En este sorprendente vídeo vemos a su protagonista emulando lo que parece en tiempo real a sus artistas favoritos, realmente no es así, pues Musical.ly, con versión gratuita en la que puedes ver los vídeos de otros y de pago en la que interactuar tú, es una aplicación para trabajar a cámara lenta la sincronización música-texto.
Permite seleccionar una canción y grabar sobre ella un vídeo a modo de playback. Se graba a muy lenta velocidad y una vez realizada la grabación la aplicación la lleva al tempo original de la canción.
¿Qué utilidad didáctica tiene esta aplicación para los que quieran aprender a cantar?
Como bien sabemos, ejercitar la capacidad de escucha es fundamental. Al escuchar muchas veces la canción para crear tu propia coreografía se interioriza musicalmente, y por otro lado, como se tiene que sincronizar la boca con la letra, facilitandolo mucho al hacerlo lentamente, se ejercita la musculatura articulatoria.
Además, si haces las coreografías en grupo puede ser un buen recurso para cohesionar socialmente y favorecer la interacción entre músicos, que muchas veces, adolece por su infrecuencia. ¡Es divertido!
¿Como te iniciaste en el mundo de la producción musical?
Fue un poco de casualidad, siempre he sido un consumidor de música en directo y de discos. Dos buenos amigos trabajaban en una tienda de música que además organizaba conciertos de grupos ingleses por Valencia y Alicante principalmente. De vez en cuando les hacía falta ayuda para las mil cosas que conlleva un concierto, poco a poco fui entrando en el mundillo, de eso hace ya más de 20 años, aquí sigo.
¿Hacía donde crees que evoluciona el sector?
Sinceramente vivimos un momento muy complejo, el esquema que ha pervivido durante más de 50 años: discográfica, editorial y oficina de management, está muy tocado. Solo unos pocos artistas pueden acceder a este formato y son los que funcionan. Ahora las discográficas al uso están desapareciendo y es el artista el que debe coge las riendas de sus lanzamientos discográficos y representación artística, pero detrás debe haber un equipo que coordine todo el proceso. Es el esquema de siempre pero con diferentes actores y centrados en un solo proyecto, lo que puede hacer perder la perspectiva. La figura del profesional siempre debe estar presente.
¿Qué ingredientes debe tener un artista para que te interese producir su música?
Calidad, formación, ganas de trabajar (tesón) y confianza mutua.
¿Cual es el trabajo del que te sientes más orgulloso? Y ¿Por qué?
Hoy se habla mucho del 360º, el háztelo tu mismo, y en el caso de los grupos que están empezando es muy complicado encontrar una discográfica. Con el grupo Stephanie Cadel et La Caravane, empezamos de cero, solo tenían autoeditado un e.p. bastante casero y quisieron dar el salto al L.p. (El grupo ya tenía bastantes canciones rodadas).
Lo hicimos mediante el método del Crowdfunding pero con variaciones, creamos nuestra propia plataforma de venta on-line, y antes de grabar comenzaron una serie de conciertos presentando el nuevo proyecto para recaudar dinero, allí mismo en los conciertos vendían el 'bono caravanero', eso sumando a la venta on-line mediante el micro-mecenazgo se consiguió practicante pagar la fabricación y grabación del disco. Como curiosidad hubo que traducir la campaña a varios idiomas como Japones, Inglés y Francés, ya que sus miembros son de estos países pero residentes en Valencia.
Cuéntanos alguna experiencia o anécdota simpática que te venga a la memoria que tenga que ver con tu experiencia profesional.
Una de las experiencias más contundentes la tuve hace 3 años en el festival 'Mare Nostrum', un festival de tientes callejeros. Durante los 4 días que estuve trabajando conviví con más de 100 músicos prácticamente casi 20 horas al día, los conciertos comenzaba a las 11 de la mañana y terminaban sobre las 23:00 h. (todo el día, en diferentes espacios y escenarios). A parte de la camaradería y ayuda profesional entre ellos, muchos luego nos íbamos a un local donde se hacían Jams-sesions, la locura vamos ...
¿Que información crees que debería tener un cantante antes de entrar en un estudio de grabación?
Yo vengo del mundo de las maquetas, cuando se grababan en multipistas y terminaban en una cinta de cassette para oírlas. Mi recomendación hoy por hoy siempre es la misma, primero tener muy claro el repertorio, ensayarlo mucho y grabarlo en el local (hoy en día esto se puede hacer sin problemas), con el objetivo de pulir los detalles al máximo, buscar un buen estudio de grabación, un buen técnico de sonido con experiencia. Merece la pena buscar la figura del productor artístico (bisagra entre técnico y artista o banda). El productor artístico conseguirá maximizar los resultados de la grabación y producción del sonido.
