El siglo XX, desde 1945

Publicado el por
La segunda mitad del siglo XX vive un periodo de recuperación tras la Segunda Guerra Mundial. Junto con esta recuperación surge el miedo a una confrontación entre las dos grandes potencias mundiales en ese momento: EEUU (Estados Unidos) y la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas) que lideraban movimientos sociales y económicos antagónicos. Por un lado el capitalismo americano, y por otro, el comunismo ruso.
Vivimos la guerra del Vietnam, que supuso en EEUU un levantamiento por parte de numerosos jóvenes con lemas como “Haz el amor y no la guerra”, y “Mayo del 68”, levantamiento de los jóvenes franceses para protestar por la situación en la que se veía su país. 

Presenciamos grandes avances tecnológicos: el automóvil. la televisión, el avión, el ordenador, internet... que tienen una aplicación directa en nuestras formas de vida.
En 1948 se proclama la Declaración Universal de los Derechos Humanos, donde por primera vez se declaran los derechos básicos para todas personas, como el derecho a la vivienda, a la educación, a la salud y a la libertad de pensamiento.
La música evoluciona de la mano del progreso tecnológico y de los avances científicos, introduciendo el ordenador como herramienta de composición, o las matemáticas como base para componer una obra musical.

El serialismo integral
El serialismo integral en música representa un paso más adelante de los supuestos creados con el dodecafonismo. Fue creada por el que fue discípulo de Schöenberg, Anton Webern, que estableció un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino también para la sucesión de las diferentes duraciones y la sucesión de las dinámicas. Todas estas series se repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Entre los compositores que utilizaron este sistema destacan Karlheinz Stockhausen, Olivier Messiaen, y su alumno Pierre Boulez, quienes se sintieron muy atraídos por el rigor en la composición de esta técnica de composición.

Música estocástica
Enfrentado al serialismo integral nace una forma de composición basada en el comportamiento estadístico de grandes masas sonoras dispuestas por bloques. Esta es la música de György Ligeti en obras como Atmósferas o Requiem. Conectada con esta forma de composición encontramos la música “Estocástica” desarrollada por el compositor Griego Xenakis, que concibe a la música como una disciplina matemática a la que se puede aplicar leyes de estadística y de cálculo de probabilidades para su composición. Podemos destacar la obra “Metástasis”. 

Música aleatoria
En un camino totalmente opuesto nos encontramos con el músico y compositor John Cage, quien desarrolla sistemas de composición basados en el azar, y en la experimentación. Una de sus obras “4.33”, reflexiona acerca del silencio, y de lo que entendemos como música. En esta obra el intérprete o intérpretes no tocan ni una sola nota durante los cuatro minutos treinta y tres segundos que dura la pieza, entendiendo que la música de esa obra dependerá de la reacción del público ante éste hecho, y por lo tanto ellos mismos serán los responsables de cómo suene esa pieza. Otro de los inventos de Cage fue la creación del “piano preparado”, instrumento que consistía en introducir entre las cuerdas de un piano objetos de diferente naturaleza, como cucharas, tornillos, alambres, papel de lija, etc. Ello confería al piano una nueva sonoridad con la que podía crear nuevas sonoridades utilizando un instrumento convencional como era el piano. http://www.youtube.com/watch?v=VYsx5Di3bso

Música electrónica y música concreta
Dentro de la búsqueda de nuevos sonidos surgen a mediados del siglo XX dos nuevas corrientes compositivas en torno a los estudios de Radio de Colonia, en Alemania, y de Radio Francia, en París. Estas corrientes tenían como elemento unificador que la música que componían quedaba grabada en una cinta magnetofónica del momento (después en Cd ́s, DAT o posteriormente en un disco duro de un ordenador), sin la necesidad de que hubiera un intérprete realizando la obra musical ya que toda ella estaba grabada. La música electrónica estaba basada en la creación de sonidos a través de aparatos electrónicos como los sintetizadores o los ordenadores. Estos sonidos eran ordenados y grabados, para después poder reproducirlos en concierto. Su propulsor fue Stockhausen en Radio Colonia.Destacamos sus obra “El canto de los adolescentes”. http://www.youtube.com/watch?v=3XfeWp2y1Lk
La música acusmática estaba basada en la grabación de material sonoro de la vida diaria (ruidos de coches, de pájaros, puertas, etc) con el que poder generar después una obra musical. En su día las grabaciones se realizaban en una cinta magnetofónica que después de manipulaba (se cortaba, se daba la vuelta) para obtener la composición musical.
Sus propulsores son Pierre Henry y Pierre Schaeffer. Destacamos la obra “L'escalier Des Aveugles” de Luc Ferrari 

