¿Cuál es la primera experiencia que recuerdas con la música?
Lo primero que escuché debieron ser las coplas de Imperio Argentina que cantaba mi madre o todo lo que sonaba en el tocadiscos de mi tío: flamenco, boleros, rancheras, etc. Música popular en todo caso que al final es lo que me sale a la hora de componer.
¿En qué momento decidiste que querías ser cantante?
En la adolescencia, cuando empecé a tocar la guitarra y a darme cuenta que se podía llamar la atención cantando, incluso hacer reír al mismo tiempo. Claro que cantar en público de manera más o menos regular y más o menos profesional me ha llevado algo de más tiempo. Unos treinta años.
¿Qué personalidad musical crees que te influyó más en tu carrera?
Carrera, carrera… mejor un paseíllo. Por cómo me salen las canciones y su temática, es evidente que Javier Krahe, aunque antes de conocerlo a él, ya sabía de Georges Brassens, su principal influencia, por las clases de francés en el instituto o las versiones en español de Paco Ibañez.
¿Cuáles son tus cantantes o músicos favoritos?
Me gustan más los cantantes que transmiten más que los de grandes voces. A Krahe puedes sumarle Paolo Conte, por ejemplo. Pero no me importaría cantar como Jacques Brel, por el lado de los cantautores, o Robert Plant, por el lado rockero.
¿En qué repertorio te sientes más a gusto en la actualidad?
En mi grupo, Boleros Imperfectos, hacemos de todo: tango, rumba, vals, pasodoble, un poco de flamenco, algo de pop y rock, música medieval….incluso boleros. En resumen, cualquier estilo al que podamos añadir una letra que haga reír al público.
Cuéntanos, por favor, alguna experiencia o anécdota que te venga a la memoria que tenga que ver con tu voz o tu experiencia profesional.
Todos nuestros conciertos son una anécdota en sí mismos, llenos de imprevistos, los cuales integramos en el show sin problemas. Sí que puedo decir que lo mismo que hay gente que se nos acerca para decirnos qué canción le ha gustado más, también hay otra que nos indica cuál ha sido la que más le ha molestado. Y es que no dejamos títere con cabeza.
¿Qué opinas de la situación actual de los músicos y los cantantes?
Puedo darte mi opinión a nivel local, ya que Boleros Imperfectos nos movemos, por ahora, en Málaga y alrededores. Aquí hay muchos grupos y solistas de todos los estilos, lo que faltan son locales con buenas condiciones para tocar, sobre todo en el centro de la ciudad. A nivel nacional, la historia es la de siempre: lo que triunfa es lo comercial y para el resto queda poco, y ese poco está copado además por lo que se hace en Madrid o logra llegar a la capital.
¿Qué crees que debería cambiar?
Estaría muy bien una bajada del Iva para la cultura y que se dieran más permisos para locales que ofrezcan música en directo. En Málaga han cerrado algunos por no tenerlo, cuando estaban aportando mucho ala cultura de la ciudad, aunque parece que las cosas se están arreglando. Tampoco estaría mal mejorar el acceso a los medios públicos de difusión nacional, que pagamos entre todos.
¿Qué consejo o recomendaciones darías a los que empiezan ahora a estudiar canto?
Además de mejorar tu forma de cantar, recibir clases de canto es muy relajante, casi una alternativa al yoga. Aunque es difícil encontrar un profesor o profesora que se adapte a tus necesidades, una vez que lo encuentres no hay que dejarlo escapar.
¿Quieres añadir algo más sobre tu relación con la música?
Desde el punto de vista del humilde compositor de canciones humorísticas que soy, la música es un vehículo para contar las historias que se me ocurren, un modo de hacer reír y/o pensar.
Desde el punto de vista del oyente, la relación es más profunda y la música se convierte en una tabla de salvación ante los avatares del día a día.
¿Cuál es la primera experiencia que recuerda con la música?
