Fecha fin de plazo para enviar la solicitud: 2 de Mayo de 2016.
Contrato de tres años.
Fecha de las audiciones: 9 y 10 de Junio de 2016.
Toda la información en su web, pinchando aquí.
Archivo de la etiqueta: músicos
El mundo laboral del artista está poco regulado en nuestro país. Los artistas que trabajamos como asalariados estamos protegidos por los convenios colectivos, ya que la única normativa estatal que regula nuestra actividad es un Real Decreto de doce artículos. Con este post vamos a acercarnos un poco más a esta normativa para conocer algunos de sus detalles y dar una visión de los derechos que tenemos como trabajadores.
Para conocer más detalles sobre el tema, recomendamos el trabajo La regulación laboral de la actividad de los músicos de Julia Ammerman Yebra.
Lo que dice el Real Decreto
¿A quién afecta esta normativa?: A todos aquellos trabajadores (a excepción de técnicos y auxiliares) que tomen parte en actividades artísticas, desarrolladas directamente ante el público o destinadas a la grabación de cualquier tipo para su difusión entre el mismo.
Sobre menores o extranjeros: Los menores pueden trabajar en espectáculos siempre y cuando no les perjudique física o psicológicamente y sus tutores legales den su consentimiento. También el propio menor tiene que aceptar el contrato. Sobre personal extranjero, se aplican las mismas normas que para cualquier trabajador.
El contrato de trabajo: En el contrato tiene que aparecer la entidad que contrata, el trabajador, la retribución, la duración del contrato y del período de prueba.
Los contrato pueden ser:
- Fijos
- Temporales: Podrá ser para una o varias actuaciones, por un tiempo cierto, por una temporada o por el tiempo que una obra permanezca en cartel. Podrán acordarse prórrogas.
Derechos y deberes:
- Los artistas deben cumplir con la actividad para la que se les contrató.
- Los artistas contratados no pueden ser excluidos de ninguna actividad o ensayo.
- Si en el contrato consta un pacto de plena dedicación, el artista no puede bajo ningún concepto romperlo. Si lo hace, el empresario tendría derecho a una indemnización.
Retribución: La retribución depende del convenio colectivo, es decir, aunque siempre tiene que respetar el salario mínimo. El pago de horas extra también queda en manos de los convenios colectivos.
Jornada: La jornada comprende las horas de ensayo y de actuación o grabación. No está permitido obligar a los artistas a realizar ensayos gratuitos. La duración de la jornada tiene que respetar el límite de 1800 horas anuales que establece el Estatuto de los Trabajadores. Sin embargo, la duración diaria y la distribución de las horas se establece también en los convenios colectivos. También se regulan los desplazamientos y giras mediante estos convenios.
Descansos y vacaciones: El descanso mínimo semanal es de un día y medio, que no puede coincidir con ninguna actuación. Se puede fraccionar, pero al menos debe hacerse un descanso seguido de 24h. Las fiestas que no se puedan disfrutar porque haya una actuación se pasan a otro día laborable. El artista tiene derecho a 30 días naturales de vacaciones al año. Si no puede disfrutarlos, se le retribuyen en la nómina.
Extinción del contrato: La extinción del contrato tiene que avisarse siempre con antelación. Cuando la duración del contrato sea más de un año, el artista tendrá derecho a una indemnización que se regula por convenio colectivo. Si no, será de siete días por año trabajado.
Los convenios colectivos
Un convenio colectivo es un acuerdo entre sindicatos y patronos de una empresa para establecer salarios, calendario de trabajo y otras condiciones laborales.
El problema con el que nos encontramos los músicos clásicos es que actualmente no existe un convenio específico para nosotros, por lo que nuestras condiciones laborales quedan englobadas en el Convenio para Empresarios de Salas de Fiesta y Músicos. Dentro de este convenio, los músicos quedarían cubiertos por una serie de apartados que no aportan mucha más regularización que el Real Decreto que ya hemos explicado.
Para suplir esta falta de normativa estatal, la mayoría de las orquestas han elaborando su propio convenio colectivo.
Consecuencias de la falta de normativa más exhaustiva
La regularización tan escasa del trabajo de los artistas provoca la proliferación de contratos temporales y la inestabilidad de los artistas en el mundo laboral. A pesar de que los convenios colectivos de las orquestas sinfónicas dan algo de seguridad, hay ámbitos y trabajadores que no quedan cubiertos, como todos aquellos que cubren bajas, realizan conciertos puntuales o se dedican a la música actual. En definitiva, la falta de normativa perjudica a los que no tienen contrato fijo y se dedican a bolos.
