando, se hacen sonar unas notas y se silencian otras. Las notas que se silencian se ejecutan igual, para mantener el ritmo, pero son casi mudas, siguen ahí, para que podamos seguir el groove de la banda sin perderlo en ningún momento. En una partitura las notas fantasma podrían aparecer como silencios, pero sería mucho más complicado tener un buen ritmo si detuviéramos nuestro brazo completamente, como hacemos en técnica clásica. En lugar de eso, la Ghost note se realiza pasando el arco tan ligeramente sobre las cuerdas que estas no resuenan, incluso podemos ayudar al efecto silenciando las cuerdas con los dedos de la mano izquierda.

 

En el ejemplo anterior vemos algunos ejemplos de ejercicios de ritmos con notas fantasma. Las posibilidades son infinitas, y el tiempo de práctica finito, así que escogemos ritmos que solamos necesitar.

Cuando tengamos soltura con las notas fantasma podemos aplicar la técnica cuando encontremos silencios anotados de forma ortodoxa, en lugar de simplemente dejar de tocar, lo que hacemos es “tocar los silencios” siguiendo con nuestro ritmo, pero sin que suene la nota.

Esta técnica requiere una forma de tocar suave y elástica, no podemos ser resonantes ni intentar conseguir sonidos poderosos, es aconsejable realizarla con la mitad hacia la punta del arco y con una buena elasticidad de dedos y muñeca, que serán los que hagan el trabajo.

Los chops

Aunque esta técnica es ya muy conocida y popular nunca está de más darle un repaso a lo básico de su ejecución, los diferentes tipos de chops que se pueden hacer y lo más importante: si sabes hacer chops pero no conoces ni tienes interiorizado el ritmo del estilo de música que quieres tocar, no te va a servir de nada.

Abajo os dejo unos ejemplos de anotaciones de chops y un par de ritmos. La técnica del chop requiere algunas explicaciones en vivo, así que mejor es no intentarlo por escrito.

La improvisación en el ámbito clásico

Desde siempre, en las partituras de temas no clásicos como el jazz, rock, pop, samba, etc., además de la partitura de la melodía y/o acompañamientos, se anotan los acordes y su valor armónico en la parte superior, para guiarnos al hacer variaciones e improvisaciones sobre el tema principal. Seguro que más de uno pensaba que están ahí solamente para que, si tienes a mano algún guitarrista o pianista, podamos darle los acordes para que nos acompañe… ¡pues no! Esos acordes también están ahí para nosotros, para entender la progresión armónica del tema y así tocar cualquier ocurrencia o seguir nuestra inspiración sin perdernos.

Pero es que esto también es aplicable a buena parte de la música que solemos entender por clásica. En la mayoría de las composiciones clásicas también hay un fondo armónico basado en acordes que los violinistas solemos obviar, y es una de nuestras mayores carencias.

Por ejemplo, debajo podéis anotados los acordes del Canon de Pachelbel, y toda la pila de notas que forman parte de cada acorde. Utilizando dichas notas como base tenemos una base perfecta para improvisar, acompañar, adaptar a otro estilo, etc.

Una de las cosas que se comentó en la Masterclass era esto: ¿por qué, por ejemplo, no se anotan los acordes en métodos de aprendizaje como el Suzuki? Porque realmente miles de personas saben tocar, digamos por ejemplo, Twinkle Twinkle, pero pocos saben o se han parado a pensar qué acordes componen dicha canción.

Cómo trabajar nuestra capacidad armónica

Christian Howes expuso su método de trabajo para desarrollar nuestro sentido armónico y nuestra capacidad, por tanto, de acompañar, improvisar, componer, crear música en definitiva

Su método de aprendizaje se basa en el conocimiento de la estructura de los acordes y en el trabajo sobre ellos, con una línea ascendente de dificultad. Los acordes básicos están compuestos por una nota raíz más una tercera y una quinta (1-3-5). Esto es lo más básico que se debe dominar.

Christian recomienda los siguientes ejercicios a partir de las pilas de acordes fundamentales y el archivo de audio (o tu propias grabaciones, o un segundo intérprete).

Por ejemplo, tomando como base los acordes del Canon de Pachelbel mostrado anteriormente.

  • Toca una nota de la pila por acorde. Mientras te mueves de acorde a acorde, intenta que sea un cambio con la menor distancia posible, es decir, un paso arriba o abajo, o tocar lo mismo si dos acordes comparten una misma nota.
  • Toca dos notas (consecutivas) por acorde. Como en el ejercicio anterior, toca solo notas del acorde yhaz que al cambiar haya la mínima distancia entre cada par de notas.
  • Toca dos notas (consecutivas) por acorde. Como en el ejercicio anterior, toca solo notas del acorde,pero esta vez que la mínima distancia sea entre la ÚLTIMA nota del primer par y la PRIMERA delsegundo par.
  • Toca cuatro notas (consecutivas) por acorde. Esta vez sólo la primera nota de las 4 debe ser una notadel acorde. Las restantes tres de cada grupo de cuatro pueden ser notas del acorde o de la escala.
  • Ahora haz una mezcla de todas las anteriores.
  • Además: practica tocando arpegios de tres notas:
  1. desde la nota más grave de cada tríada ascendiendo.
  2. desde la nota más aguda de cada tríada descendiendo.

Toca los acordes en cualquier otra manera que se te ocurre, como por ejemplo en dobles cuerdas al estilo bluegrass, acordes al estilo de Bach o Paganini, dobles y triples cuerdas, arpegios de armónicos, líneas de bajo, etc..