Música electroacústica
Es una variante de la música electrónica y la música concreta que requiere de un instrumentista que interpreta una partitura a la vez que suenan sonidos grabados en una cinta.Por lo tanto, contiene una parte electrónica (la que permanece grabada) y una parte acústica (la que interpreta el músico o músicos en directo).
Una tercera variante recibe el nombre de “electrónica en vivo”, que consiste en que un micrófono recoge los sonidos de los músicos que tocan en directo y envían la señal a un ordenador que modifica en ese mismo instante el sonido que recibe para volverlo a emitir transformado.
Esta operación se lleva a cabo a través de software específicos desarrollados por Centros de Investigación musical, como es el caso del IRCAM en París, que ideó y desarrolló el programa MAX/MSP que permite la recepción y transformación del sonido que llega al ordenador. Destacamos la obra “Metallics” de Yan Maresz. http://www.youtube.com/watch?v=MVxy6rk51y4

La música minimalista
Philip Glass y Steve Reich son los máximos exponentes de esta corriente a medias entre la música pop y la música clásica. Utiliza elementos rítmicos muy breves que se van repitiendo y modificando muy lentamente en el tiempo. Una de sus máximas en la simplificación.

El siglo XX, desde 1945

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La segunda mitad del siglo XX vive un periodo de recuperación tras la Segunda Guerra Mundial. Junto con esta recuperación surge el miedo a una confrontación entre las dos grandes potencias mundiales en ese momento: EEUU (Estados Unidos) y la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas) que lideraban movimientos sociales y económicos antagónicos. Por un lado el capitalismo americano, y por otro, el comunismo ruso.
Vivimos la guerra del Vietnam, que supuso en EEUU un levantamiento por parte de numerosos jóvenes con lemas como “Haz el amor y no la guerra”, y “Mayo del 68”, levantamiento de los jóvenes franceses para protestar por la situación en la que se veía su país. 

Presenciamos grandes avances tecnológicos: el automóvil. la televisión, el avión, el ordenador, internet... que tienen una aplicación directa en nuestras formas de vida.
En 1948 se proclama la Declaración Universal de los Derechos Humanos, donde por primera vez se declaran los derechos básicos para todas personas, como el derecho a la vivienda, a la educación, a la salud y a la libertad de pensamiento.
La música evoluciona de la mano del progreso tecnológico y de los avances científicos, introduciendo el ordenador como herramienta de composición, o las matemáticas como base para componer una obra musical.

El serialismo integral
El serialismo integral en música representa un paso más adelante de los supuestos creados con el dodecafonismo. Fue creada por el que fue discípulo de Schöenberg, Anton Webern, que estableció un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino también para la sucesión de las diferentes duraciones y la sucesión de las dinámicas. Todas estas series se repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Entre los compositores que utilizaron este sistema destacan Karlheinz Stockhausen, Olivier Messiaen, y su alumno Pierre Boulez, quienes se sintieron muy atraídos por el rigor en la composición de esta técnica de composición.

Música estocástica
Enfrentado al serialismo integral nace una forma de composición basada en el comportamiento estadístico de grandes masas sonoras dispuestas por bloques. Esta es la música de György Ligeti en obras como Atmósferas o Requiem. Conectada con esta forma de composición encontramos la música “Estocástica” desarrollada por el compositor Griego Xenakis, que concibe a la música como una disciplina matemática a la que se puede aplicar leyes de estadística y de cálculo de probabilidades para su composición. Podemos destacar la obra “Metástasis”. 

Música aleatoria
En un camino totalmente opuesto nos encontramos con el músico y compositor John Cage, quien desarrolla sistemas de composición basados en el azar, y en la experimentación. Una de sus obras “4.33”, reflexiona a cerca del silencio, y de lo que entendemos como música. En esta obra el intérprete o intérpretes no tocan ni una sola nota durante los cuatro minutos treinta y tres segundos que dura la pieza, entendiendo que la música de esa obra dependerá de la reacción del público ante éste hecho, y por lo tanto ellos mismos serán los responsables de cómo suene esa pieza. Otro de los inventos de Cage fue la creación del “piano preparado”, instrumento que consistía en introducir entre las cuerdas de un piano objetos de diferente naturaleza, como cucharas, tornillos, alambres, papel de lija, etc. Ello confería al piano una nueva sonoridad con la que podía crear nuevas sonoridades utilizando un instrumento convencional como era el piano. http://www.youtube.com/watch?v=VYsx5Di3bso

