8 cosas que los Consevatorios de hoy en día deberían tener

El mundo laboral ha cambiado, y también lo ha hecho el panorama cultural. Las técnicas pedagógicas avanzan al ritmo de la tecnología, y los Conservatorios, como centros formativos, deben estar preparados para todos estos cambios. Ya hay sitios en el mundo en el que algunas de estas medidas se aplican. En España hay de todo, no sólo depende de los planes de educación o de las leyes vigentes. por supuesto, el presupuesto con el que se cuenta es esencial, pero también tienen mucho que decir el centro en cuestión y su personal, tanto directiva como docentes.

1- Un orientador educativo y profesional

Alguien formado expresamente para ello, que ayude a los alumnos a encontrar becas que se adapten a sus necesidades, estudios y cursos complementarios, opciones de trabajo… etc. Los músicos estudiantes viven muy inmersos en sacar su carrera adelante y en echar muchas horas en ello. Sin embargo, cuando todo esto acaba, muchos no tienen ni la menor idea de qué pueden hacer, o limitan sus opciones simplemente por desconocimiento. A este tema ya le dedicamos un post en su día.

2- Un departamento de investigación

Todos queremos que los Conservatorios sean considerados enseñanza universitaria, con todos nuestros derechos. Pero una de las caracterísicas principales de la Universidad, y la que da más prestigio, es la capacidad investigativa. En la música hay muchos ámbitos que investigar y mucho por descubrir: hay historia, organología, marketing, psicología, pedagogía… el mundo de la música es muy amplio y podría dar unas investigaciones muy relevantes. Pero para ello, los Conservatorios deben responsabilizarse y exigir un departamento investigador, con profesionales a su cargo, que dé la opción a los alumnos de tomar este camino y cuyo fruto pueda usarse por el bien de nuestra comunidad educativa y musical, para divulgar la importancia de la música y para ayudar a este mundo a crecer y a darse a conocer.

3- Más actuaciones y conciertos del alumnado

No en todas las aulas y Conservatorios se organizan actividades de cara a un público. Los alumnos dependen mucho de la elección de su profesor de hacer o no audiciones de clase y conciertos. Esto lo único que conlleva es inexperiencia y un miedo a la escena que no debería de existir. La actuación tiene que estar presente desde el principio del aprendizaje, para que todos los músicos lo vivan como algo normal, inherente a su carrera. Debería ser algo obligatorio y continuado, no excepcional. Si hay algo que los alumnos que salen fuera de España subrayan es esto: en los Conservatorios europeos se le da mucho peso a todas la actividades que implican tocar para los demás, compañeros y público. Al fin y al cabo, ¡de eso trata ser músico!

4- Ramificación profesional

En prácticamente todas las carreras, los alumnos pueden elegir el itinerario que más les convenga, todo orientado al futuro profesional que más les interese. Los músicos necesitan esto en sus carreras. Ahora, toda la enseñanza está más bien orientada al repertorio solista que, aunque por supuesto tiene que pasarse por él, no es la opción que la mayoría de músicos va a escoger. Además del repertorio solista, existe la música de cámara, la orquesta, la banda, la pedagogía, la investigación, la gestión, la historia, la música antigua, la música contemporánea… etc. Todo estudiante de música debería poder especializarse para tener más opciones laborales. La única opción de especialización de los músicos actuales es estudiar un máster, y en España no hay mucha oferta oficial. El peor caso lo veo en los músicos que quieren dedicarse a la enseñanza, y acaban estudiando un máster que no está para nada orientado a la enseñanza en Conservatorios. Imagina todas las posibilidades que podrían tener los músicos del futuro si sus profesores estuvieran debidamente formados en la enseñanza musical, con las nuevas técnicas y métodos pedagógicos. ¡Sería genial!

5- Coordinación con centros de trabajo para realizar prácticas

En la enseñanza universitaria, cursar un Practicum es algo normal. Los centros tienen convenios para que sus alumnos trabajen un número de horas y puedan vivir una experiencia profesional, de la que además de aprender se puede obtener un trabajo. Yo personalmente conseguí trabajo gracias a las prácticas que realicé a través de mi facultad. Es una oportunidad única que los Conservatorios no ofrecen, pero deberían. No tiene coste alguno para el centro, y da a los alumnos más perspectivas de futuro, además de que aprenden cosas que en el centro educativo no van a enseñarle.