Enfin, algunas cosas que escribo, por un lado para que las conozcáis, y por otro, para que a mí no se me olviden.

Un día de trabajo intenso y espero que productivo. Si alguno de vosotros estuvo por allí, tanto en la masterclass como en el concierto posterior que ofrecieron Christina y Oriol, no dejéis de dejar vuestras impresiones en los comentarios.

´Soy feliz de haber elegido este camino, y si volviese a nacer, lo tomaría de nuevo´ Conversación con el pianista especialista en cantantes Edelmiro Arnaltes


En la imagen, Edelmiro Arnaltes con Renata Scotto. 
 
¿Cuál es la primera experiencia que recuerda con la música? 
Mi primera experiencia con la música se remonta a cuando yo tenia 8 años. Mi familia que era muy católica, me llevaron, como era habitual para ellos, a una misa de un domingo a la catedral de Granada, y allí fue la primera vez que escuché el órgano de la catedral. Y fue como si mi alma se hubiese inundado de algo que me hizo vibrar tanto, que yo quise desde ese momento hacer sonidos así. De hecho yo quería haber sido compositor, porque me parecía más creativo, que el intérprete, que interpreta lo que otros han escrito. Pero al final tuve más apoyo artístico por parte del piano y ya fue mi decisión hacer música de esa manera.

¿Qué personalidad musical crees que le influyó más en su carrera?
Si vamos a las raíces del tema, la primera persona que influyó más en mi fue precisamente el organista que tocaba ese órgano en la Catedral de Granada. Se llama Juan Alfonso García (un fantástico músico, a quien más tarde conocí personalmente y le conté esta anécdota, que por supuesto le encantó escucharla). Después influyó mucho el pianista vienés Paul Badura Skoda. Él me escuchó en un Masterclass que dio en Granada, y me invitó a estudiar con él en Viena, y así comenzaron mis primeros caminos en esta profesión.

¿Cuál era el estilo o el compositor que más le gustaba estudiar de joven? 
A mí me encantaba Chopin y Bach. Después comencé a descubrir a muchos más, lógicamente (Beethoven, Brahms etc.)

¿En qué repertorio se siente más a gusto en la actualidad?
En la actualidad y desde hace más de 30 años donde más me identifico es en el Lied.
Yo comencé como solista, y al poco tiempo conocí a cantantes y me invitaban a hacer recitales con ellos. Yo encantado lo hacía, hasta que en un momento me identificaba más interpretando el Diechterliebe de Schumann que el Carnaval del mismo compositor (por poner un ejemplo). Y en esto fue un poco influyente la famosa cantante Christa Ludwig, que me decía que debía especializarme en uno de los dos campos ( solista o acompañante). Es mejor en cuanto a la elaboración del sonido al piano, y el concepto de la "microforma musical" como es el Lied. Además me gusta por igual la música y la poesía. Y en este terreno el Lied ( hablo del buen Lied, no las "canciones" de arraigo popular) se encuentran las dos cosas. El mejor exponente en este sentido es el Lied alemán, que usa textos de poetas como Goethe, Heine, etc. etc. y todo este conjunto de cosas, hizo en su momento esta decisión, de la cual estoy completamente feliz el haberla tomado.

Cuéntenos, por favor, alguna experiencia o anécdota que le venga a la memoria que tenga que ver con el piano (en algún curso, o concierto...)
Pues una anécdota me sucedió con Alfredo Kraus. Con él tuve la suerte de trabajar durante 18 años, en recitales y discos. La historia es que cuando yo era pequeño, viva en mi pueblo (Almadén, de la provincia de Ciudad Real), y lo único que me sonaban como nombres de música clásica era Alfredo Kraus y Arthur Rubinstein. Y claro son esas cosas, que cuando eres niño y tienes esos nombres en la cabeza, al llegar a mayor piensas que ya están muertos, con esa lógica que tenemos todos los niños del pasado. Pues en el año 80 iba yo con Kraus a hacer nuestro primer recital a Los Ángeles, y en el avión le contaba esa anécdota. Y le hizo mucha gracia.


¿Qué opina de la situación actual de la enseñanza del piano y la música?
No tengo mucha idea de la enseñanza de piano o música en general, porque nunca estuve en esos ambientes en España, pero por lo que oigo, creo que está bastante flojo el tema. No puedo profundizar en esto, porque de verdad que no lo conozco. Yo me fui a Viena en el 72 a estudiar, y me quedé hasta el 95. Luego vine a vivir a Madrid, pero no sé mucho de esta cuestión.

¿Cuáles son sus músicos favoritos?
Mis músicos favoritos en este momento son Brahms, y Hugo Wolf (en el Lied) y en el piano en general Beethoven, Schumann, Chopin, etc.

¿Opina que es importante trabajar la improvisación? 
Sí creo que es importante conocer recursos de improvisación, porque es creatividad para el interprete. 

¿Qué proyectos musicales tiene en mente realizar? 
Mis proyectos ahora son hacer mucho Masterclass además de los recitales.

¿Qué consejo o recomendaciones daría a los que empiezan ahora a estudiar el piano? 
Mi mejor consejo para los jovenes estudiantes de piano es ( como decía Benedetti Michelangeli-que es mi gran ídolo) , estudiar 26 horas diarias... 

¿Quiere añadir algo más sobre su relación con la música?
No tengo nada que añadir en mi relación con la música. Serían horas hablando de todo... Y desgraciadamente no hay tiempo. Sólo puedo decir que soy feliz de haber elegido este camino, y si volviese a nacer, lo tomaría de nuevo.