Por qué es bueno practicar la relajación para los músicos

Cada vez es más frecuente que se le dé mayor importancia a la relajación en nuestra carrera. Muchos de los estudios que se han hecho sobre sus beneficios, están relacionados con la práctica deportiva. Sin embargo, está probado que la relajación ayuda también al músico en su aprendizaje.

¿Qué conseguimos con la relajación?

Relajación – aprendizaje

En las décadas de los 60 y los 70 muchos pedagogos a escala mundial comenzaron a investigar en profundidad la relación entre relajación, concentración y aprendizaje. Entre estos estudios, se realizaron varios experimentos que evidenciaban que los grupos sometidos a 10 o 15 minutos de relajación antes de una clase, respondían mejor al aprendizaje. Se mostraban más concentrados y aprendían con mayor rapidez. También se demostró que con la práctica habitual de meditación se obtenían unos resultados de aprendizaje significativamente mejores que sin ella.

El primer trabajo que evidenció esta relación entre relajación, concentración y aprendizaje fue el realizado por Lozanov, en 1971. En él se establecía este estado de relajación como un estado de conciencia plena, no de somnolencia o reposo perezoso. Según Lozanov, la relajación es un estado de reposo atento que estimula la concentración, libre de ansiedad, sin estímulos molestos ni tensiones musculares.

¿Qué es relajación?

Por tanto, un estado de RELAJACIÓN implica:

  • RELAJACIÓN MENTAL: Mente sin flujo de pensamientos que nos distraigan
  • RELAJACIÓN FÍSICA: Tensión muscular mínima
  • CONCENTRACIÓN PLENA: Consciencia centrada en un solo pensamiento o acción

Podemos decir, por tanto, que la relajación física y mental suelen ir ligadas. Cuando se da una, se da la otra. Cuando nos encontramos en un estado de relajación y conciencia plena, la concentración viene de la mano.

Para conseguir este estado de relajación, que favorecerá la concentración durante el estudio y durante las actuaciones o exámenes, se deben practicar técnicas de relajación de forma asidua. Cuanto más se practiquen, más fácil será para el músico alcanzar este estado de relajación plena en menos tiempo.

Efectos

Con un estado de relajación controlada conseguimos una serie de efectos mentales y físicos:

  • Se reducen las reacciones del sistema vegetativo que nos producen los nervios y el miedo.
  • Regula la respiración.
  • Se dilatan los vasos sanguíneos, favoreciendo la circulación y el funcionamiento de nuestro sistema motoro.
  • La frecuencia cardíaca disminuye, favoreciendo la sensación de tranquilidad.
  • Conseguimos centrarnos en una sola acción o pensamiento.
  • Ganamos en sensación de control.

Técnicas de relajación

Para llegar a este estado de relajación, se han desarrollado diversas técnicas. Por un lado, existen las técnicas hetero-inducidas, aquellas en las que la relajación se provoca por factores externos al sujeto. Las técnicas hetero-inducidas son siempre aplicadas por un profesional (psicólogo o psiquiatra), y comprenden prácticas como la hipnosis.

Por otro lado, encontramos las técnicas auto-inducidas, aquellas en las que la relajación la provoca el propio sujeto.  En el caso de las técnicas auto-inducidas, el propio sujeto puede llevarlas a cabo con o sin ayuda. Por tanto, son las que más nos interesan, ya que podemos practicarlas por nosotros mismos.

Principales técnicas auto-inducidas
Técnica de relajación progresiva de Jacobson (puedes aprender a hacerla pinchando aquí) 

Esta técnica de reducción del estrés mental y físico fue desarrollada por el médico E. Jacobson en los años 20. Se basa en la tensión y distensión de distintos grupos de músculos con el fin de aprender a distinguir un estado y otro (contracción-relajación). Con el tiempo y la práctica, el objetivo es obtener una mayor sensibilidad a las tensiones físicas.

Entrenamiento autógeno de Schultz (puedes aprender un ejercicio basado en esta técnica pinchando aquí)

Esta técnica fue desarrollada por el neurólogo J. Schultz en los años 20. Es una técnica psicoterapéutica que se basa en concentrarse de manera pasiva en acciones físicas. Schultz se basó en su descubrimiento de que la mayoría de las personas son capaces de alcanzar un estado de relajación profunda sólo con el poder de su imaginación.

