1. El clasicismo
El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a La Edad Contemporánea.
2. Contexto histórico
El siglo XVIII es el llamado Siglo de las Luces, y está dominado por un movimiento intelectual denominado Ilustración. El objeto del hombre es comprender e imitar la naturaleza mediante el uso de la razón.
El sistema de gobierno es el Despotismo Ilustrado. Son monarquías absolutas, pero que incorporan los ideales de la Ilustración, de manera que se gobierna con la razón pensando en el beneficio del pueblo.
Las teorías políticas ilustradas conducirán a la Revolución Francesa (1789), que supone el ascenso de las clases medias burguesas en detrimento de la realeza y aristocracia.
Esos ideales impregnarán la música del clasicismo. Por un lado, esta nueva clase social que aspira a las diversiones de la nobleza, no tiene la formación musical de la aristocracia. Y si le sumamos que la música debe someterse a la razón, como todas las artes, se entenderá que la música de esta época sea fácil de escuchar, con melodías bien estructuradas y definidas para que el público las perciba y las recuerde bien.
3. Contexto cultural
- El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que divulgará la cultura en amplias capas de la población.
- Los artistas, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta forma se van liberar poco a poco de las obligaciones de trabajar supeditados al gusto de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia creativa pero contando con el reto de tener que depender del público para rentabilizar sus ingresos.
4. Contexto musical
- La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos.
- En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la belleza y la perfección formal.
- Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del contexto musical.
5. Características musicales
1.-Orden, equilibrio y simetría: retorno al ideal clásico de belleza, es decir, orden, equilibrio y simetría. Son los cánones de belleza de la antigüedad, a los que el clasicismo pretende imitar.
2.-Sencillez y naturalidad: la música barroca, recargada en adornos y llena de contrastes, da paso a una música más sencilla y natural, que pretende gustar a todo el mundo, no sólo a la nobleza más refinada sino también al pueblo llano.
3.-Protagonismo de la melodía: las melodías se repiten mucho, son cuadradas, bien separadas y proporcionadas. Suelen estar estructuradas en frases, semifrases y motivos perfectamente simétricos.
4-Desaparece el bajo continuo: lo importante es la melodía, que es acompañada por acordes. Esta textura se conoce como melodía acompañada.
5.-La armonía es plenamente tonal: se utilizan los acordes de tónica, dominante y subdominante (I, V, IV).
- Los compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio basado en la proporción y el orden, una claridad que se transmite a través de melodías y armonías simples y una sencillez que permite al oyente una gran facilidad de comprensión.
- La música de esta época es refinada, elegante, contenida y equilibraba. Para lograr una música de estas características los compositores trabajarán sobre todo dos aspectos:
6. La música religiosa
- La música religiosa va a estar en declive en esta época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros mucho más solicitados por el público en general.
- En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios musicales respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos géneros, dentro de los cuales destacará la misa. Un tipo de misa especial que va a adquirir gran importancia en este periodo es el Réquiem.
- El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia católica. Dicha música es ligeramente distinta de la de otras misas, ya que se prescinde de las partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de duelo.
- Dentro de este tipo de género, podemos destacar "El Réquiem de Mozart", obra maestra de la música clásica. Según cuenta la leyenda, esta obra le fue encargada a Mozart por un desconocido. El compositor, que entonces ya estaba gravemente enfermo, creyó que se trataba de un encargo del más allá para su propio funeral y murió componiendo la séptima parte de la obra que lleva por título Lacrimosa. Esta parte termina con la palabra Amen, palabra que se utilizaba al final de la misa, algo extraño teniendo en cuenta que a Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por componer. La obra sería completada , siguiendo las instrucciones que el compositor dejó escritas, por su alumno Süsmayr.
7. La ópera seria
- El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género operístico. Este género, nacido en el Barroco, experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y acercamiento del argumento al público.
- Los teatros se multiplicaron, el público aumentó en gran medida y los compositores encontraron en la ópera una de sus formas favoritas de expresión.
Utiliza música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado la ópera seria barroca.
Evita los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y los recitativos más expresivos.
El argumento es más sencillo y verosímil, y se desechan los elementos fantásticos y artificiales de Barroco.
La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.