Música electrónica y música concreta
Dentro de la búsqueda de nuevos sonidos surgen a mediados del siglo XX dos nuevas corrientes compositivas en torno a los estudios de Radio de Colonia, en Alemania, y de Radio Francia, en París. Estas corrientes tenían como elemento unificador que la música que componían quedaba grabada en una cinta magnetofónica del momento (después en Cd ́s, DAT o posteriormente en un disco duro de un ordenador), sin la necesidad de que hubiera un intérprete realizando la obra musical ya que toda ella estaba grabada. La música electrónica estaba basada en la creación de sonidos a través de aparatos electrónicos como los sintetizadores o los ordenadores. Estos sonidos eran ordenados y grabados, para después poder reproducirlos en concierto. Su propulsor fue Stockhausen en Radio Colonia.Destacamos sus obra “El canto de los adolescentes”. http://www.youtube.com/watch?v=3XfeWp2y1Lk
La música acusmática estaba basada en la grabación de material sonoro de la vida diaria (ruidos de coches, de pájaros, puertas, etc) con el que poder generar después una obra musical. En su día las grabaciones se realizaban en una cinta magnetofónica que después de manipulaba (se cortaba, se daba la vuelta) para obtener la composición musical.
Sus propulsores son Pierre Henry y Pierre Schaeffer. Destacamos la obra “L'escalier Des Aveugles” de Luc Ferrari 

Música electroacústica
Es una variante de la música electrónica y la música concreta que requiere de un instrumentista que interpreta una partitura a la vez que suenan sonidos grabados en una cinta.Por lo tanto, contiene una parte electrónica (la que permanece grabada) y una parte acústica (la que interpreta el músico o músicos en directo).
Una tercera variante recibe el nombre de “electrónica en vivo”, que consiste en que un micrófono recoge los sonidos de los músicos que tocan en directo y envían la señal a un ordenador que modifica en ese mismo instante el sonido que recibe para volverlo a emitir transformado.
Esta operación se lleva a cabo a través de software específicos desarrollados por Centros de Investigación musical, como es el caso del IRCAM en París, que ideó y desarrolló el programa MAX/MSP que permite la recepción y transformación del sonido que llega al ordenador. Destacamos la obra “Metallics” de Yan Maresz. http://www.youtube.com/watch?v=MVxy6rk51y4

La música minimalista
Philip Glass y Steve Reich son los máximos exponentes de esta corriente a medias entre la música pop y la música clásica. Utiliza elementos rítmicos muy breves que se van repitiendo y modificando muy lentamente en el tiempo. Una de sus máximas en la simplificación.

El siglo XX, hasta la segunda guerra mundial

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Los inicios del siglo XX continúan la estela marcada en el siglo XIX. No es hasta la primera guerra mundial (1914-1918) cuando la sociedad, y sus formas de vida se ven drásticamente transformadas por la brutal experiencia del conflicto bélico. Es entonces cuando la sociedad se percata que la “concepción humanista” heredada de la “ilustración” no es más que una máscara donde encubrir las ambiciones de personas y naciones.
La segunda guerra mundial (1939-1945) supuso la derrota del nazismo, y con ello la hegemonía mundial de dos países: EEUU (Estados Unidos de América) y URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas), con tendencias políticas muy enfrentadas.

Música
La primera década del siglo XX nos ofrece un panorama musical variopinto donde conviven diferentes estilos de componer música (impresionismo, expresionismo y postromanticismo) que comienzan a alejarse de la forma de hacer música del siglo XIX (el romanticismo) preludiando la aparición posterior de nuevos estilos (futurismo, dadaismo y dodecafonismo) donde la ruptura con el pasado es más que evidente. El pasado entiéndase como la música basada en las reglas de la tonalidad, pasado que tuvo su culmen en el romanticismo musical, y más concretamente, en la figura de Wagner.

Del impresionismo ya hemos hablado en el tema anterior. Resumiendo podemos decir que es un estilo típicamente francés, muy relacionado con el arte pictórico, y que basa su forma de hacer música o pintura en las impresiones recibidas de aquello que se quiere transmitir, saltándose las reglas del pasado, si con ello se consigue un resultado final más óptimo.

Sin embargo, el expresionismo es un movimiento típicamente germano, que aunque también tiene una relación directa con la pintura y la literatura, se caracteriza por la expresión del ser humano de una forma dura y pesimista.
En la obra pictórica “El grito” de Edward Munch, podemos ver reflejada la angustia y dolor del hombre debido a los conflictos y temores interiores.
El expresionismo musical se caracteriza por el uso de disonancias como elemento dramático; la utilización del sistema atonal, rompiendo con las reglas de organización de la melodía y la armonía; y la interpretación de algunas obras para pequeño grupo de cámara donde cada instrumento actúa como solista.
Ejemplo: “Pierrot Lunaire” de Schoenberg

El postromanticismo, está ligado a los nombres de Mahler y Strauss, dos de los grandes compositores de comienzos del siglo XX que obviaron los nuevos caminos que estaban tomando algunos de sus compañeros para realizar una música heredera del pasado, heredera de la música de Brahms y Wagner, música postromántica, música de grandes vuelos, que utiliza el lenguaje musical propio del romanticismo pero llevándolo a extremos, utilizando grandes orquestas y coros para interpretar sus obras.
Como ejemplos podemos escuchar las sinfonías de Mahler, y la música programática de “Así habló Zaratustra” de Richard Strauss.

