Certamen Internacional de Composición de Canciones: Sergio Zurutuza, "Nebushi"


SOBRE EL AUTOR: 
Con 12 años empecé como trombonista en lo que fue la fanfarre Tirri Tarra habiendo ganado diferentes concursos por toda  Europa. A los años comence a tocar la guitarra y formé un grupo  llamado Ton Ton Makutt en el cual ya creaba. 

En 1998, con 22 años y reconvertido en compositor "serio",  transformé (junto con otros 22 compañeros) a la mencionada Fanfarre  en un grupo de algo parecido al Rock Sinfonico. 

Desde ése año hasta el año 2011 fui compositor, guitarrista, mandolinista, tecnico de sonido y productor de la nueva TIRRITARRA. 

Hice (hicimos) multitud de conciertos durante ése tiempo, llegando a tocar hasta para 7.000 personas con un total de entre 60 y 100 personas interpretando mi música en los escenarios. 

A partir del 2011 hasta la fecha de hoy sigo como conpositor e instrumentista en solitario, habiendo creado varios albumes y diferentes bandas sonoras para cortos de cine y algun anuncio. 

En 2017 Aparecí entre las lineas del libro "Sotto Voce - articulos reseñas y otras chanzas" del escritor y critico músical Antonio Pardo Larrosa, tenuendo el inmenso honor de cerrar dicho libro.

También colaboré como guitarrista en el tema "Lost in unconciousness" del grupo TSODE (Jesus Valenzuela) en su álbum "Braimstorming"

El 7 de Septiembre de 2017 edité mi último álbum llamado JAIO/NACER que supone ser el 7° álbum de mi carrera y el 4° en solitario.

También compagino mi faceta de Creador y Músico con la de trabajar en una empresa de limpieza y a ratos gasto un humor tremebundo para deleite de mis cuatro paredes.


PROCESO CRATIVO DE NEBUSHI:
Es un tema que creé allá por el 2004, pero que fue editada hasta el 2017 que la incorporé en mi ultimo álbum llamado JAIO/NACER.

En un principio nació como una demo en la cual experimente con aires de pop habiendola cantado yo mismo en una sola toma e inventandome a la vez, es decir creado el idioma y la melodia a la vez que la grababa, siendo por ello una especie de improvisación tanto como digo en su melodía como en su idioma que en realidad son sonidos vocales elegidos o más bien cantados en el momento por su fonética. 

Muchos años después, en 2017 lo remezclé y le añadí nuevas pistas de guitarrra acustica y bajo y de ésta forma la vieja Demo se convertio en nueva canción para mi álbum JAIO/NACER.

Fue en 2017 también cuando decidi hacerle una traducción a esa letra en idioma inventado y quedo de la forma que os he mostrado anteriormente, siendo claro que Nebushi significa NIEBLA.

LETRA ORIGINAL DE NEBUSHI (IDIOMA INVENTADO POR SU FONÉTICA)
Nebushi lebulow neburey bun falilows lebufi un lebushaaa.

Lebushii yun shabulow shinin shainron sharin now nebuiiron nebushaaa.

Shakelist lebupo libisa bin farilows nebuyy un sino lom.

Esbariree yun shikira esbarireen yu daquiran yu nebushi ikiraaan.

Lebupo nigisha levisoh in shariraa nebushi un nebupo.

Lebupo iun shikira lebupi sun lebusha yun nebupii shikiraa.

Sekeeh ekeran amberehe shi dakishaa a nebushi yun nebupow...dariran.

Lekeen ekeran amberehe shi rakishaa a nebushi yun nebupo... nariran.

TRADUCCION AL CASTELLANO DE NEBUSHI:
Niebla en tus rodillas desesperadas por un saber que no duele si no se tiene. 

Ni se tiene por que entender las raíces de una canción pop. 

Lejos de aquél sol que duerme, y no se duerme sin un abrazo en el desierto de los bizcos recuerdos desenfoncados. 

Abrazados en el silencio de un bar ya cerrado que lastima a sus clientes dejandolos morir de sed. 

Nebushi te llamaste para recordar que eras de oriente, y recé sin dientes la carne que no pude comer.

