Talleres de rítmica Dalcroze en el Conservatorio de Gijón: vídeo

En el Conservatorio Profesional de Música y Danza de Gijón hemos puesto en marcha unos talleres musicales para alumnos de danza, inspirados fundamentalmente en el método de Émile Jaques-Dalcroze, con influencia de otros métodos activos como los de Kodaly, Orff o Willems. Estoy muy agradecida porque esta idea haya salido adelante y porque estos talleres me permiten enseñar música de una manera efectiva a la vez que divertida, tanto para los alumnos como para mi.
Si no conocéis el método Dalcroze, os animo a leer esta entrada que le dediqué en el blog hace unos años y cuyos puntos principales resumo a continuación: Método Dalcroze: rítmica.
Dalcroze quería solucionar los problemas que veía en los estudiantes de música y para ello desarrolló estrategias educativas que incorporaban el movimiento, pues creía que la musicalidad debía surgir del propio cuerpo. Había trabajado un tiempo en Argelia y allí los ritmos africanos habían despertado su curiosidad sobre la relación entre el ritmo y el movimiento. 
Su método de enseñanza se basa en tres áreas fundamentales: la rítmica, el solfeo y la improvisación. La parte más conocida es la rítmica (conocida en inglés como "eurhythmics"), que se basa en el movimiento del cuerpo para desarrollar el sentido rítmico-musical.
Muchas de sus estrategias para la enseñanza del solfeo las pongo en práctica en mis clases de lenguaje musical, especialmente en lo que se refiere a la educación auditiva, al trabajo de escalas (que adaptaba de Do a Do') y a la improvisación.
Respecto al trato a los alumnos, es importante crear un clima de confianza y seguridad, que favorezca la expresión y la creatividad. Hay que evitar las conductas represivas: no resaltar que algo se hace mal. Es muy difícil aprovechar este tipo de clases si los alumnos se sienten cohibidos o juzgados. Con el trabajo grupal, los propios alumnos se irán adaptando a los demás en la medida de sus posibilidades.
En el siguiente vídeo se muestra a alumnos de enseñanzas profesionales de danza del Conservatorio de Gijón en sus primeros talleres de rítmica, realizando algunas actividades Dalcroze y Kodaly. Sus respuestas son espontáneas: los ejercicios no están preparados antes de la grabación. 
- Podemos ver cómo ilustran con movimiento la anacrusa, crusa y metacrusa (la preparación antes del acento, el acento y el momento posterior al acento) como si se tratase de un partido de tenis imaginario. 
- También los vemos improvisar movimientos con distintas figuras musicales al tempo del piano (que también improvisa): vemos a alumnos caminar a ritmo de negras, otros a ritmo de corcheas, saltar a ritmo de semicorcheas al entrar en aros grandes o lanzar blancas al entrar en aros pequeños. En otros ejercicios, reaccionan moviéndose de una u otra forma según cuál sea el ritmo predominante que escuchen al piano.
- Por parejas, se pasan una pelota por el aire al escuchar un intervalo ascendente. Si el intervalo que escuchan es descendente, se pasan la pelota rodándola por el suelo.
- Percuten, leen o cantan tarjetas rítmicas y melódicas. Sus compañeros deben reconocer auditivamente qué hay escrito en cada tarjeta.
- Aprenden canciones con percusión corporal y movimiento, en este caso una adaptación del canon Banaha. Tenéis partitura y consejos para su interpretación en la maravillosa web de María Jesús Camino: Canción Banaha.
Que disfrutéis del vídeo. Es solo una pequeña muestra de las muchas actividades que estamos haciendo. Gracias a los alumnos de danza por participar en la grabación y al Conservatorio Profesional de Música y Danza de Gijón, especialmente al departamento de danza, por confiar en mi propuesta para realizar estos talleres.


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SEMINARIOS INTENSIVOS PARA EL ACCESO AL SUPERIOR

En la Escuela de Música “Afinarte”, con cuyo proyecto colaboro desde el curso pasado, se van a impartir una serie de Seminarios cuyo objetivo es preparar las pruebas de acceso a las Enseñanzas Superiores de Música. Las fechas serán las siguientes, y puede asistirse a los seminarios que se considere oportuno: SEMINARIO 1: 23 – …

El desarrollo de la creatividad en el estudio técnico

La creatividad es un proceso constructivo que puede aplicarse a cualquier dimensión del aprendizaje musical. A menudo, cuando hablamos de creatividad y música, pensamos en la creatividad aplicada a la interpretación o la creación. Sin embargo, también puede aplicarse la creatividad en el estudio técnico.