El dodecafonismo. Schoenberg, tras su experiencia con la música expresionista (atonal) sintió la necesidad de crear un nuevo método de composición. Fue entonces cuando inventó el Dodecafonismo, o método de composición con doce sonidos que no guardan ninguna relación entre ellos. Este método consiste en ordenar los doce sonidos que hay en una escala cromática, como si nos inventásemos una nueva escala de doce sonidos sobre el que basar nuestra obras. Lo curioso es que Schoenberg establecía que no debía sonar un sonido de nuevo hasta que no se hubieran escuchado por completo el resto de sonidos de su escala (también llamada “serie”). Eso sí, las series podían ser modificas con técnicas contrapuntísticas como la retrogradación, el movimiento contrario y la retrogradación del movimiento contrario. Este nuevo método de composición produce la sensación de que no hay ningún orden jerárquico entre las notas, no hay ninguna nota dominante o tónica, lo que origina que suene de forma muy diferente a toda la música que se conocía hasta el momento. Lejos de caer en desuso, este sistema fue poco a poco calando hondo hasta llegar a la música serial que veremos en el próximo capítulo. Su máximo representante fue Schoenberg, como ya hemos visto, pero tuvo dos discípulos que también impulsaron y compusieron música basado en este peculiar método de composición: Alban Berg y Anton Webern.

Futurismo
Es un movimiento que nace en Italia alrededor de un grupo de compositores que pretendían introducir en la música: el ruido. Más importante que las obras que nos han podido quedar de este grupo es el nuevo tratamiento que confieren a la música, incorporando el ruido como un elemento más haciéndonos dudar en gran medida acerca de qué sonidos son musicales y qué sonidos no lo son, y por supuesto, convirtiéndose en punta de lanza de diferentes movimientos que van a tener lugar a lo largo de todo el siglo XX y XXI. Russolo fue uno de los compositores pioneros en esta tipo de música. Él junto a otros músicos construyeron una serie de instrumentos que producían ruido (los intonarumori) y expusieron su primer manifiesto futurista en el que decían:
“Procuraremos orquestar espiritualmente las multitudes que se atropellan, las estaciones ferroviarias, las fábricas... no olvidaremos los ruidos de las guerra moderna”
En 1913 dieron el primer concierto con esta obra: “Reunión de automóviles, El despertador de la ciudad”.

Dadaísmo
En 1924 se proclama “El manifiesto surrealista” a favor de la expresión libre de los impulsos subsconcientes e irracionales que existen en la mente de los hombres, y que reprimidos, suelen aflorar en los sueños. El Dadaísmo, muy vinculado a este manifiesto es más una actitud con un estilo. UNa actitud agresiva y dismitificadora del concepto de arte, y que se define como un arte antiestético.
El Dadaísmo exalta el absurdo. Más bien no es un movimiento creador, si no una propuesta radical que busca el impacto y el escándalo público. Si bien en música no hay obras representativas de este periodo, si va a servir de fuente de inspiración para futuras vanguardias posteriores como la Música Aleatoria.

Neoclasicismo
El neoclasicismo surge en la década de 1920 como una vuelta al pasado, como una revisión actual de músicas pasadas. No pretendía ir más lejos. Una música basada en la tonalidad y formas pasadas frente al subjetivismo de las músicas que se estaban llevando a cabo en esos momentos.
Algunas de sus características son: La recuperación de las formas musicales del barroco y del clasicismo. La vuelta a la tonalidad. Música agradable y fácil de escuchar.
El máximo exponente de este movimiento fue Igor Stravinsky con obras como “Pulcinella”.
Stravinsky, unos de los músicos más grandes del siglo XX, ya había destacado anteriormente con composiciones como el “Pájaro de fuego” o “La consagración de la primavera” donde trabaja de forma especial el ritmo dotándole a la música de pasajes violentos como antes nunca se habían oído, junto con un tratamiento de la orquesta rudo, casi salvaje, lo que provocó que el público de la época no entendiera esta música, produciéndose un sonado escándalo en su estreno en el año 1913. Posteriormente se adentró ́en la música neoclásica o el dodecafonismos, abordando estilos muy diferentes pero siempre dentro de una estética muy personal, lo que le ha convertido en uno de los grandes compositores de la música clásica.