Mi primera experiencia en un escenario de verdad, con público de verdad, fue en la sala Morocco en Madrid, rodeada de mis compañeros y amigos del Master de canto que estaba haciendo en ese momento, era la más pequeña del Master, solo tenía 15 años... pero también era la única que disfrutaba sin nervios y cargada de ganas por actuar!
¿En que momento decidiste que querías ser cantante?
La música desde pequeña era mi vía de escape, pero siempre lo tomaba como hobby, cuando cumplía el 2 año de Master de canto y empecé a componer con mi guitarra mis propias canciones era la época que tenía que elegir qué carrera estudiar en la universidad, y mi familia me dijo... Elige lo que más te guste pero lucha al 200% por ello para ser la mejor... Y con su apoyo... Elegí ser cantante.
¿Qué personalidad musical cree que influyó más en su carrera? ¿Cuáles son sus cantantes o músicos favoritos?
Sinceramente quien admiré, admiro y admiraré siempre es Malú, creo que su forma de expresar e interpretar las canciones me hizo saber que las canciones son historias que contar.
¿En qué repertorio se siente más a gusto?
Mi estilo es pop, pero me gustan las canciones lentas... Las baladas que rompen la voz, que te dejan interpretar la letra, que emocionan y te emocionan sintiéndote el personaje de la canción...
Cuéntenos, por favor, alguna experiencia o anécdota que le venga a la memoria que tenga que ver con su voz o su experiencia profesional.
Hay varias experiencias que llevo y llevare conmigo siempre... Pero me quedo con la "primera" que me sucedió... Actúe un domingo en el hospital de parapléjicos de Toledo, en el polideportivo, era un público complicado ya que todos estaban en sillas de ruedas o en camas, pero al final del concierto terminamos "bailando" movían las sillas y muchas enfermeras ayudaban a mover las camas, fue algo emocionante.
¿Qué consejo o recomendaciones daría a los que empiezan ahora a estudiar canto?
Que se tomen las clases con disciplina, porque es nuestro instrumento y que esto es una carrera de fondo constante, que tengan la mejor técnica vocal y que disfruten de cada paso, porque es precioso ver cómo se mejora y se avanza día tras día.
¿Qué opina de la situación actual de la música?
La música cada vez parece que tiene menos peso, hablando profesionalmente, pero sin embargo cada día se consume más música... Yo pienso que hay muchos en la industria que no son artistas, pero venden... y no critico al personaje, sino a la industria que sobrevalora a gente que no tiene voz o que no tiene técnica...
Yo siempre he hablado y luchado por el respeto a esta maravillosa profesión y hay que cuidarla.
La espiración sonorizada, en el contexto del clarinete y los instrumentos de viento, el canto y el habla, es el resultado que se produce al utilizar el aire espirado con la intención de producir sonido.
Para que se produzca un sonido, debe existir algún mecanismo que se oponga o “regule” la salida del aire. Este mismo mecanismo que se opone y/o regula la salida del aire producirá la vibración necesaria para, siendo amplificada, producir un sonido. En el caso del clarinete, el regulador es la caña+boquilla(+embocadura), en cada instrumento de viento su boquilla/embocadura particular y en el canto y el habla, las cuerdas vocales.
Sólo en el caso de la armónica, hasta donde yo sé, podríamos hablar también de una “inspiración sonorizada”.
¿Qué músculos intervienen en la respiración?
Si queremos hablar de la función de los músculos abdominales en la espiración “sonorizada”, os contaré primero de manera escueta cuál es la musculatura de la respiración:
Inspiración
Diafragma y músculos intercostales externos.
Su misión, dirigida por el sistema nervioso autónomo, es ampliar la cavidad torácica para crear una presión negativa y proceder al llenado de los pulmones con aire, del cual aprovecharemos su oxígeno. Ver Ley de Boyle.
El diafragma crea espacio hacia abajo principalmente y los músculos intercostales externos abren la caja hacia afuera (de manera excéntrica, es decir, hacia los dos lados, hacia adelante y hacia atrás) y hacia arriba simultáneamente.