La función de la técnica tiene otras dimensiones que podemos trabajar y estimular en el alumno. Pensando en la técnica como vehículo, y no como fin, podemos aleccionar al alumno para que la use en función de las necesidades expresivas. Del mismo modo, el área técnica es un momento de experimentación, de probar nuevas cosas con el fin de que el alumno participe en el propio aprendizaje técnico del instrumento.

¿Qué es la creatividad y el pensamiento creativo?

Si pensamos en la definición de creatividad, nos encontramos diversos autores y respuestas desde muy distintos puntos de vista (psicológico, intelectual…etc.). Sin embargo, todas estas definiciones suelen tener algo en común: originalidad, fluidez, novedad… Se trata de tomar una experiencia o emoción ya conocida y transformarla en algo nuevo. Se trata de dar nuevas respuestas a antiguos problemas.

Es en el aspecto técnico en que el profesor puede estimular mejor al alumno, planteándole un problema al que debe poner una solución creativa: hablamos de lo que los teóricos llaman pensamiento creativo.

Aplicar la técnica de manera creativa

Si la música es una combinación de ciencia y arte, la técnica es la parte más “científica” en cuanto a tocar un instrumento se refiere. La técnica es el medio que usa el instrumentista para expresar a través de su interpretación.

En este sentido, es el profesor el que debe darle al alumno las herramientas para aplicar sus conocimientos técnicos a sus ideas musicales. Si el alumno se limita a imitar las directrices técnicas en cada partitura que afronta, no desarrollará su imaginación, y por tanto, sus capacidades técnicas serán mucho menores.

Si aplicamos las fases de cualquier proceso creativo, podemos guiarnos para aplicar la técnica de manera creativa:

  • Observar de manera analítica dónde está el problema en la interpretación. Mediante una serie de preguntas, podemos ayudar a identificar el problema.
    • ¿Se trata de un fallo técnico?
    • ¿La frase no es suficientemente expresiva?
    • ¿Suena fuera del estilo?
  • Definir el problema: Una vez identificado, se debe enunciar exactamente qué es lo que se necesita mejorar, de manera clara y concisa.
  • Proponer distintas soluciones: Es en este momento en que el profesor insta la capacidad creativa del alumno. Desde el punto de vista técnico, el alumno debe proponer distintas soluciones, por ejemplo:
    • Cambiar las articulaciones o golpes de arco
    • Cambiar una digitación que le resulte incómoda
    • Modificar las ligaduras
  • Valorar las soluciones propuestas, y promover que el alumno escoja la más afín a su idea musical, siempre con la ayuda del criterio del profesor.

La técnica como medio experimental

El mejor laboratorio de pruebas para un músico se encuentra en la base de su instrumento: las escalas, los arpegios y los ejercicios técnicos. Un plan de trabajo a priori aburrido o rutinario puede convertirse en un entorno de pruebas gracias al uso de la creatividad.

Como muchos teóricos apuntan, la creatividad y el aprendizaje sólo pueden tener lugar cuando la emoción entra en juego. Sin embargo, es común que separemos la técnica más pura del elemento emotivo, haciendo que el alumno odie el momento de estudiar escalas, arpegios o ejercicios básicos para su aprendizaje.

Sin embargo, el estudio de la técnica debe ser un medio experimental, en el que el alumno tiene que sentirse libre de probar todo aquello que pase por su mente, siempre dentro de unos estándares. Para ello, el profesor siempre debe ser el guía que proponga al alumno algo sobre lo que trabajar. Al igual que se trabaja en la improvisación, podemos decir que en el trabajo técnico, la escala es la “consigna” que el profesor da. A partir de ella, el alumno puede proponer distintos patrones rítmicos, golpes de arco o digitaciones.

Educar al alumno en la detección y solución de problemas

El estudio de la técnica es el mejor campo en el que un alumno puede aprender a detectar y solucionar problemas de manera creativa. A menudo, nos encontramos con alumnos avanzados que son incapaces de auto-evaluarse y entender qué está fallando en su manejo técnico.

Desde la correcta afinación, hasta la ejecución de las mayores dificultades técnicas, el alumno debe aprender a detectar el error y a darle solución. Haciendo uso de un método deductivo-activo, el profesor ayudará al alumno a analizar los problemas desde lo más general hasta el detalle, para que poco a poco él mismo sea capaz de identificar el fallo. Una vez detectado el error, el profesor debe proveer al alumno de una serie de técnicas de estudio, siempre dejando la puerta abierta a las propuestas del alumno, para construir entre ambos una solución creativa.

Cuanto más se trabaje de este modo, más fluido será el aprendizaje creativo de la técnica. El alumno será progresivamente capaz de detectar el error y corregirlo usando las técnicas del profesor y las suyas propias.

 

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¿Cómo elegir el repertorio para tus alumnos?