8. La ópera bufa
- Es en esta época cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias, sobretodo, a la llegada de la burguesía al poder.
- Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de la “ServaPadrona” de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. A pesar de utilizar las mismas características musicales que la ópera seria, la ópera bufa contaba con algunas particularidades:
Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter cómico y en ocasiones sentimental.
Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por partes habladas.
Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más habituales.
En los finales de acto los personajes entraban de manera gradual, de forma que la tensión iba en aumento y se resolvía cuando todos cantaban al final.
El lenguaje que utilizaban era asequible, sin grandes grandilocuencias.
Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria. Esto no es extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público, cada vez más amplio y sin conocimientos musicales. Mozart, que como hemos dicho será uno de los principales compositores de este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano (Las bodas de Fígaro) como en Alemán (La flauta Mágica). La ópera bufa italiana llegó a toda Europa. En Alemania se denominó Singpiel y en Francia se llamó Ópera Cómique.
9. La música instrumental
LA MÚSICA DE CÁMARA
Llamamos así a la música compuesta para un reducido grupo de instrumentos. El nombre viene de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento.
Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzará poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas particulares. Esto viene provocado por el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y también porque económicamente una agrupación de cámara era mucho más rentable que una orquesta.
Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera ser interpretada por aficionados.
Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el piano o la guitarra), para un trío (por ejemplo un violín, un piano o un violonchelo),…; pero sin duda las agrupaciones de cámara que se convirtieron en favoritas fueron el cuarteto de cuerda (dos violines, viola y violonchelo) y el quinteto (que sumaba a esos instrumentos del cuarteto un instrumento de viento)
LA MÚSICA DE ORQUESTA
Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno de los medios de expresión más utilizados por los compositores.
La constitución de las orquestas va a seguir dependiendo de las posibilidades económicas y de la disponibilidad de instrumentistas. Sin embargo, las orquestas poco a poco se fueron uniformizando, de manera que hacia finales del siglo XVIII ya podemos hablar de un modelo de orquesta clásica con una sección de cuerda (violines, violas, violonchelos y contrabajos), una de viento (flautas, oboes, clarinetes, fagots, trompas,…) y una de percusión (timbales, platillos,…) .
10. La forma sonata
Es la forma musical más importante de la época. Cambia su denominación dependiendo del número de instrumentos por el que sea interpretado.
Clases de sonata por sus intérpretes:
Sonata. Compuesta para un instrumento solista como el piano. Destacan las sonatas de Mozart, y más tarde las de Beethoven.
Tríos, cuartetos, quintetos... Las sonatas para distintas agrupaciones de cámara, serán denominadas por el número de instrumentos. La agrupación de cámara más importante es el cuarteto de cuerda: dos violines, viola y violonchelo.
Sinfonía. Es una gran sonata para orquesta.
Concierto. Son muy parecidos a las sinfonías, pero adaptados para el lucimiento del solista. Suele tener sólo tres movimientos. Destaca el diálogo que se establece entre solista y orquesta (solos y tuttis), haciendo el solista una exhibición de virtuosismo y brillantez.
Partes de la sonata
La forma sonata puede tener tres o cuatro partes o movimientos:
El primer movimiento es rápido y tiene una estructura conocida como allegro de sonata. Es la estructura emblemática del clasicismo.
El segundo movimiento es de tempo lento. Puede ser una forma tipo lied (aba) o un tema con variaciones.
El tercer movimiento no siempre está presente. Puede tener una estructura de minué o scherzo. El scherzo sustituirá al minué, tiene una estructura parecida, más rápido.
El cuarto movimiento puede ser un allegro de sonata o un rondó.
11. Los instrumentos
Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos de los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es reemplazado por el piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el laúd, la flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que sus características tímbricas no se adecuaban al nuevo estilo musical.
Otros instrumentos, sobretodo los de viento, mejorarán sus posibilidades ya que serán mejorados técnicamente por los constructores. Esto permitirá ampliar registros, mejorar timbres,…
Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la orquesta.
Este instrumento de viento fascinó a Mozart,
que compuso para él uno de sus más bellos
conciertos.
12. Compositores
J. Haydn
Compositor austriaco que trabajó casi toda su vida al servicio del príncipe de Esterazy. Agobiado por la vida en la corte viajó a Londres en busca de nuevas experiencias musicales, donde alcanzó el máximo reconocimiento. Reclamado por su patrón volvió a Austria donde pasó el resto de sus días.