Por supuesto hay más músculos involucrados en la inspiración, que se pondrán en acción cuando requiramos más aire que el necesario para una respiración “tranquila”.
Espiración
Ningún músculo.
Sí, sí, ¡ningún músculo! ¿Cómo?
Os cuento. Estoy hablando de la respiración “tranquila”, normal, sin requerimientos más allá del que tenemos en estos momentos, yo escribiendo en el ordenador o vosotros leyendo.
En la respiración cotidiana, “tranquila”, como yo la llamo, hay acción en la inspiración y relajación en la espiración. Por ello, ninguna musculatura se pone en acción para espirar.
Esto es muy importante, porque es la llave del título de este post.
Para clarificarlo, comparto una tabla extraída del libro de Hiltrud Lodes “Aprende a respirar” de RBA Libros, que aprovecho para recomendaros.
Lodes, Hiltrud: “Aprende a respirar” RBA Libros, 2008
Espiración “tranquila” versus espiración “sonorizada”
¿Qué pasa cuando ponemos alguna intención en la espiración?
¿Qué pasa cuando queremos hacer algo con ese aire “pasivo” y volverlo “activo”?
Entonces sí que tenemos que hablar de una musculatura espiratoria.
Siempre decimos que el diafragma es el músculo principal de la respiración. Y es cierto, pero también cubre muchas otras funciones anatómicas (posturales, por ejemplo) y fisiológicas (digestivas, por ejemplo).
Lo que debemos tener claro es que el diafragma se contrae en la inspiración y se relaja en la espiración “tranquila”, es decir, no puede participar “activamente” en la espiración, porque esa no es su funcionalidad. Ahí es donde entran a escena los músculos abdominales.
¿Qué queremos hacer con el aire para “sonorizarlo”?
¿Retenerlo? Sí, en parte. Pero principalmente REGULARLO. Que vaya saliendo poco a poco.
De regular la salida del aire o dosificarlo se encargan la embocadura (instrumentos) o las cuerdas vocales (voz). Es decir, el soplo.
Entonces, ¿QUÉ TIENE QUE VER LA MUSCULATURA ABDOMINAL CON TODO ESTO?
El aire, al ser retenido dentro de nuestro cuerpo, adquiere una presión mayor.
Esta presión interna debe de mantenerse constante para que el aire pueda dosificarse de manera regular, “sin empujones”.
Si has leído y entendido la Ley de Boyle, verás claramente cómo para mantener la presión interna constante, el espacio se va reduciendo.
Te propongo un par de links para clarificar un poquito más:
Cuando espiramos con intención de producir un sonido (incluso para toser o estornudar, gritar o llorar), el diafragma necesita una musculatura “auxiliar” que le ayude a “estar activo”, ya que su naturaleza, en la espiración, es la relajación.
Soporte, apoyo… ¿qué es eso?
Pues lo que acabamos de describir en el párrafo anterior.
Lo redacto de otro modo, para tener otro punto de vista:
“Es la acción de los músculos que ayudan al diafragma a imprimir acción en la espiración.”
El diafragma, en acción espiratoria, es pasivo. Para dar fuerza, acción e intención a la espiración “sonorizada”, así como presión constante al aire contenido en los pulmones, necesitamos unos músculos auxiliares, “de apoyo”, “de soporte”: los abdominales.
¿Cómo y cuánto han de activarse estos abdominales?
El movimiento de los músculos abdominales para “auxiliar” al diafragma, y por tanto al aire y al sonido, son concéntricos (hacia adentro) y hacia arriba. Ello se debe a que cada uno (transverso, oblícuos y recto anterior) tiene las fibras orientadas de manera distinta.
A su vez, esta musculatura es una parte esencial del “core” (es el núcleo, el centro de gravedad del cuerpo, limitado por arriba por el diafragma y por debajo por el suelo pélvico, y toda la musculatura relacionada). Pero esto da para otro post ;-))
Aquí podéis ver, en primer lugar, el diafragma en relación con la caja torácica. En segundo lugar, el diafragma en posición alta (espiración) y en posición baja (inspiración) en relación con la caja torácica, la columna vertebral y una sección de la musculatura abdominal.