Yoga (puedes aprender algunas posturas pinchando aquí)

Es una disciplina mental y física cuyo origen se sitúa en la India alrededor del siglo VIII a.C. Debido a su antigüedad y a su relación con la religión y la filosofía, el yoga es una disciplina muy amplia, con muchas formas de practicarla. Básicamente, el yoga se asienta sobre la intención de abarcar los distintos aspectos del ser humano: físico, mental y espiritual. El Yoga practicado como técnica para llegar a la relajación, ofrece una serie de características:

  • La mente debe centrarse en cada postura en la relajación y el equilibrio entre los grupos de músculos que se encuentran en tensión
  • Se deben coordinar respiración y movimiento
  • Trabaja la concentración plena en cada postura
  • Se trabaja la respiración por zonas
Meditación (puedes aprender a meditar pinchando aquí)

La Meditación Transcendental es una técnica que procede del Yoga. Está basada en la relajación mental llevada un paso más allá, fuera del pensamiento. Es una técnica cuyos beneficios han sido estudiados por la ciencia neurológica. Sin embargo, no se puede considerar una técnica científica en sí. De la Meditación Transcendental han surgido otras técnicas desarrolladas por psicólogos, como la técnica del Mindfulness. A partir de la década de los 70, muchos psicólogos y psiquiatras han utilizado técnicas basadas en el Mindfulness para tratar la ansiedad y el estrés.

*Todas estas técnicas puedes practicarlas por ti mismo. Sin embargo, recomendamos que primero las aprendas de mano de un profesional.*

Si estás interesado en leer más sobre relajación y técnicas para conseguir llegar a este estado, puedes leer:

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La hiperhidrosis palmar en músicos

Hoy vengo a hablaros de este problema que, si bien no es una patología exclusiva de los músicos, sí que dificulta bastante nuestra labor. Tener las manos húmedas de manera constante supone un obstáculo en la vida personal y también en la laboral. Para algunos profesionales, el problema va más allá: en el caso de los músicos, la hiperhidrosis puede afectar tanto a su desempeño profesional como a su instrumento de trabajo.

¿Qué es?

La hiperhidrosis palmar es un problema que afecta a un 2% de la población. Consiste en una sudoración excesiva, en este caso de la palma de las manos. Muchas de las personas que la sufren, también la sufren en otras zonas del cuerpo, como los pies o las axilas.

La hiperhidrosis puede aparecer por causas externas (como consecuencia de otras enfermedades, toma de medicamentos…etc.). En estos casos hablamos de hiperhidrosis secundaria. Sin embargo, la más preocupante y de la que se desconocen sus causas es la hiperhidrosis primaria. Este tipo de hiperhidrosis es la que sufren los pacientes en los que la sudoración es excesiva sin motivo aparente. Se sabe que es muy posible que tenga un carácter hereditario, porque en el 40% de los casos los pacientes tienen un familiar que también la sufre.

¿Cómo afecta al paciente?

Desde el punto de vista social, la hiperhidrosis puede afectar bastante según el tipo de persona que la sufra. Hay personas que se acomplejan por estar continuamente sudando, por lo que acaban asumiendo algunos comportamientos. Por ejemplo, evitar estrechar la mano de otros al saludar, tocar objetos que otros vayan a tocar después para que no noten que “está mojado”, cambiarse de ropa asiduamente…etc.

El caso de los músicos

En el caso de los músicos, como en el de otros profesionales que usen las manos habitualmente, la hiperhidrosis se convierte en un serio problema. Personalmente, yo sufro hiperhidrosis palmar desde pequeña, y me ha sorprendido conocer a muchos músicos con el mismo problema. Es una de las principales molestias dermatológicas que afectan a los músicos. Aunque no esté causada por el instrumento, como por ejemplo el callo del violinista, sí es un impedimento para los músicos que la tienen.

Los problemas que causa son variados, y a ellos se les suma el hecho de que a muchas personas les avergüenza o incomoda hablar de ello.