6- Un departamento dedicado a las nuevas tecnologías aplicadas a la música

Vivimos en la era de las redes sociales, la www, los ordenadores, la comunicación, la conexión… No podemos obviar esto en los centros educativos, los músicos tienen que conocer este mundo y aprender aplicarlo a sus carreras. El departamento de nuevas tecnologías no debe limitarse a enseñar a usar Finale o Encore. Existen montones de aplicaciones y programas útiles para músicos. En la era digital, los Conservatorios también han de ser digitales.

7- Biblioteca y discoteca

Aunque parezca una locura, muchos Conservatorios no tienen presupuesto para una biblioteca y discoteca decente. Aunque estemos en la era de la información, no todo está en Internet. Si queremos incluir un departamento de investigación, una biblioteca y discoteca tiene que ir de la mano. Los alumnos necesitan un lugar en el que investigar y aprender sin la necesidad de gastar dinero que no tienen en libros o documentos.

8- Un programa de intercambio

Seguro que algunos Conservatorios cuentan con ello, pero no todos. La Universidad ofrece Erasmus y otros programas que dan la oportunidad a los alumnos de estudiar fuera de aquí por un tiempo. Ya es hora de que los Conservatorios españoles den esa oportunidad a su alumnado, con becas y opciones para todo aquel que no pueda costeárselo. Estudiar en el extranjero puede ser una experiencia vital y pedagógica muy positiva, a la que todos los músicos deberían tener acceso.

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El poder de la música

El poder de la música está muy subestimado. Es triste escuchar de boca de políticos frases como “el arte distrae”, o ver como se desprecia el poder de la música en la educación, eliminando esta asignatura y reduciendo cada vez más su presencia en la vida de los niños.

Ya sabemos que la música tiene unos beneficios en el desarrollo del niño que son inmensurables.

  • Aumenta su atuoestima
  • Mejora sus capacidades motoras e intelectuales
  • Mejora su capacidad lingüística
  • Potencia la memoria
  • Aumenta su coordinación y su capacidad de expresión corporal

Pero lo más importante, el mayor valor que la música tiene, es que le da al niño algo por lo que trabajar e ilusionarse. Es una forma de concentrar sus capacidades en algo que lo hace único, que resaltará sus talentos y le ensañará a ver que puede hacer cosas geniales. Y esto es algo muy importante en niños que tienen menos oportunidades en la vida por su situación social o económica. En el mundo actual hay muchos niños que están en situación de pobreza o desigualdad, y necesitan algo en lo que centrar sus esfuerzos, necesitan oportunidades. La música es la clave para dar a estos niños confianza en sí mismos.

Cuando veo en la tv reportajes sobre campos de refugiados, lo que más me duele es oír a sus padres decir que esos niños ya no van a tener oportunidades en su vida, porque no tienen acceso a una educación. Para todos los niños del mundo, la educación es esencial, y la música debe ser parte de ella. No hace falta irse muy lejos para ver a niños que sufren problemas así, en España, 1 de cada 3 niños están en situación de pobreza (según la web de Músicos por La Paz).

Proyectos que demuestran el poder de la música

Para mí, uno de los proyectos más motivadores es el de La Orquesta de Instrumentos Reciclados de Cateura. Este proyecto nació en la comunidad del Bañado Sur ubicada alrededor del vertedero Cateura de Asunción, Paraguay. La característica principal del proyecto no es sólo que den la oportunidad a estos niños de aprender música, sino que además lo hacen con instrumentos construidos a partir de basura recogida del propio vertedero. Como dice su director “El mundo nos envía basura, nosotros le devolvemos música”.

Según cuenta su propia web “La Orquesta tiene por objetivo desarrollar un proceso de formación dirigida a niños y jóvenes que viven en condiciones precarias y en estado de vulnerabilidad, a través de la música como elemento motivador y de promoción para los niños y jóvenes de modo que estos vivan experiencias que les ayuden a aprender, a permanecer en la escuela, desarrollar su creatividad y a tener acceso a oportunidades para mejorar su futuro”. 

La orquesta está triunfando por todo el mundo, los niños han podido viajar a varios países a tocar. Esta puerta se les ha abierto gracias a la música, y el proyecto se ha convertido en todo un éxito, dando una oportunidad a estos chicos que nunca hubieran tenido en otras circunstancias.