Por lo tanto, el papel de los músculos abdominales en la espiración sonorizada es:
Estabilizar la presión interna, “supliendo” de algún modo al diafragma, para una buena dosificación del aire,
mantener una postura adecuada que favorezca los movimientos respiratorios naturales y
mantener el centro de gravedad estable mientras estamos haciendo un esfuerzo (soplar, que a priori nos desequilibraría hacia delante y hacia abajo) para poder asegurar un buen movimiento de las extremidades.
¿Debemos hacer o provocar los movimientos abdominales para tocar?
Puedo darte muchas respuestas, todas válidas. Obsérvate y aplícate la que te corresponda.
No. La activación abdominal es natural a la espiración con intención. Sólo hace falta que te fijes en cuando toses, estornudas o lloras… ¿no se produce por sí misma esta activación?
Depende. ¿Tienes una buena conciencia de esta zona? ¿Tienes la suerte de gozar de una postura equilibrada, fuerte y flexible al mismo tiempo?
Sí. La mayoría de nosotros no tenemos especialmente tonificados los abdominales. Las condiciones de vida actuales no favorecen que esta musculatura mantenga una de sus funciones principales, que es la de colaborar en una postura y respiración adecuadas y un movimiento equilibrado.
¡Sigue soplando!
Sea lo que sea lo que hayas respondido, conciénciate de esta zona, observa sus movimientos naturales en la respiración tranquila, aprende de su relación con la respiración por ti mism@ o acude a clases de Yoga, Taichi, Técnica Alexander (para “dejar hacer” y recuperar la libertad de movimiento) o acude a clases de Hipopresivos o Pilates (para fortalecer y devolver funcionalidad).
Pero no olvides que para nosotros, los instrumentistas de viento, la finalidad de utilizar bien este grupo de músculos es el soplo y el sonido.
Por mucho que trabajes la respiración, el soporte y el soplo fuera de tu instrumento, no dejes de hacerlo escuchándote y regulando tu acción “consciente” a las necesidades reales de tu sonoridad.
¡Sigue soplando y..
…escúchate! (por dentro y por fuera)
Muéstrate abierto a las sensaciones de una buena respiración, de una buena producción del sonido, de un buen funcionamiento del cuerpo.
Recuerda qué sensaciones internas te aporta respirar con libertad, pero con tu musculatura tonificada.
Escúchate y recuerda qué sonido quieres producir y date cuenta de la importancia de la calidad de la respiración (inspiración y espiración) para la obtención de un sonido bonito, bien emitido, flexible, afinado, controlado… y libre.
Si hay un género de la música popular en el que un violinista -mejor vamos a llamarle fiddler– tiene un prestigio ganado con justicia ese es el de la música bluegrass.
No vamos a hablar ahora de las raíces y características de este género (lo abordaremos en otro artículo); bastará con decir que proviene de la evolución desde los años 30 del hillbilly, un tipo de música de las montañas surgido a partir de los folklores que inmigrantes de diversos lugares de las islas Británicas aportaron a Estados Unidos, más la influencia de otros estilos de raíz africana como el blues o incluso, más actualmente, el jazz o el rock progresivo.
La Bluegrass region, zona del norte de Kentucky, aportó el nombre, que fue popularizado definitivamente a partir de mediados de la década de los ’40 por Bill Monroe (el padre del bluegrass) y sus “Bluegrass Boys“.
Un grupo de bluegrass debe destacar por el virtuosismo de sus componentes. Esencialmente, banjo, violín y mandolina (más otros posibles instrumentos como armónica, steel guitar o dobro, si los hubiera) suelen reservarse en muchos temas una buena ración de solos en los que explayarse. Particularmente fascinante es la labor del “fiddler”, cuya técnica puede alcanzar cotas sorprendentes en el ámbito de una música popular. Un perfecto sentido del ritmo, del “shuffle“, que llaman a su peculiar cadencia, dominio absoluto de las dobles cuerdas, velocidades endiabladas en los solos, hacen de este género un entorno especialmente propicio para violinistas apasionados y feroces.