En lo que se refiere a las retribuciones y a las condiciones de inestabilidad, las conclusiones del estudio de Ammerman Yebra son bastante concisas:
“La negociación colectiva debería coordinarse para contrarrestar de alguna manera la especial disponibilidad de los artistas, así como su movilidad, la precariedad de su empleo, etc. Los Convenios colectivos deberían garantizar que las remuneraciones pactadas retribuyesen esa especial disponibilidad, así como su cualificación profesional, considerando implícitamente que el riesgo de inactividad procedente de la corta duración del contrato deba ser compensado a través de la remuneración.[…]
Seguramente una regulación más sólida de las condiciones laborales de los músicos evitaría el hecho de que muchos de ellos, al no percibir suficientes ingresos por su actividad artística, necesiten, para subsistir, emplearse en actividades o profesiones complementarias, pues aunque no constituyan para ellos su actividad principal, en términos financieros sí resultan serlo. “
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Introduce tu dirección de email:Hoy os traemos unas fichas informativas que pretenden resumir las lesiones más comunes que sufren los músicos. Como siempre decimos, nuestra intención es divulgar estos problemas para concienciar a los músicos de su existencia y prevención. Si crees que sufres alguna de ellas, acude a tu médico y no busques las soluciones en la red. Puedes encontrar esta información ampliada, y con más imágenes en nuestro ebook oficial.
Tendinitis
¿Qué es?
Los tendones son estructuras elásticas que unen músculos y huesos y se encuentran en las articulaciones. Cuando se produce una tendinitis, los tendones afectados se inflaman, produciendo un dolor punzante que suele aparecer cuando la zona se enfría.
¿Cuáles son las causas?
En el caso de los instrumentistas, la principal causa es la realización de movimientos repetitivos o la sobrecarga de la zona. Lo más usual entre músicos es que las tendinitis surjan en los dedos, muñeca, codo u hombro.
¿Cómo prevenir?
Realiza calentamientos y estiramientos. Respeta los tiempos de descanso. Para de tocar cuando sientas dolor.
Síndrome del túnel carpiano
¿Qué es?
El túnel carpiano es la zona por la que el nervio mediano pasa por la muñeca hacia los dedos. Si esta zona se inflama, es posible que provoque presión y atrapamiento del nervio, con el consiguiente dolor.
¿Cuáles son las causas?
En el caso de los músicos, el túnel carpiano se ve afectado por los movimientos repetitivos que se realizan con la muñeca al tocar o por mantener posturas de tensión por largos períodos de tiempo.
¿Cómo prevenir?
Realiza calentamientos y estiramientos. Respeta los tiempos de descanso. Vigila tu postura y no te tenses.
Ganglión
¿Qué es?
El ganglión es una protuberancia (generalmente en el dorso de la muñeca). Esta protuberancia se debe a que el líquido sinovial de la cápsula articular se ha salido.
¿Cuáles son las causas?
El ganglión se produce por realizar movimientos repetitivos de flexión/extensión o inclinación radial/cubital – como cuando saludamos- de la muñeca.
¿Cómo prevenir?
Realiza calentamientos y estiramientos. Respeta los tiempos de descanso. Es importante mantener los músculos flexores y extensores fuertes y flexibles.
Síndrome de atrapamiento del nervio cubital
¿Qué es?
Se trata de una neuropatía del nervio cubital, que es el nervio que va del cuello a la mano pasando por la cara interna del codo. El atrapamiento de este nervio por cualquier causa provoca un dolor “eléctrico” y cierto hormigueo en los dedos meñique y anular.
¿Cuáles son las causas?
Permanecer muchas horas con el brazo en una posición fija también puede provocar el pinzamiento. Si mantenemos el codo o la muñeca apoyados en alguna superficie dura, también nos puede provocar la compresión del nervio. También la inflamación de los músculos de la zona.
¿Cómo prevenir?
Realiza calentamientos y estiramientos. Respeta los tiempos de descanso. Evita sobrecargas y vigila tu postura.
Trastornos temporomandibulares
¿Qué es?
Son los problemas que afectan a las articulaciones y los músculos de la mandíbula. Cuando hablamos de estos trastornos, podemos referirnos a varias zonas: Cartílago, músculos de la mandíbula, cara y cuello, nervios o huesos.
¿Cuáles son las causas?
En los instrumentistas de viento, estos trastornos están relacionados con la embocadura; en los violinistas y violistas, con la sujeción del instrumento; en los cantantes, con las posiciones forzadas de la boca. La causa general de la aparición de estos trastornos en los músicos suele ser el sobreesfuerzo y la tensión.
¿Cómo prevenir?
Realiza calentamientos y estiramientos. Respeta los tiempos de descanso. Practica relajación.
Trastornos auditivos
¿Qué es?
Todos los problemas relacionados con la pérdida de audición, acúfenos (pitidos), vértigos, distorsión o intolerancia sonora.
¿Cuáles son las causas?