Ni siquiera los segundos puestos fueron tan bien diseñados para la criatura. 

Nebushi fue tu nombre despues de saber que mi garganta podia llegar a sonar con un solo disparo en la nuca. 

Sin perdón...

Atandonos en lo que realmente los hijos de la decidida oportunidad querían que supieramos. 

Sin perdón...

OBRAS CREADAS HASTA LA FECHA:
1999 - Album "Re + Fa" (con Tirritarra). 
2003 - (Editado en 2.006) - Album "Luz negra/Argi Beltz" (con Tirritarra). 
2004 - Album "Internas". 
2007 - Re-Master Album "Re+Fa". 
2008 - Banda sonora para el corto " Las dos caras del 8". 
2009 - Album "Souvenir" + 4 Bonus tracks. 
2010 - Banda sonora para la obra "Mediko altxorra" de la compañia "Patata tropikala".  2010 - Banda sonora para el corto "Acción, otra vida posible". 
2011 - Banda sonora para el corto "Ligar en el siglo XXI". 
2011 - EP "Perdidos en un Sueño" (con Tirritarra). 
2012 - Banda sonora para el trailer de la pelicula "The Activist!". 
2013 - Banda sonora para el corto-publicitario del Hotel Atxaspi. 
2013 - EP "Huellas". 
2014 - Album "Las huellas de un nuevo comienzo". 
2015 - EP "Frenetic". 
2015 - Single "Encarga2". 
2016 - Banda sonora para un teaser para el Documental "Amaharri- Madre Piedra con Jaizkibel Amaharri.
2017 - Album "Jaio/Nacer"
2018 - Single "Hueco Eco" (Performance con texto del tema "Viaje a Beautiful"

PAGINAS DEL AUTOR:

Jesús Lavilla: acompañando cantantes con arrojo y saber andar para volar

Jesús Lavilla es una importantísima referencia en el campo del acompañamiento musical del género moderno y popular, siempre desde las teclas de su piano y flanqueado en todo momento por su originalísima musicalidad.

¿Cuáles son tus estilos musicales predilectos?
Tengo la fortuna de emocionarme con casi cualquier estilo, sigo estando enamorado de la música en general, pero es cierto que puedo tener quizá predilección por la música clásica, el jazz, el smooth-jazz, el funk… El bebop es la forma dentro del jazz que más me atrae. Ese fraseo característico en las melodías y en los solos me cautiva de la misma manera que lo hace el sonido de la sección de cuerdas en la música clásica y especialmente en la contemporánea.

¿Cómo llegaste al mundo del acompañamiento de cantantes?
Bueno… siempre me gustó un poco más formar parte del background que estar “delante”, me gusta más el acompañamiento, rearmonizar, colocando de este modo la melodía original en otro contexto me apasiona. Es algo que me atrajo de manera hipnótica desde muy pequeño, descubrir cómo a una misma melodía podían caberle diferentes acordes. Esto, y no tener demasiados prejuicios a la hora de tocar según qué estilos comerciales, me llevó a especializarme, si acaso, en esta asignatura, y por ende, a acabar acompañando a muchos cantantes paisanos de diferentes estilos.

Tu versatilidad te ha llevado a acompañar a artistas de la talla de David Bustamante, Martirio o Alex O'Dogherty (pop, flamenco-jazz y música teatral respectivamente). ¿Cuáles son tus próximos proyectos?
Pues de momento continuaré trabajando para David y para Maribel (Martirio) en 2018, aunque este año se suma también al elenco Pastora Soler que, aunque es una gira que haré como “segundo de a bordo” sustituyendo a un compañero, se prevé que haga gran parte de ella. También formo parte de la banda de un amigo que quiero mucho, compañero en la gira de Bustamante, Xavi Reija, un baterista con un talentazo brutal, estoy encantado de trabajar con él.


Por otra parte, acabo de terminar el primer disco en solitario de mi amigo Jesús Bienvenido, uno de los autores del carnaval de Cádiz que más me gusta, un músico maravilloso con una voz preciosa y una manera de componer tocando la genialidad. Muy recomendable por cierto… Voy a comenzar en breve el disco de Juan José Alba, otro de los valores en alza de mi tierra, con el que estoy especialmente ilusionado.