Repertorio Instrumental: destacan sus más de 100 sinfonías
Inventor y genio del cuarteto
M. Vocal: excelentes oratorios como la Creación
W. A. Mozart
Hijo del también músico Leopoldo Mozart, su padre le enseñó desde muy pequeño el arte de la música. Mozart demostró ser un niño prodigio, que con 6 años tocaba el clave, el violín y componía sus primeras obras, lo que le mantuvo de giras y exhibiciones por toda Europa. Como su padre, entró al servicio del arzobispo de Salzburgo, pero pronto fue despedido por su vida desordenada, dirigiéndose a Viena, capital de la música. Allí intentó vivir del éxito de su música, pero terminó muriendo en la pobreza con sólo 35 años.
Su repertorio es más reducido que Haydn por su corta vida, pero aún así tocó todos los géneros
M. Instrumental: Sinfonías, conciertos, cuartetos, divertimentos, SONATAS
M. Vocal: óperas de gran éxito como La Flauta Mágica, Las Bodas de Fígaro
L. V. Beethoven
Compositor alemán nacido en Bonn en 1770, murió en Viena en 1827. Su padre también era músico, y le enseñó piano y composición con la ilusión de que se convirtiera en un niño prodigio como lo fue Mozart. Beethoven fue el último clásico y el primer romántico, aprendió de los maestros del clasicismo como Mozart o Haydn pero innovó creando un nuevo estilo, más libre, emotivo y grandilocuente. Fue el primero que se reveló contra el dominio de los poderosos mecenas e intentó ser libre como artista y creador. Su vida personal estuvo repleta de experiencias dramáticas que influyeron en su vida: su sordera tardía, desencantos amorosos e incluso políticos. Todo ello determinó su estilo dramático, emotivo y trascendental.
Repertorio: 32 SONATAS: destacan Apasionata, Claro de luna
9 sinfonías: Heroica, Pastoral, 5ª Sinfonía, 9ª Sinfonía
16 cuartetos
5 conciertos: del Emperador
El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a La Edad Contemporánea.
2. Contexto histórico
El siglo XVIII es el llamado Siglo de las Luces, y está dominado por un movimiento intelectual denominado Ilustración. El objeto del hombre es comprender e imitar la naturaleza mediante el uso de la razón.
El sistema de gobierno es el Despotismo Ilustrado. Son monarquías absolutas, pero que incorporan los ideales de la Ilustración, de manera que se gobierna con la razón pensando en el beneficio del pueblo.
Las teorías políticas ilustradas conducirán a la Revolución Francesa (1789), que supone el ascenso de las clases medias burguesas en detrimento de la realeza y aristocracia.
Esos ideales impregnarán la música del clasicismo. Por un lado, esta nueva clase social que aspira a las diversiones de la nobleza, no tiene la formación musical de la aristocracia. Y si le sumamos que la música debe someterse a la razón, como todas las artes, se entenderá que la música de esta época sea fácil de escuchar, con melodías bien estructuradas y definidas para que el público las perciba y las recuerde bien.
3. Contexto cultural
- El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que divulgará la cultura en amplias capas de la población.
- Los artistas, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta forma se van liberar poco a poco de las obligaciones de trabajar supeditados al gusto de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia creativa pero contando con el reto de tener que depender del público para rentabilizar sus ingresos.
4. Contexto musical
- La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos.
- En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la belleza y la perfección formal.
- Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del contexto musical.
5. Características musicales
1.-Orden, equilibrio y simetría: retorno al ideal clásico de belleza, es decir, orden, equilibrio y simetría. Son los cánones de belleza de la antigüedad, a los que el clasicismo pretende imitar.
2.-Sencillez y naturalidad: la música barroca, recargada en adornos y llena de contrastes, da paso a una música más sencilla y natural, que pretende gustar a todo el mundo, no sólo a la nobleza más refinada sino también al pueblo llano.
3.-Protagonismo de la melodía: las melodías se repiten mucho, son cuadradas, bien separadas y proporcionadas. Suelen estar estructuradas en frases, semifrases y motivos perfectamente simétricos.