En España también existen muchos proyectos centrados en la labor social y en utilizar el poder de la música. Por un lado, destaca Música Por La Paz. Se trata de una plataforma que lucha contra la exclusión social infantil. Para ello, organizan meriendas para niños en situaciones difíciles, en las que llevan a cabo actividades educativas y talleres relacionados con la música y con otros ámbitos, como el respeto, el medio ambiente…etc.

De manera más internacional encontramos la Fundación Résonnance, que además de en España trabajo en varios países europeos. Mediante conciertos y enseñanza gratuita, la Fundación Résonnance trabaja “mediante la realización de conciertos en residencias para la tercera edad, hospitales, centros especializados, instituciones para personas discapacitadas y centros penitenciarios. Los destinatarios de esta actividad son las personas mayores, enfermas o con diferentes tipos de discapacidad psíquica, física, sensorial u orgánica, las personas con adicciones, los reclusos y ex-reclusos, la infancia y juventud en situación de vulnerabilidad social y las personas en riesgo de exclusión social.” Además de la actividad concertística, tienen el objetivo de promover la escuela pianística Résonnance caracterizada por:

  • La apertura a todas las personas sin distinción de edad, nacionalidad, nivel socio-profesional o nivel técnico.
  • La enseñanza de la pedagogía Résonnance, fenomenología del sonido y del gesto.
  • La ausencia de espíritu competitivo y de exámenes.
  • La gratuidad de la enseñanza.

Está claro que la música puede dar mucho, no sólo a los individuos en su desarrollo, sino también a la sociedad. La música puede hacer mucho por la integración social, y puede dar oportunidades a aquellos que las necesitan. ¡Este es el poder de la música!

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¿Por qué tenemos que tocar escalas todos los días?

Cualquier músico sabe que tocar escalas es muy importante. Desde que empezamos a trabajar en la música, nuestros profesores se empeñan en hacernos tocar escalas, escalas y escalas. Desde luego, es un trabajo que puede resultar bastante aburrido para la mayoría, sobre todo frente a la tentadora opción de dejar de lado las escalas y trabajar obras increíbles. Incluso es común que algunos músicos olviden pertinentemente estudiar sus escalas cuando ya no están sometidos al control semanal de su maestro. Así lo confiesa el Dr. Noa Kageyama en su artículo sobre la importancia de las escalas:Como cualquier estudiante, yo practicaba obedientemente (aunque a regaña dientes)  todas mis escalas desde muy temprana edad. Por supuesto, una vez tuve la edad para practicar sin supervisión,  con agrado evité tocar escalas tanto como pude. Como tomar vitaminas, sabía que tocar escalas era bueno para mí  pero no sabía exactamente por qué.”SCALES-says-batman

¿Qué tienen las escalas que las hace tan esenciales?

Como tomar vitaminas, sabía que tocar escalas era bueno para mí  pero no sabía exactamente por qué.

Cuando aún estaba estudiando en grado medio, odiaba tocar escalas. Pero no me quedaba más remedio, porque mi profesor me las controlaba en todas las clases que teníamos. No le importaba que no hubiese estudiado el concierto o la sonata de turno, pero ay de mí como no hubiese preparado al menos una escala. Cuando le decía que tocar escalas me parecía aburrido, él siempre me contestaba igual: Toda la música está formada por escalas y arpegios, si dominas eso, podrás tocar cualquier cosa. Todavía era pequeña, pero más tarde entendí que esa era la clave de la importancia de trabajar las escalas a diario: las escalas son los fundamentos de la música. Es lo más básico que un músico puede tocar. Y dominar la base es determinante en cualquier disciplina.

El Dr. Noa Kageyama ilustra bien esa percepción de dominio de los fundamentos: “La chelista Natalia Gutman […] dió una clase maestra para los chelistas y llegó un momento en el que todos los que estábamos ahí sonreímos y asentimos con la cabeza con admiración. ¿Qué fue lo que hizo? Tocó una escala. […] Cualquiera puede tocar una escala. Pero tocarla con la comodidad y la facilidad que ella demostró,  con tal precisión, distribución, control, uniformidad, suavidad del arco y tan orgánicamente, sin mencionar el sonido destellante y puro, los cambios de arco limpios y la afinación…suspiro…  Nos dejó sin palabras. Puede que las escalas sean la secuencia más básica que toca un músico, pero observar el dominio de los fundamentos de un gran artista fue algo realmente digno de contemplar.  Me di cuenta de que sí; puede que sea capaz de tocar un buen Capricho de Paganini , pero no podría ni siquiera acercarme a esa clase de ejecución en una escala.”  