Y hay una canción que ha llegado a representar todo el género, a la que se ha llegado a definir como “el himno nacional del violinista folk” (Fiddle player’s national anthem), un tema que fue la vara de medir por la que se juzgaba si un fiddler era bueno o no, un tema que da igual cuantas veces se toque, si lo haces bien siempre parece que hay fuegos artificiales y haces que la gente se vuelva loca.
Claro, ya habéis adivinado por el título del artículo: se trata de “Orange Blossom Special“.
Historia de una canción mítica.
El Orange Blossom Special era un tren de pasajeros de lujo que, desde 1925 y durante los meses de invierno, hacía el recorrido entre Nueva York y Miami. Muy grande y rápido, en su época era considerado por algunos “el más grandioso tren del mundo”. De aspecto imponente, en sus cabinas se ofrecían comidas dignas de los mejores restaurantes, y permitía hacer el viaje en unas increíbles, por aquel entonces, 35 horas.
Ervin Rouse junto a Chubby Wise
En 1938, dos jóvenes amigos violinistas Robert “Chubby” Wise y Ervin Rouse, se encuentran en la estación de tren de Jacksonville, sin un dólar en el bolsillo, esperando la llegada del famoso monstruo del que tanto han oído hablar. Hay que entender que por aquel entonces un tren de esas características no era nada común, casi como contemplar el lanzamiento de un cohete espacial.
Uno de los amigos, Chubby, alegre y regordete, había empezado a tocar el violín a la edad de 15 años de la mano de su padre, también violinista, a quien hasta entonces había acompañado con el banjo y la guitarra. Dedicado a conducir un taxi por las mañanas y a tocar por las noches, su facilidad y talento lo llevaron pronto a destacar entre la escena de la música folk.
Ervin, por su parte, es un virtuoso músico formado a sí mismo pero con un talento natural descomunal que llevaba demostrando de forma profesional desde unos prodigiosos 8 años.
Después de contemplar fascinados la llegada del impresionante ingenio, Chubby y Ervin se enfrascan durante la noche en una jam en el apartamento del primero, en la que se mezclan la euforia, la borrachera y la emoción por lo que han visto. De esa jam session surgiría Orange Blossom Special, un tema lleno de efectos imitando a un tren en marcha: la maquinaria, bocinas, campanas y un shuffle muy loco.
Pero en realidad nadie sabe con certeza qué sucedió aquella noche, probablemente ni siquiera los protagonistas, confundidos con el alcohol, el paso del tiempo y sus propios deseos, recuerdan con fidelidad quién creó qué, quién descubrió ese lick o aquel efecto, quién tocó por primera vez esa sirena del tren tan característica…Chubby Wise afirmaría que la canción surgió entera en 20 minutos y él habría aportado la música. Lo único absolutamente cierto es que quien registró el tema y se quedó con los derechos fue Ervin Rouse.
Así que la primera versión de la historia es la que cuenta cómo Chubby, con su carácter expansivo y la generosidad que a menudo proporciona el alcohol, le cedió a su amigo el privilegio de registrar el tema y quedarse con los derechos que proporcionase. “Ese fue mi primero error”, dijo en 1982, “un error de 100.000$”.
“Yo sólo ayudé a escribir la melodía, no la letra. Le di a Ervin la mitad de la canción. Pero eso no me hizo daño a mi ego. Gané un montón de dinero, no directamente, pero sí de forma indirecta, con el Orange Blossom Special. Me proporcionó un montón de encargos, y, en ese sentido, un montón de dólares.”
Chubby Wise, a la Associated Press
Esta es la primera versión existente de Orange Blossom special, interpretada por Ervin junto a su hermano. En aquel entonces aun era una versión cantada.