Y entre pitos y flautas (nunca mejor dicho) trato de preparar mi primer disco como pianista. Me cuesta mucho porque soy muy autocrítico, termino tirando a la papelera la mayoría de ideas que se me ocurren, pero tranquilos, me lo estoy tratando, ya tengo mi medicación y todo… (jijijiji).

¿Qué cantantes de los que has acompañado de estilo popular (sabemos que eres un maestro en el arte de acompañar coplas) han dejado más huella sonora en tu mente?
No me considero un maestro de nada, lo único es que soy de los pocos que me he atrevido a innovar en ese terreno, el de la música tradicional española, y eso puede llegar a ser atractivo desde fuera, pero no es más que lo que es: “arrojo”. Y esta curiosidad por la copla, y a colación de lo que preguntabas, me la transmitió Martirio, que por supuesto ha sido la cantante que más me ha marcado, sin lugar a dudas.

¿Por qué?
Ahm… es largo de contar, pero trataré de resumirlo. Mi llegada a su banda fue un salto exponencial en mi carrera como pianista, a mis 27 años me veía yendo de la mano de Chano Domínguez (imaginad qué presión) que con todos los pianistas que conoce, confió en mí para ocupar su asiento en el trío de acompañamiento de “Martirio”. Yo me veía con la responsabilidad de dar la talla, viéndome de repente tocando con la élite del jazz del país, hablo de los maestros Guillermo McGuil y Javier Colina. Aprendí muchísimo, y no sólo a nivel músical, Maribel es una mujer inteligentísima que te obliga a esforzarte para estar a su altura… con lo cual también crecí a nivel intelectual. Siempre estaré en deuda con ellos, y con Javier Ruibal, que apostaron por mí a manos llenas.

¿Y de estilo moderno?
Bueno, es que Martirio abarca un abanico tan amplio estilísticamente hablando, que puede entrar perfectamente dentro del terreno de cantantes modernos que me han marcado. Javier Ruibal ha sido otro de mis cantautores favoritos, Jesús (Bienvenido) ya os he dicho que me encanta, David (Bustamante), aunque en otro terreno muy diferente, tiene una voz preciosa, me gusta cómo lo hace él también porque (al margen de lo que demande el mercado) cuando canta “en serio”, demuestra tener un estilazo y un vozarrón.

En una anterior entrevista desvelaba que trata de tener en cuenta la manera de armonizar para no hacer “descarrilar” al cantante, así que no se “desmelenaba” tanto. ¿Puede ilustrarnos más sobre esta afirmación?
Sí, claro…todos sabemos que “puede” llegar a ser más susceptible de despistarse en la afinación un cantante que otro instrumentista si te pasas de la raya rearmonizando. Por ello es que trato de contenerme en cuanto a la cantidad y a la compatibilidad, relación melodía - armonía.

Martirio es un gran músico a la que es muy difícil despistar, y eso que le hacemos verdaderas perrerías acompañándola con el trío a nivel rítmico y armónico, pero no todos los cantantes tienen el oído igual de entrenado. Vale… también hay otros factores (no sólo la vulnerabilidad del oído) que te empujan un poco a limitarte tocando, por ejemplo el estilo en el que te muevas. Con la música de David, por ejemplo, no puedes ser igual de creativo ya que es una música más hermética, aunque yo siempre trato de llevármelo todo a mi terreno en la medida de las posibilidades.

¿Cuál es la primera experiencia que recuerdas con la música?
Tendría unos 5 años, estaba en casa de uno de mis hermanos y había por allí un pianito de esos de juguete de algún sobrino mío. Recuerdo que tenía las teclas de colores y una octava si acaso… fue toparme con él, poner la mano encima, y pensar: “este es mi lenguaje”.  Al poco, me sentaba en el sofá con un Casio PT1 (los de mi generación saben de qué hablo jijijiji) que me regaló mi madre al ver la ilusión que me hacía tocar, y copiaba la música que salía del televisor. Por suerte, entendió que no era muy normal que hiciera eso con esa edad, y me apuntó a clases particulares de solfeo. Se lo debo todo, siempre me apoyó en esto de la música.