  • Se pierde fricción con el instrumento, el contacto es completamente distinto con la mano mojada que con la mano seca.
  • No se pueden apoyar correctamente los dedos en las cuerdas, las llaves o las teclas.
  • Se estropea el instrumento y se degrada con mayor rapidez debido a la humedad continua. Desde las cuerdas hasta el mismo cuerpo del instrumento (barniz, superficies metálicas, batidor, trastes…)
  • La sudoración se multiplica en situaciones incómodas o de estrés, como conciertos o exámenes.

Algunas soluciones

  • Usar polvos de talco y óxido de zinc que absorban el sudor
  • Tener siempre a mano un paño para limpiar el instrumento y nuestras manos
  • En el caso de los instrumentos de cuerda, usar cuerdas sintéticas o más resistentes a la oxidación. En mi caso (como violista), cambié hace un tiempo a cuerdas sintéticas (Obligato) y me duran mucho más tiempo. Para los guitarristas, recomiendan Elixir.
  • Evitar sostener el instrumento en las manos en momentos de espera. Por ejemplo, en compases de espera en la orquesta.
  • A la hora de eligir instrumento, comprar de buena calidad, con barniz resistente, trastes inoxidables…etc.
  • Consultando con un dermatólogo, usar algún antitranspirante con base de aluminio.
  • Evitar la cafeína, el alcohol y el tabaco.
  • Cuidar la dieta para que sea sana y equilibrada.
  • Practicar técnicas de relajación, meditación o yoga.

A pesar de lo molesto que pueda ser en ocasiones, lo más importante es no centrarse en ello. Aprender a convivir y sobrellevarlo de la mejor manera posible, sin obsesionarse con el tema. Mantente centrado en tu música y en tu trabajo y olvida las trabas que te puedas encontrar.

 
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Método de estudio para músicos

Tanto los profesionales como los que aún se están formando, tendemos a cometer muchos errores a la hora de estudiar. Como profesores, tenemos que inculcar un buen método de estudio a nuestros alumnos, y como profesionales debemos aplicarlo.

Si “estudias bien” y consigues que tus alumnos estudien bien

  • Previenes errores que luego costará mucho más trabajo corregir
  • Acortas las horas de estudio que necesitas
  • Consigues resultados mucho más inmediatos
  • Te vuelves más capacitado e independiente para detectar y corregir tus propios errores

A raíz de algunos comentarios que dejaban profesores en la web pidiendo consejos, me dí cuenta de que el problema de muchos alumnos (y también profesionales) es que nadie les ha enseñado a “estudiar bien.” Personalmente, esto también fue un problema para mí durante muchos años. Gracias a buenos profesores y a mi interés personal por mejorar técnica y musicalmente, he aprendido a ser metódica en mi estudio.

El método de estudio paso a paso

1. Observar, analizar y escuchar

Para afrontar desde cero cada pieza y estudio, lo primero que tenemos que tener claro es el concepto de esa pieza. Esta fase del estudio se puede adaptar a cada nivel. Vamos a ver de qué manera:

Primeros años

En el caso de niños que estén empezando a aprender música, de poco nos va a servir que le expliquemos a qué época pertenece la obra o la analicemos en profundidad. Sin embargo, sí podemos hacer lo siguiente:

  • Tocar la pieza para ellos, para que sepan cómo suena.
  • Si no son muy pequeños, incluso podemos dividirla en frases usando conceptos que ellos entiendan.
  • Usar palabras y frases cuya entonación y forma coincidan con la pieza.
Edades intermedias

Cuando tenemos alumnos algo más avanzados, sí podemos meternos más en el análisis de la pieza.

  • Podemos escuchar grabaciones
  • Tocar la pieza para ellos
  • Enseñarles a reconocer tonalidad y compás
  • Hacer una análisis formal sencillo, señalando frases, cadencias… etc.
Músicos avanzados

Desde alumnos avanzados hasta alumnos que estudien el Superior o incluso músicos ya formados, estas pautas nunca deben faltar:

  • Escuchar grabaciones
  • Análisis formal/estético
  • Análisis armónico
  • Situar la pieza en su contexto histórico

2. Cantar

Una situación que se da de manera muy frecuente en músicos de todas las edades son los errores rítmicos. ¿La causa? Muchos se saltan este importante paso de cantar, o al menos medir la pieza que van a tocar antes de estudiarla. Desde muy pequeños debemos acostumbrarnos, y como profesores insistir mucho en este tema. Al tocar, no podemos llevar el compás con la mano y además estamos pendientes de asuntos técnicos. Esto provoca que cometamos errores de medida sin darnos cuenta.