¿En qué nos benefician las escalas?

  • Son una herramienta perfecta para probar cosas nuevas, estudiar articulaciones, legatos, postura correcta, colores, distintos sonidos… Es un campo de pruebas, el gimnasio de los músicos por así decirlo.Nos permite llegar a límites técnicos que tocando cosas más complejas no podemos alcanzar.
  • Mejoran la afinación. Con cada tonalidad podemos descubrir una afinación mucho más precisa.
  • Nos dan mejor conciencia de la armonía y, por tanto, las direcciones de la música.
  • Nos ahorran tiempo de trabajo con las obras, ya que gracias a su dominio tendremos muchas menos dificultades a la hora de estudiar.
  • Nos hacen conectar con el instrumento o con la capacidad de nuestras cuerdas vocales. Al ser más sencillas de tocar que una obra o estudio, nos permiten relajarnos y centrarnos en la emisión de sonido.

¿Cómo consigo no aburrirme tocando escalas?

Sólo una palabra: experimenta. El Dr. Noa Kageyama compara las escalas con un laboratorio de pruebas, y para mí no puede estar más acertado. Tocando escalas puedes explorar todos los tipos de sonido que se te ocurran para después aplicarlos a las obras que trabajas.

Haz la escala nota por nota, liga de dos en dos, de tres en tres, de doce en doce… Practica las articulaciones cortas y largas, con distintas formas de ejecución, con distintos ritmos… Combina ligaduras, acentos, matices… todo lo que se te ocurre tiene cabida en el laboratorio de escalas.

¡Ya no tienes excusas para no practicarlas! Domina la base para poder dominar todo lo demás.

 

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RESEÑA DEL IV CURSO DE REPERTORIO ORQUESTAL PARA CLARINETE 2016

Este pasado fin de semana se ha realizado en la Escuela de Música ” Progresión armónica” de Rivas- Vaciamadrid (Madrid) el IV Curso de repertorio orquestal para Clarinete.

El sábado impartió clases individuales la solista de clarinete de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Nerea Meyer Arias. Nos gustó sobre todo su manera amable, clara y efectiva de plantear, trabajar y solucionar las cuestiones, tanto técnicas como musicales, que se iban presentando en los solos orquestales. Pudimos trabajar pasajes de las 4ª, 6ª y 8ª Sinfonías de Beethoven, 2ª Rapsodia Húngara de Liszt, Danzas Polovtsianas de Borodin…


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Miguel Espejo Pla, solista de la Orquesta de Radiotelevisión Española, fue el profesor durante la segunda jornada. Podríamos destacar su manera minuciosa de trabajar el aire, el apoyo, la embocadura y la articulación, siempre al servicio de la calidad del sonido y del fraseo adecuados. Escuchamos y aprendimos de los solos de Tosca, Pedro y el Lobo, 9º Sinfonía de Schostakovitsch y un fragmento del inicio del concierto de Mozart.

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Con este IV Curso de Repertorio Orquestal para Clarinete finaliza un ciclo. El año próximo descansamos y aprovechamos para reflexionar sobre lo bueno y lo malo, recordar los aciertos y aprender de los errores para, quizá, más adelante, continuar con este proyecto o una parecido.

Pero no quiero terminar sin destacar la calidad humana de todos los profesores que han querido colaborar con este proyecto, desde Beatriz López a Nerea Meyer, pasando por mis tres profesores, José V. Herrera, Josep Fuster y Miguel Espejo. Todos y cada uno de ellos nos han mostrado su gran nivel como clarinetistas, músicos y Maestros. Estoy agradecida por lo que han compartido con nosotros.

Por último, quisiera dar las gracias a todos los alumnos (en especial a aquéllos que “han repetido”), ya que sin ellos sí que hubiera sido imposible emprender y llevar a cabo esta aventura de aprendizaje.

¡Gracias por leer!


Archivado en: Arte, clarinete, Cursos, Educación, Personal, Reflexiones Tagged: clarinete, curso, curso repertorio, enseñanza, música, pedagogía, repertorio orquestal