Ah, que igual he retrocedido demasiado ¿no? Te referías a mi primera experiencia con la música a nivel más profesional, ah vale vale… jijijiji. Pues nada… como a los 8 años comencé a tocar el órgano en el coro de la iglesia de mi barrio y a la vez también fui haciendo incursiones acompañando a cantantes locales (San Fernando) de copla o flamenco (era lo que se despachaba por la zona). A los 12 entré a formar parte de mi primera banda, era la primera vez que tomaba contacto con un baterista, bajista y guitarrista. Esto me ayudó a abrir los sentidos, oyendo, dialogando. Además tocábamos un repertorio comprometido para esa edad, abarcaba una gran cantidad de estilos y podríamos decir que fue el comienzo oficial del aprendizaje del oficio más a conciencia.

Poco tiempo más tarde empecé a ser reclamado por orquestas de baile (venían los compañeros a pedirle permiso a mi madre para sacarme de casa: “señora, que nos llevamos al niño, no se preocupe que lo traemos de vuelta sano y salvo” jijiijiji Imaginad… ¡ERA UN NIÑO! Y me llevaban a tocar a las ferias de los pueblos para llegar a casa a las 8 ó 9 de la mañana, debió ser duro para ella dejarme ir, pero cedía porque se veía que ese era mi camino. Esta experiencia duró 10 años, y me proporcionó un bagaje al que le debo gran parte de mi “éxito” (si se puede llamar así) en la actualidad.

Durante esa misma etapa de manera paralela, descubrí el jazz y me volví loco. A los 16 puse un pie por primera vez en un estudio de grabación (lo que me sirvió para darme cuenta de que eso era otra profesión diferente, muy difícil, la del músico de sesión) y seguidamente llegué al acompañamiento de artistas profesionales. Gracias a todas estas vivencias comencé a crecer musicalmente de manera exponencial, ha sido una carrera explosiva, preciosa y meteórica gracias a la ayuda de compañeros que me enseñaron los entresijos de este tan bello oficio nuestro como es el de “la música”. Y así, un poco en resumen… fueron mis comienzos, jijijiji.

¿Qué consejo daría a las nuevas generaciones de músicos?
¡Esto sí que es responsabilidad! jijijiji Mira, yo noto que hay como muchas ganas de volar, pero para volar, antes hay que saber andar. Noto que hay unas lagunas importantes de información en compañeros que tocan muy bien, pero después hacen agua en cosas “aparentemente” más básicas.

Un músico no puede no saber las reglas del juego a la hora de improvisar en un standard de jazz, por ejemplo. Un músico no puede tocar vertiginosamente en “Giant Steps”, pero tener que acompañar un bolero clásico como pudiera ser, qué te digo yo… por ejemplo, “Reloj”, que los acordes se ven venir, y no saber ni por donde meterle mano.

Hay que estudiar muchísimo chicos, porque después vienen, por ejemplo, los músicos cubanos, y tocan de la misma manera standards que música tradicional. Siempre insisto mucho: controlar la mayor cantidad de estilos, y por supuesto en el conocimiento total y absoluto de la armadura, el control de los 12 tonos, tocar con fluidez en cualquiera de ellos es CRUCIAL. (En esas ando yo también, no os creáis…) En resumen, PREPARACIÓN, porque es con ella y aún así, está todo complicado, imaginad si os mostráis vulnerables. Así que ¡A ESTUDIAR!

¿Quiere añadir algo más sobre su relación con la música?
Sí…¡VENGA! ¡A ESTUDIAR! 

¿Dónde pueden saber más nuestros lectores sobre ti?
En: www.jesuslavilla.es y en mi canal de YouTube, en Instagram, Facebook, Twitter…

El productor musical Manuel Herrera Maldonado: Amen lo que más les guste hacer

Es un honor recibir en nuestra página al productor musical mexicano Manuel Herrera Maldonado, ganador de un Premio Grammy. Espero disfruten de sus precisas y preciosas palabras porque atesoran mucha experiencia y sabiduría musical.

