La mayoría de los pedagogos de la música coinciden en que la voz humana es el mejor vehículo para expresarse musicalmente. De hecho, el trabajo vocal está incluido tanto en la enseñanza general (primaria y secundaria) como en la especial que se imparte en conservatorios y escuelas de música (Enseñanzas Elementales y Profesionales de Música).
En cambio si una persona o un niño quiere recibir formación vocal individual deben acceder a las Enseñanzas Profesionales en la especialidad de canto. Hoy por hoy no es posible que un niño de 8 años curse las Enseñanzas Elementales de Música en un centro oficial en la especialidad de canto en España.
He podido escuchar varios razonamientos:
1. - La voz es un complemento a la formación musical pero no una especialidad propia.
2. - No se debe trabajar la voz hasta que se produce el cambio vocal en la adolescencia.
El primer razonamiento no se sostiene por sí mismo ya que la voz, aunque no se vea, constituye un instrumento musical que requiere para su control de una técnica, de hecho no existirían cantantes que dominan su voz de manera magistral y que puedan abordar papeles de gran dificultad musical. También me pregunto, por qué a partir de los 12 años es un instrumento con especialidad (Enseñanzas Profesionales de Música) y antes no.
Ante el segundo razonamiento diré, de acuerdo, un niño de 8 años no debe cantar ópera, ni zarzuelas, ni oratorio pero sí que puede cantar obras adecuadas a su voz, a su nivel y su grado de madurez. Tampoco se pretende que un alumno de Enseñanzas Elementales toque un estudio de Chopin o una Suite de chelo de Bach. Existe un repertorio lo suficientemente extenso como para seleccionar el adecuado al nivel madurativo del alumno y con el que se pueda trabajar la técnica vocal.
Sí que es verdad que en el periodo de la muda hay que ser muy cuidadoso con la voz infantil y respetar los tiempos pero este varía mucho de alumno a alumno. Es como pretender que los alumnos de piano toquen acordes que no abarca su mano antes de tiempo.
Este tipo de argumentos, o memes pretéritos que impregnan sistema musical oficial para ciertas personas, tienen su origen en creencias desfasadas más propias de la pedagogía del siglo XIX que del XXI y lo único que consiguen es desaprovechar unos años valiosísimos en la formación musical. De hecho las grandes cantantes han empezado a formarse muy tempranamente ya sea a través de coros o de formación individual.
Y para ejemplo la gran Beberly Sills cantando a los 8 años. Lo que demuestra que la voz se educa y no es ciencia infusa.
Soy de la opinión y hablo sobre la base de mi propia experiencia de que una educación musical temprana es esencial para todo tipo de músicos e incluyo a los cantantes. No ha lugar a forzar a los futuros cantantes a estudiar un instrumento diferente a la voz si no quieren y a hacerles esperar cuando quizás tienen unas condiciones fabulosas que trabajándolas les harán crecer musicalmente y vocalmente desde un primer momento.
Les hacemos un flaco favor a los cantantes y esto hace que se perpetúe ese tópico de que los cantantes saben poca música, démosles la oportunidad...
Muchos violinistas, cuando oyen la expresión “improvisar” se quedan petrificados, miran hacia otro lado y hacen como si no hubieran oído nada. A mí me pasaba (y todavía me ocurre un poco)
Y es que en la formación violinística clásica no se suele prestar demasiada atención a esta forma de enfrentarse a la música, sin partituras, plan previo y sin red de seguridad.
Así que, si tenéis ya ganas de comenzar hacer un poco el loco con el violín de vez en cuando, os voy a enseñar la forma en que yo empecé a desbloquearme el coco y a soltar mis dedos, haciendo lo que me salía de dentro en vez de lo que ponía en un papel.
Y es que, lo que al principio era terrorífico, poco a poco fue convirtiéndose en algo divertido y fresco que todo violinista (y todo músico) debería practicar. Sobre todo, recurriendo a música tradicional, en este caso americana y sus múltiples variantes, (folk, blues, bluegrass, country, etc.).