4-Desaparece el bajo continuo: lo importante es la melodía, que es acompañada por acordes. Esta textura se conoce como melodía acompañada.
5.-La armonía es plenamente tonal: se utilizan los acordes de tónica, dominante y subdominante (I, V, IV).
- Los compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio basado en la proporción y el orden, una claridad que se transmite a través de melodías y armonías simples y una sencillez que permite al oyente una gran facilidad de comprensión.
- La música de esta época es refinada, elegante, contenida y equilibraba. Para lograr una música de estas características los compositores trabajarán sobre todo dos aspectos:
6. La música religiosa
- La música religiosa va a estar en declive en esta época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros mucho más solicitados por el público en general.
- En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios musicales respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos géneros, dentro de los cuales destacará la misa. Un tipo de misa especial que va a adquirir gran importancia en este periodo es el Réquiem.
- El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia católica. Dicha música es ligeramente distinta de la de otras misas, ya que se prescinde de las partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de duelo.
- Dentro de este tipo de género, podemos destacar "El Réquiem de Mozart", obra maestra de la música clásica. Según cuenta la leyenda, esta obra le fue encargada a Mozart por un desconocido. El compositor, que entonces ya estaba gravemente enfermo, creyó que se trataba de un encargo del más allá para su propio funeral y murió componiendo la séptima parte de la obra que lleva por título Lacrimosa. Esta parte termina con la palabra Amen, palabra que se utilizaba al final de la misa, algo extraño teniendo en cuenta que a Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por componer. La obra sería completada , siguiendo las instrucciones que el compositor dejó escritas, por su alumno Süsmayr.
7. La ópera seria
- El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género operístico. Este género, nacido en el Barroco, experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y acercamiento del argumento al público.
- Los teatros se multiplicaron, el público aumentó en gran medida y los compositores encontraron en la ópera una de sus formas favoritas de expresión.
Utiliza música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado la ópera seria barroca.
Evita los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y los recitativos más expresivos.
El argumento es más sencillo y verosímil, y se desechan los elementos fantásticos y artificiales de Barroco.
La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.
8. La ópera bufa
- Es en esta época cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias, sobretodo, a la llegada de la burguesía al poder.
- Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de la “ServaPadrona” de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. A pesar de utilizar las mismas características musicales que la ópera seria, la ópera bufa contaba con algunas particularidades:
Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter cómico y en ocasiones sentimental.
Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por partes habladas.
Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más habituales.
En los finales de acto los personajes entraban de manera gradual, de forma que la tensión iba en aumento y se resolvía cuando todos cantaban al final.
El lenguaje que utilizaban era asequible, sin grandes grandilocuencias.
Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria. Esto no es extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público, cada vez más amplio y sin conocimientos musicales. Mozart, que como hemos dicho será uno de los principales compositores de este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano (Las bodas de Fígaro) como en Alemán (La flauta Mágica). La ópera bufa italiana llegó a toda Europa. En Alemania se denominó Singpiel y en Francia se llamó Ópera Cómique.
9. La música instrumental
LA MÚSICA DE CÁMARA
Llamamos así a la música compuesta para un reducido grupo de instrumentos. El nombre viene de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento.
Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzará poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas particulares. Esto viene provocado por el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y también porque económicamente una agrupación de cámara era mucho más rentable que una orquesta.
Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera ser interpretada por aficionados.
Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el piano o la guitarra), para un trío (por ejemplo un violín, un piano o un violonchelo),…; pero sin duda las agrupaciones de cámara que se convirtieron en favoritas fueron el cuarteto de cuerda (dos violines, viola y violonchelo) y el quinteto (que sumaba a esos instrumentos del cuarteto un instrumento de viento)
LA MÚSICA DE ORQUESTA
Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno de los medios de expresión más utilizados por los compositores.
La constitución de las orquestas va a seguir dependiendo de las posibilidades económicas y de la disponibilidad de instrumentistas. Sin embargo, las orquestas poco a poco se fueron uniformizando, de manera que hacia finales del siglo XVIII ya podemos hablar de un modelo de orquesta clásica con una sección de cuerda (violines, violas, violonchelos y contrabajos), una de viento (flautas, oboes, clarinetes, fagots, trompas,…) y una de percusión (timbales, platillos,…) .