El siglo XX, hasta la segunda guerra mundial

Publicado el por


Los inicios del siglo XX continúan la estela marcada en el siglo XIX. No es hasta la primera guerra mundial (1914-1918) cuando la sociedad, y sus formas de vida se ven drásticamente transformadas por la brutal experiencia del conflicto bélico. Es entonces cuando la sociedad se percata que la “concepción humanista” heredada de la “ilustración” no es más que una máscara donde encubrir las ambiciones de personas y naciones.
La segunda guerra mundial (1939-1945) supuso la derrota del nazismo, y con ello la hegemonía mundial de dos países: EEUU (Estados Unidos de América) y URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas), con tendencias políticas muy enfrentadas.

Música
La primera década del siglo XX nos ofrece un panorama musical variopinto donde conviven diferentes estilos de componer música (impresionismo, expresionismo y postromanticismo) que comienzan a alejarse de la forma de hacer música del siglo XIX (el romanticismo) preludiando la aparición posterior de nuevos estilos (futurismo, dadaismo y dodecafonismo) donde la ruptura con el pasado es más que evidente. El pasado entiéndase como la música basada en las reglas de la tonalidad, pasado que tuvo su culmen en el romanticismo musical, y más concretamente, en la figura de Wagner.

Del impresionismo ya hemos hablado en el tema anterior. Resumiendo podemos decir que es un estilo típicamente francés, muy relacionado con el arte pictórico, y que basa su forma de hacer música o pintura en las impresiones recibidas de aquello que se quiere transmitir, saltándose las reglas del pasado, si con ello se consigue un resultado final más óptimo.

Sin embargo, el expresionismo es un movimiento típicamente germano, que aunque también tiene una relación directa con la pintura y la literatura, se caracteriza por la expresión del ser humano de una forma dura y pesimista.
En la obra pictórica “El grito” de Edward Munch, podemos ver reflejada la angustia y dolor del hombre debido a los conflictos y temores interiores.
El expresionismo musical se caracteriza por el uso de disonancias como elemento dramático; la utilización del sistema atonal, rompiendo con las reglas de organización de la melodía y la armonía; y la interpretación de algunas obras para pequeño grupo de cámara donde cada instrumento actúa como solista.
Ejemplo: “Pierrot Lunaire” de Schoenberg

El postromanticismo, está ligado a los nombres de Mahler y Strauss, dos de los grandes compositores de comienzos del siglo XX que obviaron los nuevos caminos que estaban tomando algunos de sus compañeros para realizar una música heredera del pasado, heredera de la música de Brahms y Wagner, música postromántica, música de grandes vuelos, que utiliza el lenguaje musical propio del romanticismo pero llevándolo a extremos, utilizando grandes orquestas y coros para interpretar sus obras.
Como ejemplos podemos escuchar las sinfonías de Mahler, y la música programática de “Así habló Zaratustra” de Richard Strauss.

El dodecafonismo. Schoenberg, tras su experiencia con la música expresionista (atonal) sintió la necesidad de crear un nuevo método de composición. Fue entonces cuando inventó el Dodecafonismo, o método de composición con doce sonidos que no guardan ninguna relación entre ellos. Este método consiste en ordenar los doce sonidos que hay en una escala cromática, como si nos inventásemos una nueva escala de doce sonidos sobre el que basar nuestra obras. Lo curioso es que Schoenberg establecía que no debía sonar un sonido de nuevo hasta que no se hubieran escuchado por completo el resto de sonidos de su escala (también llamada “serie”). Eso sí, las series podían ser modificas con técnicas contrapuntísticas como la retrogradación, el movimiento contrario y la retrogradación del movimiento contrario. Este nuevo método de composición produce la sensación de que no hay ningún orden jerárquico entre las notas, no hay ninguna nota dominante o tónica, lo que origina que suene de forma muy diferente a toda la música que se conocía hasta el momento. Lejos de caer en desuso, este sistema fue poco a poco calando hondo hasta llegar a la música serial que veremos en el próximo capítulo. Su máximo representante fue Schoenberg, como ya hemos visto, pero tuvo dos discípulos que también impulsaron y compusieron música basado en este peculiar método de composición: Alban Berg y Anton Webern.