En primer lugar debo agradecer a Geoffrey Fitzhugh Perry su amabilidad al haberme dado permiso para publicar un par de temas de su libro Fiddle Jam, que fue la herramienta que me empezó a ayudar con el tema de la improvisación, y del cual voy a transcribir algunos de sus divertidos contenidos. A partir de aquí, puede que esté hablando yo, o puede que esté transcribiendo a Geoffrey
La creatividad es un músculo cerebral que hay que entrenar a diario. Los niños son naturalmente libres y creativos pero también es cierto que alrededor de los 8 ó 9 años (edad en que muchos niños empiezan a tocar en la escuela) es cuando empiezan a sentir sus impulsos creativos aplastados.
Los niños son probablemente la tierra más fértil que tenemos en el mundo. Planta las semillas. La autoestima, confianza, autoridad, obediencia, concentración, relajación, son sólo algunos de los conceptos positivos necesarios para la improvisación. Hay muchas evidencias de que la improvisación actualmente mejora el crecimiento neurológico en ciertas partes del cerebro (y ése es un beneficio permanente). Terapia, salud, desórdenes de atención, estado de ánimo positivo, o sólo por ver a un chico interesado merece la pena intentarlo.
Los principiantes suelen marcar el mástil con líneas horizontales. Usaremos ese sistema para indicar las posiciones de los dedos.
LA ESCALA MAYOR
La mayoría de estudiantes primerizos conocen una o dos escalas mayores. Es una de las primeras cosas que aprendemos después de Estrellita. Las escalas mayores son muy claras y con un sonido muy familiar. Una gran parte de lo que solemos escuchar está basada en ellas. Aunque algunos piensan que esta escala es quizás demasiado dulzona y plana para el rock’n roll, se pueden hacer cosas chulas tocándola en los siguientes ejemplos:
Recomendaciones antes empezar:
Reláx. Respira profundamente y tómate tu tiempo. Las prisas y sus primas las preocupaciones son obstáculos para la creatividad.
La idea básica es usar las notas de las plantillas de dedos para tocar sobre el audio correspondiente, tocando lo que a ti te guste y te parezca que quede bien mientras escuchas y tocas a la vez.
La zona EZ (más adelante veréis cuál es) es la mejor manera para empezar a tocar sin pensar. Toca cualquiera de las notas de esa zona y simplemente empieza y termina en la nota tónica (la nota “tónica” es la nota clave y da nombre también a la escala y tonalidad del tema) ¡y no te equivocarás nunca!
El audio que acompaña a cada ejemplo te dará algunas ideas sobre riffs, frases, motivos, etc. para tocar.
“En resumen: adelante, no pienses, simplemente toca”.
Raven’s Daughter
Escala: Sol Mayor
Notas que puedes tocar: cualesquiera Sol, La, Si, Do, Re, Mi o Fa#
Zona EZ: 0, 1, h2, 3 en las cuerdas Sol y Re.
Carácter: luminoso, puro, fuerte.
Preparación: Recorre la zona EZ arriba y abajo, entonces empieza a alargarlas o acortarlas, a saltar y siéntete libre hasta que lo hagas sin pensar.
Instrucciones:
Modo sencillo: Empieza y termina en nota Sol. ¡Quédate en la zona EZ y no puedes equivocarte! Recuerda, es obra tuya, así que toca cualquier cosa que te guste o te parezca que queda bien.
Modo avanzado: Escucha el audio con el ejemplo que acompaña para tomar una o dos ideas. Recorre la zona exterior de la EZ un rato. Intenta evitar las notas Do y Fa# algo más que las demás (esto se llama escala pentatónica, ya hablaremos…). ¡Y no tengas miedo de excederte en intensidad!
Primeros consejos (en inglés).
Ejemplo de improvisación
Tema sin la parte del violín
Lección de audición: fíjate en que el audio es básicamente un riff de guitarra repetido y una parte diferente (un acorde de Do) que vuelve varias veces al principio ¿puedes oírlo? Intenta tocar algunas cosas durante ese fragmento que contraste con la sección de riff repetido (a lo mejor más picado, o algo más rápido, o más rítmico o a diferente velocidad…). Fíjate también cómo termina en el acorde de Do en vez de en el acorde de Sol (el acorde de tónica en esta clave) para proporcionarle un poco de misterio y suspense.