¿Qué consejo o recomendación darías a los que empiezan a estudiar canto?
Que busquen un profesional que los asesore, y según su estilo que dirigía su carrera en uno u otro sentido, a partir de ahí se trata de trabajar y perseverar.
¿Quieres añadir algo más sobre tu relación con la música?
Es un oficio complicado, hay falta de oportunidades, el sector no está lo suficientemente profesionalizado, la sociedad en general no lo valora en su justa medida, no son conscientes de todo el trabajo y pasión que hay en un concierto, y las administraciones que son las que deberían velar por estos intereses la dan bastante la espalda. Así que desde aquí pido al público y a los gestores culturales una mayor implicación en los proyectos musicales.
Escrito por Anabel Vélez, dentro de la colección Guías del Rock & Roll, de RedBook ediciones, en su sello Ma non troppo. En la misma colección se han publicado títulos referidos al Heavy Metal, Soul y Rhythm & Blues, Rockabilly, Hard Rock, Dance Electronic Music, Bob Dylan...
En la portada, entre otras cantantes, preside Tina Turner, "la leona del rock", una de las reinas indiscutibles del género, ya retirada, aunque pisó escenarios a sus más de setenta años (su última gira fue en 2008, y atesora más de medio siglo de carrera).
El volumen que hoy nos ocupa es un apasionante recorrido por la historia del rock a través de sus protagonistas femeninas, desde sus inicios hasta la actualidad. Incluye un anexo de rockeras españolas (Vainica Doble, Cristina Rosenvinge, Alaska, Amparanoia, Aura Beltrán, Ana Curra, Mercedes Ferrer, Marina Gallardo, Nuria Graham, Miren Iza, Cristina y Amparo Llanos, Maika Makovski) e hispanoamericanas (Soledad Vélez, María Gabriela Epumer, Andrea Echeverri, Denise, Fabiana Cantilo).
Es interesante leer Rockeras con Youtube abierto para poder apreciar la esencia y versatilidad de cada una de las artistas, todas ellas con una capacidad expresiva y personalidad vocal únicas. Precisamente esa búsqueda de un sonido propio y característico forma parte del desarrollo de esa impronta artística en el sentido de que no se entiende el rock sin esa manera de cantar carismática que haga cada timbre reconocible y recordable. Es imposible confundir la voz de Tina Turner con la de Ruth Brown, o Amy Winehouse (también en el frontispicio), por poner un ejemplo. Desde los inicios del rock, las mujeres han estado presentes aunque no siempre visibles ya que, si per se el rock fue censurado en sus comienzos, el hecho de ser mujer le añadía un componente "pecaminoso", podría decirse, y muchas de las cantantes en estos prolegómenos sufrían rechazo social y por parte de los medios.
El libro sigue un formato de ficha ordenadas alfabéticamente lo cual facilita la búsqueda y consulta específica. Trata los antecedentes, los orígenes de las profesionales, los aspectos relevantes de su carrera, los albumes y los singles destacados. Al final hace una selección de los cincuenta álbumes básicos para todo melómano especializado en este estilo.
La imitación vocal es un gran recurso de aprendizaje que no debemos despreciar. Escuchando a otros cantantes podemos fijarnos en qué recursos emplean, cómo los utilizan, dónde, aspectos estilísticos, maneras de improvisar, de ornamentar, y un larguísimo etcétera.
Aún así hay que tener cuidado sobre a quién imitamos, porque si no escogemos un buen ejemplo o buenos ejemplos, mejor dicho, podemos incluso perjudicarnos. Muchos cantantes emplean efectos que ni ellos mismos saben que son dañinos para su voz en un uso frecuente.
Sin embargo, escuchar a buenos cantantes nos puede ayudar a comparar, en el caso de que nos grabemos, si el resultado es parecido o se aleja... y nos puede coadyuvar, también, a explorar, junto con nuestro profesor aquellos aspectos que queremos mejorar.
Imitar tampoco debe hacernos limitar nuestra voz a un estilo o a una única manera de cantar, deberíamos buscar muchos ejemplos. No es bueno para tu creatividad y tu desarrollo profesional cantar sólo "a la manera de" un cantante... Nino Bravo, Rocío Jurado, F. Mercuri, Madonna, etc... por citar algunos. La vida musical real no es un concurso tipo karaoke televisivo sino que saldrás adelante con tu propia personalidad vocal y la cualidad tímbrica exclusiva tuya.
De la nada, nada viene, como decían los griegos antiguos, y escuchar a los demás siempre enriquece, pero preocúpate de elegir buenos ejemplos, ya que tus neuronas espejo están preparadas para imitar bastante bien.
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para los amantes de la música moderna!