Pero cantar antes de estudiar no sólo nos ayudará a prevenir estos fallos rítmicos. También es bueno para comprender el sentido musical de la pieza y hacernos una idea preliminar de cómo queremos interpretarla.

3. Primera lectura

Una vez nos hayamos situado en la pieza, debemos leerla una vez muy lentamente y de arriba a abajo. Este será el momento de:

  • Identificar posibles dificultades técnicas
  • Identificar pasajes complejos
  • Hacernos una primera idea de la dificultad general de la pieza, para saber cuánto tiempo nos puede llevar trabajarla.
  • Pensar de forma preliminar en digitaciones o posiciones que podemos utilizar

4. Organizar la partitura

Gracias a la primera lectura, tendremos unas nociones para empezar a trabajar.

  • Dividimos la obra en fragmentos de estudio.
  • Digitamos
  • Establecemos las articulaciones
  • Establecemos en general todos los aspectos técnicos.
  • Señalamos de forma especial los pasajes que van a requerir mayor trabajo técnico.

5. Comenzamos a trabajar

Con las bases estéticas, formales, técnicas, con la idea de qué queremos conseguir y qué interpretación queremos darle, ya podemos empezar a trabajar. La mayoría de los músicos empiezan su trabajo en este punto, con lo que el estudio es desordenado  y con malos resultados.

En esta fase comenzaremos a trabajar la obra por tramos, lentamente y subiendo la velocidad poco a poco. Le daremos mayor peso a los fragmentos más complejos y poco a poco iremos montando la obra.

Si hemos realizado bien los pasos anteriores, comprobaremos que el trabajo de la pieza o estudio es mucho más fácil y da unos resultados mejores.

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¿Por qué es Santa Cecilia la patrona de los músicos?

Hoy 22 de Noviembre conmemoramos el día de Santa Cecilia, patrona de los músicos. Es un día de celebración para todos los que nos dedicamos a la música. Se suelen programar conciertos especiales e incluso se suspenden las clases en las Escuelas y Conservatorios. Pero, ¿conocemos su historia?

¿Quién era Santa Cecilia?

Brevemente, sabemos que “Cecilia de Roma” existió en el siglo IV. Provenía de una familia de la aristocracia romana, y se convirtió al catolicismo. Siendo joven, sus padres la casaron con otro aristócrata, al que ella consiguió también convertir.

La historia de su martirio poco tiene que ver con la música. En aquellos tiempos, los cristianos eran perseguidos y condenados a muerte por el Imperio Romano. Este fue el caso de Cecilia y su esposo. Los romanos que la condenaron, intentaron primero asfixiarla con los vapores de las termas de su propia casa. Al ver que ella sobrevivía, intentaron decapitarla dándole hasta tres hachazos en el cuello, sin conseguirlo.

Tras ver que Cecilia no moría ni con el vapor ni decapitada, los verdugos huyeron. Finalmente, la joven murió desangrada al tiempo.

Entonces, ¿qué tiene que ver Santa Cecilia con la música?

En 1594 el Papa la nombró Patrona de los Músicos alegando que: “Había demostrado una atracción irresistible hacia los acordes melodiosos de los instrumentos. Su espíritu sensible y apasionado por este arte convirtió así su nombre en símbolo de la música”.

El director de orquesta y profesor de historia de la música Jesús Ignacio Pérez-Perazzo señala dos posibles argumentos para ello:

  • Cecilia procedía de una familia aristocrática y es muy probable, como solían hacer las jóvenes de entones, que tocase algún instrumento musical.
  • También señala una mala traducción como la culpable de esta relación de la santa con la música: la palabra “órganis” se tradujo como “órgano” (instrumento musical), cuando realmente debía leerse “fuelle”.

La confusión que la hizo “patrona de los músicos”

Como hemos dicho, en algún momento el traductor interpretó las “Actas del martirio” que contaban la muerte de Santa Cecilia de forma equivocada.