Problemas: ¡no toques demasiado! deja un poco de espacio para respirar… como si fueras un cantante.
P.D. Dite a ti mismo (o ten a alguien que te lo diga) que ¡eres el violinista más chulo del mundo por cómo has improvisado en este tema!
Le Bomb
Escala: La Mayor
Notas que puedes tocar: cualesquiera La, Si, Do#, Re, Mi, Fa# o Sol#
Zona EZ: 0, 1, h2, 3 en las cuerdas La y Mi.
Carácter: brillante, feliz, dulce.
Preparación: Recorre la zona EZ arriba y abajo, saltando, corriendo, arrastrándote, brincando, hasta llegar a tocar casi sin pensar.
Instrucciones:
Modo sencillo: Usa las notas de la zona EZ como te venga en gana y te parezca que suena bien con el audio. Comienza y termina en La y no podrás equivocarte.
Modo avanzado: Escucha el audio con el ejemplo que acompaña para tomar una o dos ideas. Intenta ser consciente y escuchar dentro de ti lo que deseas tocar antes de hacerlo.
Lección de audición: Este ejemplo es básicamente una idea repetida de 2 compases seguida de una sección de 4 compases (acorde de Mi) que te lleva de regreso al riff básico. Imagínate también el riff de dos compases durante el “break” de percusión ¿puedes oírlo?
Problemas: Mantén el movimiento pero no demasiado lejos, nunca más lejos que una o dos notas de la nota deseada, si no te gusta sobre la que estás.
Primeros consejos
Ejemplo de improvisación
P.D. Arruga la nariz y di para tus adentros: “no sabes lo que estás haciendo”… entonces ríete alto y fuerte y di: “¡pues claro que no! Esto es IMPROVISACIÓN, excepto por conocer la escala, mi mente está absolutamente vacía”.
¿Cómo obtener el “sonido fiddle”?
¿Estáis interesados en el Método?
En este libro encontraréis muchos más temas explicados, trucos, consejos, fotografías, adaptaciones para viola y cello, etc, etc… sólo necesitáis un nivel medio de inglés y una mente abierta. Enjoy!
Fiddle Jam
(Finally! A Way-Cool Easy Way to Learn How to Improvise). For violin, fiddle, viola and cello. Jazz Instruction. Improvisation, Jazz, Blues, Folk, Play Along. Instructional book and examples CD. Introductory text, instructional text, black & white photos, instructional photos, illustrations, fingerings, standard notation and examples CD. 46 pages. Published by Hal Leonard (HL.695716)
(4) …more info
Meat Loaf (Marvin Lee Aday), abeslari eta aktore estatubatuarra, Dallasen jaio zan 1947ko irailaren 27an.
Izen bereko rok taldeko buruzagi eta abeslaria da.
Bere ama gospel laukote bateko kidea zan.
Hogei urtegaz hasi zan musika munduan, Meat Loaf Soul taldeagaz, Los Angelesen The Who, The Stooges eta Ted Nugent musikarien telonero moduan.
Hair opera-rock-ak egindako Estatu Batuetako biran parte hartu eban abeslari gisa.
Bere lanik ospetsuena Bat out of Hell (1977) da, Jim Steinman konpositore eta pianojoleagaz batera eginikoa. Izen bereko beste diska bi ere egin ebien: Bat out of Hell II: Back into Hell (1993) eta Bat out of Hell III: The Monster Is Loose (2006).
Bat out of Hell II: Back into Hell 1993. urtean gehien salduriko diska izan zan , eta bere singlea, I’d Do Anything For Love (But I Won’t Do That), hogeita zortzi herrialdeetan lehen postura heldu zan. Bideo-klipa Michael Bay-ek zuzendu eban, “Ederra eta piztia” eta ” Operako mamua” istorioen nahasketa bat izanik.
Meat Loaf-ek 1994ean rock abeslari onenaren Grammy-a irabazi eban.
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