Futurismo
Es un movimiento que nace en Italia alrededor de un grupo de compositores que pretendían introducir en la música: el ruido. Más importante que las obras que nos han podido quedar de este grupo es el nuevo tratamiento que confieren a la música, incorporando el ruido como un elemento más haciéndonos dudar en gran medida a cerca de qué sonidos son musicales y qué sonidos no lo son, y por supuesto, convirtiéndose en punta de lanza de diferentes movimientos que van a tener lugar a lo largo de todo el siglo XX y XXI. Russolo fue uno de los compositores pioneros en esta tipo de música. Él junto a otros músicos construyeron una serie de instrumentos que producían ruido (los intonarumori) y expusieron su primer manifiesto futurista en el que decían:
“Procuraremos orquestar espiritualmente las multitudes que se atropellan, las estaciones ferroviarias, las fábricas... no olvidaremos los ruidos de las guerra moderna”
En 1913 dieron el primer concierto con esta obra: “Reunión de automóviles, El despertador de la ciudad”.

Dadaísmo
En 1924 se proclama “El manifiesto surrealista” a favor de la expresión libre de los impulsos subsconcientes e irracionales que existen en la mente de los hombres, y que reprimidos, suelen aflorar en los sueños. El Dadaísmo, muy vinculado a este manifiesto es más una actitud con un estilo. UNa actitud agresiva y dismitificadora del concepto de arte, y que se define como un arte antiestético.
El Dadaísmo exalta el absurdo. Más bien no es un movimiento creador, si no una propuesta radical que busca el impacto y el escándalo público. Si bien en música no hay obras representativas de este periodo, si va a servir de fuente de inspiración para futuras vanguardias posteriores como la Música Aleatoria.

Neoclasicismo
El neoclasicismo surge en la década de 1920 como una vuelta al pasado, como una revisión actual de músicas pasadas. No pretendía ir más lejos. Una música basada en la tonalidad y formas pasadas frente al subjetivismo de las músicas que se estaban llevando a cabo en esos momentos.
Algunas de sus características son: La recuperación de las formas musicales del barroco y del clasicismo. La vuelta a la tonalidad. Música agradable y fácil de escuchar.
El máximo exponente de este movimiento fue Igor Stravinsky con obras como “Pulcinella”.
Stravinsky, unos de los músicos más grandes del siglo XX, ya había destacado anteriormente con composiciones como el “Pájaro de fuego” o “La consagración de la primavera” donde trabaja de forma especial el ritmo dotándole a la música de pasajes violentos como antes nunca se habían oído, junto con un tratamiento de la orquesta rudo, casi salvaje, lo que provocó que el público de la época no entendiera esta música, produciéndose un sonado escándalo en su estreno en el año 1913. Posteriormente se adentró ́en la música neoclásica o el dodecafonismos, abordando estilos muy diferentes pero siempre dentro de una estética muy personal, lo que le ha convertido en uno de los grandes compositores de la música clásica.

El Método Suzuki

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Origen

La Educación del Talento, el método de enseñanza desarrollado desde 1945 por el Dr. Sinichi Suzuki, se ha convertido en un movimiento internacional que ha contribuido a la evolución de muchas de las teorías sobre la educación infantil.

El Dr. Suzuki nació en Japón en 1898 en una familia de luthiers. No empezó a estudiar violín hasta la edad de 17 años. Completó su formación en Alemania con Karl Klingler. Allí conoció a grandes músicos europeos; la cultura occidental le influyó profundamente.

Lengua materna

El método de enseñanza del Dr. Suzuki se basa en una sola idea, que él llamó de la “Lengua Materna“. Observó que todos los niños aprenden a hablar su propia lengua con gran exactitud, reproduciendo hasta los acentos locales, para lo cual, se necesita una gran capacidad.

Los niños están impregnados por los sonidos de su lengua desde su nacimiento, lo que le hizo intuir que si los niños estuvieran envueltos por los sonidos musicales del mismo modo, desarrollarían una habilidad tan extraordinaria en la música como en la lengua.

Es el concepto de la “Lengua Materna”. La idea del Dr. Suzuki, no es solamente un método de educación, sino también una Filosofía fundada en el respeto al niño como persona y en el concepto de que la habilidad no se hereda sino que se aprende y se desarrolla.

Empezar el aprendizaje a edad precoz.

Los niños pueden empezar mucho antes de lo que estiman adecuado los educadores tradicionales. Este arranque precoz (alrededor de 3 o 4 años) les ayuda a obtener una gran habilidad a una edad en la que, tradicionalmente, no son considerados como capacitados para empezar.

Otra implicación de la idea de “Lengua Materna” es que el ritmo de avance viene dictado por el niño y no por la edad o por otros factores. Un niño empieza a andar cuando está preparado para ello, es imposible hacerle andar antes. Por eso, los comienzos con los más jóvenes son muy lentos; sin embargo se observa un mejor desarrollo a largo plazo.