10. La forma sonata
Es la forma musical más importante de la época. Cambia su denominación dependiendo del número de instrumentos por el que sea interpretado.
Clases de sonata por sus intérpretes:
Sonata. Compuesta para un instrumento solista como el piano. Destacan las sonatas de Mozart, y más tarde las de Beethoven.
Tríos, cuartetos, quintetos... Las sonatas para distintas agrupaciones de cámara, serán denominadas por el número de instrumentos. La agrupación de cámara más importante es el cuarteto de cuerda: dos violines, viola y violonchelo.
Sinfonía. Es una gran sonata para orquesta.
Concierto. Son muy parecidos a las sinfonías, pero adaptados para el lucimiento del solista. Suele tener sólo tres movimientos. Destaca el diálogo que se establece entre solista y orquesta (solos y tuttis), haciendo el solista una exhibición de virtuosismo y brillantez.
Partes de la sonata
La forma sonata puede tener tres o cuatro partes o movimientos:
El primer movimiento es rápido y tiene una estructura conocida como allegro de sonata. Es la estructura emblemática del clasicismo.
El segundo movimiento es de tempo lento. Puede ser una forma tipo lied (aba) o un tema con variaciones.
El tercer movimiento no siempre está presente. Puede tener una estructura de minué o scherzo. El scherzo sustituirá al minué, tiene una estructura parecida, más rápido.
El cuarto movimiento puede ser un allegro de sonata o un rondó.
11. Los instrumentos
Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos de los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es reemplazado por el piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el laúd, la flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que sus características tímbricas no se adecuaban al nuevo estilo musical.
Otros instrumentos, sobretodo los de viento, mejorarán sus posibilidades ya que serán mejorados técnicamente por los constructores. Esto permitirá ampliar registros, mejorar timbres,…
Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la orquesta.
Este instrumento de viento fascinó a Mozart,
que compuso para él uno de sus más bellos
conciertos.
12. Compositores
J. Haydn
Compositor austriaco que trabajó casi toda su vida al servicio del príncipe de Esterazy. Agobiado por la vida en la corte viajó a Londres en busca de nuevas experiencias musicales, donde alcanzó el máximo reconocimiento. Reclamado por su patrón volvió a Austria donde pasó el resto de sus días.
Repertorio Instrumental: destacan sus más de 100 sinfonías
Inventor y genio del cuarteto
M. Vocal: excelentes oratorios como la Creación
W. A. Mozart
Hijo del también músico Leopoldo Mozart, su padre le enseñó desde muy pequeño el arte de la música. Mozart demostró ser un niño prodigio, que con 6 años tocaba el clave, el violín y componía sus primeras obras, lo que le mantuvo de giras y exhibiciones por toda Europa. Como su padre, entró al servicio del arzobispo de Salzburgo, pero pronto fue despedido por su vida desordenada, dirigiéndose a Viena, capital de la música. Allí intentó vivir del éxito de su música, pero terminó muriendo en la pobreza con sólo 35 años.
Su repertorio es más reducido que Haydn por su corta vida, pero aún así tocó todos los géneros
M. Instrumental: Sinfonías, conciertos, cuartetos, divertimentos, SONATAS
M. Vocal: óperas de gran éxito como La Flauta Mágica, Las Bodas de Fígaro
L. V. Beethoven
Compositor alemán nacido en Bonn en 1770, murió en Viena en 1827. Su padre también era músico, y le enseñó piano y composición con la ilusión de que se convirtiera en un niño prodigio como lo fue Mozart. Beethoven fue el último clásico y el primer romántico, aprendió de los maestros del clasicismo como Mozart o Haydn pero innovó creando un nuevo estilo, más libre, emotivo y grandilocuente. Fue el primero que se reveló contra el dominio de los poderosos mecenas e intentó ser libre como artista y creador. Su vida personal estuvo repleta de experiencias dramáticas que influyeron en su vida: su sordera tardía, desencantos amorosos e incluso políticos. Todo ello determinó su estilo dramático, emotivo y trascendental.
Repertorio: 32 SONATAS: destacan Apasionata, Claro de luna
9 sinfonías: Heroica, Pastoral, 5ª Sinfonía, 9ª Sinfonía
16 cuartetos
5 conciertos: del Emperador