Los hermanos Rouse
Parecería que Ervin tenía todas las de ganar: una canción que se convertiría en la más interpretada de la historia en la música folk (y nombrada una de las 10 canciones del siglo por la Asociación Americana de Compositores), además de talento, encanto, despreocupación, la admiración del público.
Chubby Wise
Sin embargo fue el rechoncho y alegre Chubby, aun agobiado por fantasmas infantiles de abandono y abusos pero siempre sonriente, el que acabó triunfando; primero con su propia banda, luego con los míticos Bluegrass Boys de Bill Monroe, más tarde en otras diversas agrupaciones.
En la cruz de la moneda, Ervin, que comenzó tocando en los más importantes escenarios, solo o con su hermano, acabó enfermo, física y psicológicamente (se le diagnosticó esquizofrenia), totalmente perdido, tocando en mugrientas tabernas en lo más profundo de los Everglades.
“Mi nombre es Rouse, Madre. Solía cantar un poco y tocar el Orange Blossom Special. La canción pertenece a todo el mundo ahora, supongo, pero solía ser mi mejor canción.”
Ervin T. Rouse a la Madre Maybelle Carter
Ervin T. Rouse
Y así comenzó un lío que ha dividido a la comunidad de la americana music desde que comenzó. Grandes estrellas como Johnny Cash, que fue quien popularizó el tema de forma masiva en una versión con armónica y saxofón, defendió siempre la autoría de Ervin (ganándose cierta enemistad de Wise desde entonces).
Y es que esa es la otra versión de la historia: según Randy Noles, biógrafo de Ervin Rouse, éste ya habría compuesto el tema años antes bajo el nombre de “South Florida Blues”, y lo registró como “Orange Blossom Special” unos pocos meses antes de la famosa noche loca en el apartamento de Wise. Éste simplemente anhelaba apropiarse de un poco del prestigio de la canción, y de tanto repetir la historia de su colaboración, terminó creyéndoselo él mismo.
Supongo que nunca sabremos con certeza cómo sucedieron exactamente las cosas, sólo queda seguir sonriendo cada vez que escuchamos ese comienzo con la bocina del tren.
Os dejo con algunas versiones que he creído interesantes. Realmente hay tantas que te puedes tirar horas escuchando en spotify o youtube.
La versión de Johnny Cash que hizo de Orange Blossom un éxito masivo:
No conozco violinista más apropiado para este tema actualmente que el entrañable y volcánico Michael Cleveland:
Otro video interesante, este tributo al gran Vassar Clements, en el que reunió a un montón de grandes fiddlers del momento para homenajear al “Himno Nacional del Fiddle”. Intervienen nada menos que: Alison Krauss, Sara Watkins, James Price, Hunter Berry, Rhonda Vincen, Jim VanCleve, Andy Leftwich, y Stuart Duncan.
Enfin, si ponéis el título de la canción en Spotify os saldrán un número increíble de versiones. Aquí os dejo unas cuantas, con una pieza a destacar: la que ejecutan con toques swing nuestros compatriotas de la Barcelona Bluegrass Band:
Hot Licks For Bluegrass Fiddle
Edited by Stacy Phillips. For Fiddle. Music Sales America. Bluegrass and Instructional. Instructional book and examples CD. Standard notation, chord names, instructional text, violin notation guide, introductory text and black & white photos. 128 pages. Music Sales #OK64378. Published by Music Sales (HL.14015429).
En Estados Unidos esta canción es tan importante que se han escrito libros y se han rodado documentales sólo dedicados a ella:
Orange Blossom Boys
(The Untold Story of Ervin T. Rouse, Chubby Wise and the World’s Most Famous Fiddle Tune). By Orange Blossom Boys. Book. Softcover with CD. Published by Centerstream Publications (HL.282).
Fiddler’s Curse – Revised and Updated
(The Untold Story of Ervin T. Rouse, Chubby Wise, Johnny Cash and the Orange Blossom Special). Fiddle. Softcover. Published by Centerstream Publications (HL.1081).
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