El panel de expertos de The Strad responde a preguntas de los lectores. En este caso, se centran en hablar sobre la elección de repertorio para sus alumnos.

Bruno Giuranna

En cierto momento de sus estudios, se debe ayudar a los estudiantes a comprender, escuchar y sentir lo que significa “tocar realmente bien“. Esto no es del todo obvio o fácil, y el proceso puede llevar tiempo. Es posible intentarlo primero con una pieza o estudio simple, o tal vez con un conjunto de notas que resulte fácil. Después de eso, el profesor debe aumentar el nivel de dificultad del repertorio del alumno, manteniendo siempre esa calidad. Esto debe hacerse gradualmente, con gran tacto, y sin el temor de volver a obras poco exigentes si se pierde el nivel deseado.

Boris Kuschnir

Es importante establecer el propósito para el que se asigna el repertorio. En el caso de la preparación para una concurso, una actuación en solitario o con orquesta, o un recital; el repertorio debe elegirse para despertar el máximo interés y efecto en la audiencia en cuestión, y se deben tener en cuenta las fortalezas del alumno. Si el objetivo es desarrollar aspectos específicos del aprendizaje, el profesor debe seleccionar el repertorio con la misma precisión con que un buen médico prescribe un medicamento para su paciente. La elección correcta del repertorio es esencial para el desarrollo técnico de un músico, y aún más para ayudarlo a convertirse en un músico completo.

Jeff Bradetich

Establece una lista de repertorio que enseñe música y técnica en varios niveles diferentes. Cuando el estudiante alcance un nivel particular, dale tres opciones para escuchar. La pieza que más le interese será la elección correcta. La verdad es que el alumno aprenderá más a fondo y rápidamente si está más comprometido, a pesar de que empleemos nuestros mejores esfuerzos para enseñarles “lo que necesitan saber”. No es saludable dictaminar siempre en qué debería trabajar el alumno. Es más importante desarrollar su capacidad de pensar por sí mismo y que explore lo que el mundo tiene que ofrecerle.

Mimi Zweig

Hay secuencias de repertorio que se pueden presentar a los estudiantes para facilitar el crecimiento musical y técnico. Me parece que si preparo las bases en cada nivel, revisando e incorporando los ejercicios de los niveles anteriores, los estudiantes podrán absorber fácilmente el nuevo repertorio. Hago que mis alumnos preparen piezas en tres niveles al mismo tiempo. El primero está por debajo del nivel del estudiante, como una pieza de “repaso” que, cuando se estudie, se hará bien y ayudará a mantener alto el nivel de confianza del alumno. El segundo es en el nivel del estudiante, donde aprender la nueva pieza le permite sentirse bien porque los desafíos son alcanzables. El tercero está por encima del nivel del estudiante, para mantener al estudiante en activo (ego intacto) y asegurarse de que saben que siempre hay nuevas tareas que dominar.

Bonnie Hampton

La música debe ser de buena calidad, pero es importante no saltar a grandes obras maestras hasta que un estudiante esté listo. Por ejemplo, las notas de la Sonata de Brahms en E minor (violín) no son tan difíciles, pero escuchar a un joven estudiante tocarla antes de que esté listo y pueda experimentar el impacto emocional de la música le está robando el alegre descubrimiento musical que le aguarda cuando esté listo. Por supuesto, todos estábamos ansiosos por interpretar esas obras maravillosas, pero deben ser respetadas y trabajarse correctamente.

Sobre los expertos…

Jeff Bradetich es profesor de contrabajo en University of North Texas College of Music.

Bruno Giuranna enseña viola en Fondazione Stauffer en Cremona, Conservatorio della Svizzera Italiana en Lugano y la University of Limerick en Irlanda.

Bonnie Hampton trabaja en la Juilliard School, enseñando cello en los departamento de college y pre-college.

Boris Kuschnir es profesor de violín en Vienna Conservatoire y en University of Music en Graz.

Mimi Zweig es profesor de violín y viola y director de Pre-College Strings en Jacobs School of Music, Indiana University de Bloomington.

 

Traducido de la publicación The Strad

Enlace al original: https://www.thestrad.com/how-do-you-choose-instrumental-repertoire-for-a-student/2866.article

Fecha: 15 Junio 2017

Título original: How do you choose instrumental repertoire for a student?

 

 

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MASTERCLASS DE CLARINETE POR LUIS FERNÁNDEZ-CASTELLÓ

Tengo el placer de anunciar que el sábado 4 de noviembre, a las 10:00 de la mañana, dará comienzo la masterclass de clarinete que impartirá el clarinetista Luis Fernández Castelló. El curso está dirigido a clarinetistas de cualquier nivel y edad. Las plazas para alumnos activos son limitadas y las plazas para alumnos oyentes se …