En el fragmento que narra el momento en que los romanos intentan asfixiarla en las termas de su casa, se lee la frase: “Candéntibus órganis Cæcilia Dómino decantábat dicens…“, en la que se refieren a algún objeto tipo fuelle con el que avivaba el horno para provocar el vapor asfixiante.  La palabra “órganis” se tradujo de forma equivocada como “órgano”, y es por eso que a Santa Cecilia se la suele representar tocando este instrumento.

 

 
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¿Aprobar las oposiciones y “guardar el instrumento”?

Muchos músicos se preparan durante años para aprobar una oposición y ganarse una plaza como profesores. Y entre nosotros existe ese tópico “aprobó las oposiciones y guardó el violín”. ¿Es cierto este tópico? ¿Convertirse en profesor implica abandonar el trabajo personal con el instrumento?

El problema de la incompatibilidad

Una gran traba para que muchos profesores mantengan su actividad fuera de las aulas es el tema de la incompatibilidad de contratos. Dependiendo de la región y de la normativa, los profesores no tienen permitido firmar otro contrato fuera del que tengan con el Conservatorio. En cuestiones legales, este blog se explica muy bien.

Este tema está más que hablado. Es muy importante que un profesor mantenga una actividad concertista más allá de lo anecdótico. Está claro que esto dará prestigio al docente y al centro, y proporcionará mayor riqueza en el aprendizaje de sus alumnos. Un profesor que ha perdido por completo el contacto con los escenarios, con lo que es formar parte de un coro/orquesta, ponerse delante de un público o de un tribunal; poco podrá enseñar sobre ello a su alumnado.

Por otra parte, también tenemos que comprender que esta ley de incompatibilidades nace de un principio fundamental: El de la dedicación del personal al servicio de las Administraciones Públicas a un solo puesto de trabajo. De esta forma se da la oportunidad de acceder a esos otros puestos de trabajo a otros profesionales del sector. En definitiva, es una ley cuya intención es:

  • Procurar que los puestos públicos sean distribuidos equitativamente
  • Que las personas que obtengan un puesto público no superen ciertos topes de ingresos (lo cual se consideraría injusto).

Sin embargo, en el caso de los músicos, debería acotarse y matizarse más esta ley. Ya que realmente el profesor no va a dedicarse a dos actividades simultáneamente, sino que busca participar de forma puntual en conciertos. El fin que busca un profesor al tocar es seguir formándose, mantenerse en activo y transmitir así más conocimientos a sus alumnos.

El acomodamiento

Es cierto que algunos profesores pueden tender a acomodarse. Es comprensible, después de años de preparación, algunos pueden necesitar un tiempo “de descanso”. ¡Los músicos también tienen familia y hobbies a los que quieren dedicarse!

Una vez que uno gana su plaza, y tiene su horario fijo, es fácil acomodarse. Y es duro tomar horas de tu tiempo libre tras las duras jornadas de clase para seguir estudiando. Sin embargo, un leve esfuerzo (un par de horas diarias serían más que suficientes) puede significar mucho para nuestros alumnos. Si no mantenemos nuestro nivel musical, perdemos valor como profesores, y los alumnos lo notan.

Tan importante es mantenerse activo en los escenarios como en la sala de estudio. Ya sea dedicando tiempo a nuestro propio repertorio, a nuestras escalas y ejercicios técnicos. Un profesor completo es aquel que puede dar soluciones a sus alumnos porque él ha pasado y pasa por los mismos problemas técnicos y estéticos.

En constante formación

Un profesor también puede seguir aprendiendo, y de hecho, debe. No sólo debemos seguir formándonos como instrumentistas, sino también como pedagogos. Y el hecho de formarse no tiene porqué implicar caros cursos con grandes profesionales. También está en nuestra mano la auto-formación.

Debemos ser curiosos, buscar nuevas metodologías, idear novedades para nuestros alumnos. La pedagogía cambia, los estilos interpretativos cambian, y debemos ser capaces de adaptarnos. Por ello, está entre las tareas de un buen profesor investigar y mantenerse informado.

En los profesores de hoy está puesto el relevo generacional en la enseñanza musical. Podemos empezar a formarnos más allá de lo estipulado y dar a los alumnos infinitas posibilidades.

Un buen profesor se caracteriza por ser buen músico, buen pedagogo, investigador, innovador y constante en su trabajo con el alumno. ¡No te abandones!

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