La exposición continua a decibelios por encima de lo corriente. Los músicos estamos expuestos a sonidos entre los 80 y los 110 dB, y el umbral de dolor se encuentra en los 120dB. El nivel máximo recomendado en el entorno laboral es de 85dB.
¿Cómo prevenir?
Usar las protecciones adecuadas: tapones y pantallas.
Síndrome de Satchmo
¿Qué es?
Es una patología que consiste en la elongación o rotura del músculo orbicular de la boca. En ocasiones, se producen microroturas del músculo que pueden pasar desapercibidas. Es la consecuencia de un labio cansado en extremo.
¿Cuáles son las causas?
Este síndrome es propio de los instrumentistas de viento metal y está directamente relacionado con el uso de la boquilla. Las causa es el agotamiento de este músculo, que comienza a sufrir microroturas.
¿Cómo prevenir?
Realiza calentamientos y estiramientos. Respeta los tiempos de descanso. Evita sobrecargas y no sigas tocando si sientes dolor.
Distonía focal
¿Qué es?
La distonía focal es una enfermedad neurológica. Esta enfermedad provoca contracciones y movimientos involuntarios de un grupo de músculos concreto.
¿Cuáles son las causas?
Las causas de la distonía focal no se conocen al 100%, pero se piensan que son ambientales y laborales, ya que la distonía focal suele aparecer en personas que realizan movimientos de alta precisión.
¿Cómo prevenir?
Realiza calentamientos y estiramientos. Respeta los tiempos de descanso. Evita los movimientos repetitivos y varía tus rutinas de estudio.
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Introduce tu dirección de email:Muchos piensan que la música clásica necesita un buen jarrón de realidad, ver que pierde público y abrirse a nuevas audiencias. Para ello, los nuevos medios y los cambios en los formatos de concierto son claves. Un gran defensor de ello es el joven violinista Ray Chen, que está consiguiendo atraer un nuevo público a la música clásica a través de las redes sociales.
El New York Times le dedicó un artículo en Octubre del año pasado que explica su modo de pensar, de actuar y las razones de su éxito en las redes. Hoy lo traducimos para vosotros.
Publicación: The New York Times
Autor: Xavier Flory
Fecha: 28 de Octubre de 2015
Título original: Giving Classical Music a New-Media Twist
Uno de los cortos más populares del violinista Ray Chen comienza con un vídeo de 1939 de Jascha Heifetz tocando un pasaje infernal de staccato arco abajo. Después la escena se corta y pasa a una del Sr. Chen tocando el mismo pasaje sentado, con arco sujeto entre las rodillas y el violín en paralelo cogido con ambas manos. El vídeo completo, subido en marzo de 2014, justo después de que Chen cumpliera 25 años, tiene una duración de siete segundos.
Imitar a uno de los más grandes violinistas del siglo pasado, aunque sea virtualmente a través de un vídeo, es un acto de bravuconería que sería ridiculizado como espectáculo barato por parte de un talento menor. Sin embargo, el Sr. Chen, músico mundialmente reconocido y premiado, está utilizando los nuevos medios no sólo para atraer a fans, sino también para construir una audiencia más joven para la música clásica.
Lewis Kaplan, profesor de violín en la Escuela Juilliard y un juez en la Queen Elisabeth Competition para músicos jóvenes, dijo que en el momento en que Chen entró en el escenario en 2009, era un claro ganador: “Era un chico musculoso y guapo. En su interpretación del concierto para violín de Tchaikovsky en la fase final, el Sr. Chen hizo un gesto en los pasajes complicados como si tocara sin esfuerzo, sonrió con complicidad al director y, a con 20 años, se llevó el primer premio.”
Desde entonces, el Sr. Chen, que también ganó el Concurso Yehudi Menuhin en 2008, se ha dado a conocer al público de todo el mundo, muchos de ellos sentados delante de sus PCs. Inspirado por la brevedad de los vídeos en Vine, Chen comenzó a crear otros cómicos cortos que se convirtieron en éxitos en Instagram y Facebook.
En uno, en el que grita “Ah, listo para practicar!”, se queda dormido en el momento en que coge la partitura y pone resina a su arco. En otro, su novia se queja de que quiere a su violín más que a ella. “Bueno, al menos hace lo que yo quiero que haga”, responde el Sr. Chen.
Los vídeos no sólo atraen a los “empollones” de la música – a pesar de que al colectivo le encanta – sino también a los internautas casuales. Chen cuenta la historia de una mujer suiza sin ninguna conexión previa con la música clásica, que se encontró con los vídeos y “tuvo que venir a Basilea” para oírlo tocar. Desde entonces, la mujer ha empezado a ir a conciertos de música clásica locales. Otros migran desde su canal de YouTube para escuchar más música clásica, incluso aunque nunca lleguen a ir a un concierto en vivo.