Si en este terreno el niño es respetado y alentado, pero no forzado, saldrá de ello con una realización personal más equilibrada, además de la habilidad musical que habrá desarrollado.

Los niños que empiezan muy temprano llegan a aprender más profundamente y tocan con más gusto y soltura.

La repetición del repertorio tiene una doble implicación. Por un lado el desarrollo de la memoria en una etapa fundamental del desarrollo de la vivacidad del espíritu y la naturalidad de la expresión. Por otro lado -y en consecuencia- el niño que tiene una memoria entrenada aprende y asimila más rápidamente. De este modo se logra una excelente conexión entre la escucha y la producción de sonido.

Desarrollar la memoria y la concentración.

Una de las ventajas de este método es el desarrollo de la capacidad de retener fácilmente. Desde el principio los niños aprenden a memorizar y a reproducir ritmos y melodías, gracias a la escucha.

Comienzan por retener piezas cortas que gradualmente se alargan, manteniendo todas las piezas anteriores que contribuyen a un entrenamiento constante de la memoria.

El entrenamiento de una buena memoria genera una buena concentración y la interpretación surge de por si. Una mala memoria llena de obstáculos al intérprete.

Este desarrollo de la memoria en los niños repercute hasta en su trabajo escolar, a menudo basado en esta capacidad.

Lenguaje musical: solfeo.

Al principio no se les pide a los niños conocer solfeo para reproducir sus piezas.

La música es un medio sonoro, como la lengua materna. No se espera de un niño que sepa leer antes de enseñarle a hablar.

Así la noción de solfeo propiamente dicha interviene más tarde, cuando el niño tiene ya desarrollada naturalmente su habilidad para escuchar y reproducir los sonidos musicales.

En poco tiempo los niños aprenden a leer y escribir los sonidos que reconocen fácilmente tras sus años de instrumento.

Papel de los padres.

Uno de los padres tiene la obligación de asistir a las clases del niño.

El profesor le enseñará a proseguir en casa la acción emprendida en la clase, por lo que será iniciado antes que el niño en los rudimentos del estudio del instrumento.

La influencia más considerable en el entorno del niño proviene de sus padres, cuya responsabilidad mayor es la de influir seguridad en sus hijos. Si los padres manifiestan su amor y lo centran en los esfuerzos y logros de su hijo, aprender música o cualquier materia constituirá una feliz experiencia.

En la “Educación del Talento” los padres tienen el papel primordial de crear un buen entorno musical; hacer escuchar buena música al niño con discos y llevarle a menudo a conciertos.

Es importante que los padres trabajen en un sentido positivo con el niño: la manera de hablarles, de premiarles, de regañarles, de tocarles.

Se trata de enriquecer el papel educador de los padres a través de la música, para desembocar en una relación padre/hijo más completa y más humana que les ayudará siempre en la vida.

Grupo e individualidad.

Todos los alumnos en el Método Suzuki reciben una clase particular cada semana. El contacto de la clase individual que recibirán de su profesor permitirá asegurar la evolución y el desarrollo de su personalidad.

Por otra parte, las clases de grupo y manifestaciones tales como conciertos, audiciones, etc. le ayudarán a afirmarse en presencia de los demás, aceptándoles al tocar con ellos.

En todo caso los alumnos se benefician cada semana de una clase particular y otra de grupo. Estas dos clases, diferentes por su estilo, constituyen un equilibrio importante permitiendo ayudar mejor al niño y viéndole evolucionar en dos situaciones distintas.

La clase particular atiende a su evolución interior, mientras que la clase de grupo le permite más independencia y compromete su responsabilidad.

Importancia de la escucha y de la repeticion.

En la “Educación del Talento” se hace hincapié en la repetición. Los niños escuchan una y otra vez las grabaciones y tocan sus piezas muchas veces.

La experiencia nos demuestra que entre dos niños que estudian lo mismo, el que más oye y escucha en casa, termina por obtener una mayor facilidad de aprendizaje y más musicalidad.

El número de repeticiones que un niño necesita durante el aprendizaje es desconocido y variable de un niño a otro. No contamos nunca cuantas veces decimos mamá antes de que el niño conozca al fin esta palabra. Estamos dispuestos a repetirla tantas veces como sea necesario. Incluso cuando el niño esté listo para decir esta palabra, se repetirá múltiples veces, haciéndola así parte integrante de su lengua.

En la aproximación musical del Dr. Suzuki los niños procederán del mismo modo con las piezas que aprenden. Estas serán oídas y tocadas repetidamente con el fin de permitir la integración de su ritmo y melodía, así como las dificultades técnicas de estas para el niño.

El profesor.

El profesor forma parte del entorno del aprendizaje y debe tener una actitud de amor, de apoyo y de motivación hacia el niño.