¿Cómo te iniciaste en el mundo de la producción musical?
Inicié desde que tenía 15 años en una banda de rock donde componía música y ejecutaba el sintetizador electrónico, y posteriormente entramos a un estudio de grabación y de ahí ya no quise salir. 

Me convertí en ingeniero de grabación y músico de sesión a los 17 años. Con el pasar de los años fui tomando mucha experiencia y me convertí en productor musical. El oficio engloba muchísimas disciplinas, Pero al final del día lo que importa es tener un buen gusto para hacer música. 

¿Hacia dónde crees que evoluciona el sector?
La industria del entretenimiento se encuentra ya presente en todos los medios digitales. Hacia este punto ha evolucionado la distribución y promoción de la música y contenido audiovisual. Afortunadamente es más fácil en la actualidad llegar a la gente, pero por consiguiente tienes que realmente ser muy creativo para destacar en el vasto universo musical actual. 

¿Qué ingredientes debe tener un artista para que te interese producir su música?
A mi, para que yo apueste y me involucre personalmente en una propuesta musical, realmente me tiene que "volar la cabeza,"  por así decirlo, ya que todo el tiempo recibo y escucho música, por ende no todo me sorprende.

Noto la constante copia de estilos, y para que realmente algo me sorprenda tiene que ser muy, pero muy original en su propuesta, debe ser súper comercial, sencillo, digerible, de fácil admisión en tus sentidos. 

¿Cuál ha sido el trabajo del que te sientes más orgulloso?
Me siento muy orgulloso de haber realizado y lanzado el más reciente álbum de mi madre la cantante Myrza Maldonado el álbum que lleva por título "Por siempre María Alma," con composiciones de mi abuela materna. 

Este álbum nos tomó alrededor de cuatro años planearlo y ejecutarlo, y lo produje musicalmente en conjunción con mi gran amigo el extraordinario guitarrista Pavel Cal, integrante de la exitosa agrupación "Sin bandera."

¿Por qué?
Tiene un significado muy especial debido a que contiene las raíces musicales de mi familia. Vengo de un linaje del cual me siento muy orgulloso.  Mis abuelos maternos fueron destacados músicos. 

Pueden disfrutar del proyecto en el siguiente vínculo de Internet.

Cuéntanos, por favor, alguna experiencia o anécdota simpática que te venga a la memoria que tenga que ver con tu experiencia profesional.
Una ocasión estaba en nuestro estudio de grabación el ya desaparecido interprete texano Emilio Navaira, con quien tuve el honor de ganar un Grammy en el año 2002. Y un amigo nos había regalado una botella de aguardiente. Yo nunca había tomado una bebida tan fuerte y le quise "seguir el Paso" a Emilio, quien era muy bueno para beber, y al final yo me puse yo muy mareado.

¿Qué información crees que debería tener un cantante antes de entrar en un estudio de grabación?
Todo cantante debe de saber qué es lo que quiere y hacia dónde quiere llevar su música, no nada más meterse a grabar a un estudio por querer "ser famoso," sino realmente sentir la música por dentro. Un artista es quien hace arte,  no quien busca seguidores. 

¿Qué consejo o recomendaciones darías a los que empiezan ahora a estudiar canto?
Que sean aplicados y que se tomen en serio el arte de la música, utilizando diversas técnicas, para posteriormente dominar el arte de la interpretación. Porque en el caso del canto, una cosa es saber cantar y otra cosa es el interpretar, y para llegar a ese punto se requiere un dominio total de tu instrumento, que en este caso es la voz, y posteriormente lograr sentir lo que se canta para transmitirle al público lo que una canción en particular va narrando.  

¿Quieres añadir algo más sobre tu relación con la música?
Simplemente mencionar que amen lo que más les guste hacer, Como lo es en mi caso: LA MÚSICA 🎶 

Más información en:
Me pueden encontrar en todas las redes sociales:
Correo electrónico: m.herrera@unimusik.com
Teléfono celular: +52 1-818-366-5844