La venta de música clásica – donde las sinfonías de más de 40 minutos y los conciertos tienden a ser la norma – a través de siete segundos de vídeo puede parecer engañoso, o incluso en contra del espíritu de la música clásica, lo que requiere tiempo y concentración, pero Chen piensa que “la música clásica siempre se puede hacer con un poco de más humor “.
En prácticamente todos los conciertos, según nos explica, las personas que lo conocen a través de sus vídeos cómicos se acercan a él: “Mi primer pensamiento es, ¿Se habrán aburrido? ¿Habré estado a la altura de sus expectativas?” Chen les pregunta por la experiencia, y normalmente le responden que no tenían ninguna expectativa en absoluto. Muchos estaban nerviosos por el código de vestimenta . Otros aplaudieron entre movimientos – una violación del protocolo – y fueron reprendidos por sus vecinos de butaca.
Chen está ansioso por tranquilizarlos en medio de lo que él llama la “estrechez” de los conciertos de música clásica. Brahms no era popular en Brisbane, Australia, donde se crió, dijo, por lo que “Realmente quiero entender lo que hace que las personas caigan en el amor con esta maravillosa música.”
Por un lado, le preocupa que los conciertos son demasiado largos: “No todo el mundo quiere una comida de 10 platos, pero por el momento así son todas las ofertas de música clásica.” Y continúa la metáfora de alimentos para hablar acerca de la programación. “Si estuvieras introduciendo a alguien en la comida japonesa, no le dirías que probara el erizo de mar o el pulpo crudo. Primero te lo llevas a un terreno que le resulte familiar.” Él piensa que los directores artísticos deben guiar a los oyentes noveles para que no lleguen a su primer concierto con la esperanza de oír el melodismo de Tchaikovsky y acaben oyendo al “sumamente atonal” Ligeti.
Chen también es accesible en el escenario, transmite las emociones de Tchaikovsky tanto a través de sus expresiones faciales y del cuerpo, balanceándose a través de su sonido.
A pesar de que insiste en que crear un personaje en el escenario es natural, Aaron Rosand, que enseñó a Chen durante cinco años en el Curtis Institute of Music de Filadelfia, lo ve de otro modo. “Los movimientos demostrativos de los músicos actuales son en gran medida un amaneramiento. Heifetz tocaba clavado en el suelo”, dijo. “Algo se pierde cuando se está tratando de montar un espectáculo; el corazón y el alma no están en la música. Odio las expresiones faciales: si estás en agonía, dilo a través de la música “.
[…]
Chen insiste en que no hay nada malo en un músico que se revela en el aspecto interpretación de la música, utiliza los medios sociales para atraer a nuevos públicos o realiza conciertos personales para Giorgio Armani, a cambio de trajes hechos a la medida, siempre y cuando este músico permanezca comprometido con la música. Y hay otros músicos, señala, cuyas imágenes están parcialmente fabricadas: “El equipo de marketing todavía está trabajando.”
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Llevo tiempo observando que los procesos del aprendizaje del canto y de la música difieren considerablemente entre la música llamada clásica y la moderna o actual. En parte creo que es debido a que la musica clasica esta muy institucionalizada, reglada de una manera tradicional y la musica moderna en cierta medida se encuentra "desamparada", al margen del sistema educativo oficial, grosso modo.
Esto no quiere decir que unos procesos sean mejores que otros, de hecho hay muchos aspectos e ideas que deberían transvasarse de una a otra. En la música moderna hay mucho proceso creativo, más autonomía y mas motivación intrínseca por descubrir distintas opciones y posibilidades, el músico busca la auto expresión a través de sus propias canciones y se muestra más abierto a colaborar y aprender de otros músicos, necesitando nutrirse de diferentes tendencias... En definitiva, van aprendiendo según van necesitando mayores recursos, es un aprendizaje a través del descubrimiento.
Por el contrario, la falta de guía en muchos músicos modernos y de pautas establecidas en los procesos de aprendizaje les lleva a pensar que determinadas dificultades, que se presentan normalmente en todo músico, no son superables. Conozco casos de alumnos que al descubrir las posibilidades de su voz han desarrollado todo su potencial creativo.
En el mundo de la clásica existen creencias y actitudes tan rígidas que inhiben el desarrollo musical normal. El alumno siente que tiene que hacerlo todo perfecto y en base a unas normas pre-establecidas de las cuales no puede salirse y este hecho impide la apertura mental necesaria para un aprendizaje sano, impide a veces unas relaciones con otros compañeros de colaboración y crecimiento mutuos y un rechazo hacia otras músicas.
No es ni lo uno ni lo otro. En todos los aspectos de la vida encontramos que el equilibrio es virtuoso. Revisemos aquellos aspectos que ayuden a todos los músicos a ser más felices, más auténticos, menos competitivos y más expresivos .