A este efecto es necesario que él haya entendido perfectamente que el “Método Suzuki” no es un simple método del que se compran los libros para seguir la enseñanza de algunas piezas como con cualquier otro método tradicional. Desgraciadamente este tipo de actitud se encuentra a menudo en cada país donde aparece como nuevo el Método Suzuki por culpa de la falta de información sobre su filosofía, su funcionamiento y su aplicación.

Asi, es corriente oír hablar de clases “Suzuki” donde se estudia cada pieza sin saber que se debe escuchar la grabación correspondiente; donde las clases dadas no se dan en grupo sino solamente en clases individuales sin tener en cuenta la importancia y necesidad coexistente de las dos; donde se evita tal o tal pieza sin darse cuenta de que se quita mucha eficacia a una progresión larga y minuciosamente pensada y probada; donde se ejerce una presión sobre el niño para que aprenda rápidamente las piezas con vistas a llegar a un nivel preciso en un momento preciso.

Tocar correctamente un instrumento y amar a los niños no es suficiente para ser un buen profesor Suzuki. La incapacidad de un profesor para enseñar puede llevar consigo presiones sobre el niño así como desalientos y frustraciones.

No se debe calificar demasiado pronto a un niño de dotado o no dotado. Esta falta de comprensión del material técnico y psicológico necesario por parte del profesor, en el caso de ser persistente, puede conducir hasta terminar por generar una explicable aversión en el niño.

Es preciso insistir en que enseñar a niños requiere métodos a menudo muy diferentes a la manera en que el mismo profesor fue enseñado.

Los libros del método no dan ninguna indicación sobre la manera de enseñar; se da por supuesta la necesidad de una formación, impartida por especialistas en el método.

Los profesores del método Suzuki acuden regularmente a seminarios, lugares de intercambios y de nuevas ideas. Es una de las condiciones esenciales que les permite hacer evolucionar una enseñanza que pretende contribuir al desarrollo de los niños.

Cada profesor deberá tomar sus responsabilidades en cuanto a una formación en profundidad y de acuerdo con este tipo de enseñanza. Del mismo modo se da por supuesto que deberá haber asimilado la filosofía y el alcance humano así como las técnicas pedagógicas nuevas y precisas.

Sensibilidad y experiencia emocional.

El objetivo de todo arte es la expresión de una cierta sensibilidad que se traduce bajo diversas formas.

A lo largo de su estudio, el niño entra en contacto con sus modelos musicales, al principio simples y luego cada vez más elaborados exigiéndole un desarrollo y un dominio de la expresión de su sensibilidad, llegando hasta su más alto nivel.

Por ello el adiestramiento de su experiencia emocional regulada a través de la interpretación en grupo, en los conciertos y los pequeños recitales, estimularán mucho la sensibilidad del niño y le darán buen número de ocasiones de conocerla, de desarrollarla y de dominarla.

A esto aspira el ser humano cada vez que intenta hacer o crear algo bello y bueno. Con la ayuda del “Método Suzuki” se pretende hacer nacer y desarrollar estas cualidades humanas y musicales.

 

Shinichi SuzukiShinichi Suzuki

(Nagoya, 11 de octubre de 1898 – Matsumoto, 26 de enero de 1998) fue un violinista y pedagogo musical japonés, creador del Método Suzuki para aprendizaje musical.

Su padre era luthier y aunque su vocación musical no fue precoz, el hecho de una infancia rodeada de instrumentos musicales fue decisivo. En 1915 inicia sus estudios de violín en el Conservatorio de Tokio, cuando la música occidental era considerada algo exótico. Amplió sus conocimientos en Europa y en 1924 se marcha a Berlín, donde es nombrado discípulo de Karl Klinger.

Durante su estancia en París conoció al violoncelista español Pau Casals, cuya técnica asumió rápidamente. Regresó a su país de origen en 1932 y comenzó con su carrera como pedagogo en su primer lugar de enseñanza. En 1945 se funda el Instituto de Investigación, entidad destinada a descubrir jóvenes talentos en los diversos campos de la cultura y allí pudo desarrollar unos métodos pedagógicos que llegarían a ser incluso adoptados por conservatorios occidentales, apuntando a la enseñanza de piano, violín y violonchelo.

Suzuki apoyó —junto con el premio Nobel de la Paz Linus Pauling (1901-1994) y la actriz Liza Minnelli (1946–)— al controvertido Instituto para el Logro del Potencial Humano, una organización sin ánimo de lucro que pretende mejorar el desarrollo neurológico de niños que han sufrido una lesión cerebral.

Su etapa como concertista fue entre 1930 y 1948. Publicó un libro, Hacia la música con amor, en 1969.