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Entrevista a José Jesús de la Asunción Cano, cantante rock

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ENTREVISTA A JOSE JESUS DE LA ASUNCIÓN CANO,  cantante rock

¿Cuál es la primera experiencia que recuerdas con la música?
Desde pequeñito la tengo presente; mi tío tocaba el laúd y yo solía escucharlo

¿Qué personalidad musical crees que te influyó más en tu carrera?
No sabría decirte; aún a día de hoy tengo la suerte de poder conocer gente que me ayuda a mejorar y sobre todo me ayuda a crecer

¿Cuál era el estilo o el compositor que más te gustaba estudiar de joven?
El estilo que más me representa es el Rock / Pop Rock

¿En qué repertorio te sientes más a gusto en la actualidad?
En los que he compuesto con mi grupo basándolos en nuestro estilo

Cuéntanos, por favor, alguna experiencia o anécdota que te venga a la memoria que tenga que ver con tu instrumento (en algún curso, o concierto...)
En este caso como mi instrumento es la voz; recuerdo un día que estaba bajando desde mi casa ( un 3er piso ) hasta la calle y en el ascensor me dio por cantar y al abrirse la puerta al bajar una persona que estaba esperando el ascensor me aplaudió y me dijo muy bueno chaval. En ese momento se juntaron varias emociones la vergüenza, jaja, y la emoción.

¿Qué opinas de la situación actual de la enseñanza de la música?
Debería ser mas accesible para los que se inician muchas veces al hacerla tan "espesa" suele asustar y por tanto la deja en un segundo plano

¿Cuáles son tus músicos favoritos?
Pues van desde Fredy Mercuri; U2; Joaquín Sabina; Mclan, Ricardo Arjona... etc

¿Crees que es útil conocer recursos sobre improvisación? ¿Por qué? ¿En qué medida crees que es necesaria la creatividad para el músico?
Es fundamental porque allá donde la memoria falla o los elementos te pueden jugar una mala pasada; si tienes capacidad de improvisación ese momento lo puedes superar con éxito sin que nadie se de cuenta.
La creatividad es básica para el músico ya que es lo que hace que unos acordes tocados suenen diferentes y pasen de ser un conjunto de notas a ser una melodía o una canción.
 
¿Qué consejo o recomendaciones darías a los que empiezan ahora a estudiar tu instrumento?
Les diría que lo cuiden; lo conozcan y sepan tratarlo como si fuera una parte más de ellos mismos.
Que tengan tesón y paciencia ya que al principio cuesta mucho esfuerzo pero cuando logras hacerte con él y hacerlo sonar es algo que vale la pena

¿Quieres añadir algo más sobre tu relación con la música?
La música me llena especialmente; cuando me subo a un escenario y canto la primera nota me transformo y me evado a otro mundo; disfruto y me emociono como el primer día.






http://elmundodepepemulticrea.wordpress.com/


Cómo aprenderse una canción en sólo 3 pasos

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aprenderse una canciónTener que aprenderse una canción de vez en cuando es una de los deberes que tienen que hacer los cantantes.

Cuantas más canciones te aprendas, mejor entrenamiento musical vas a tener y más fácil te será componer tus propios temas.

Aprenderse una melodía simple suele ser una de las cosas más fáciles que hay para muchas personas, de hecho, yo me aprendí las tablas de multiplicar gracias a unas canciones!

Sin embargo, para algunas personas no es fácil o quizás hay unas canciones más que otras que se resisten a ser aprendidas.

Así que, ¿qué haces para aprenderte esas canciones más dificiles?

Aprenderse una canción pasito a pasito

Lo que ayuda es diseccionar la canción para entender mejor cómo funciona, así que vamos a dividirla en partes:

Por un lado tenemos la letra y por el otro la melodía.

Como ya hemos visto en otros artículos cómo memorizar letras de canciones, en este voy a centrarme en la melodía.

No obstante, la letra te puede ayudar en el proceso, así que tenla cerquita, impresa o en pantalla.

Primer paso: Divide y vencerás

Hay partes de la canción que tienen la misma melodía y otras que se van repitiendo.

Pon nombres a las secciones basándote en la melodía.

Por ejemplo: A es la estrofa, B el puente y C el estribillo.

Vamos a ayudarnos de un ejemplo práctico que conoce mucha gente: Imagine, de John Lennon.

(A) Imagine there’s no heaven, it’s easy if you try
No hell below us, above us only sky

(B) Imagine all the people, living for today…

(A) Imagine there’s no countries, it isn’t hard to do
Nothing to kill or die for, and no religion too

(B) Imagine all the people, living life in peace…

(C) You may say I’m a dreamer, but I’m not the only one
I hope someday you’ll join us, and the world will be as one

(A) Imagine no possessions, I wonder if you can
No need for greed or hunger, a brotherhood of man

(B) Imagine all the people, sharing all the world…

(C) You may say I’m a dreamer, but I’m not the only one
I hope someday you’ll join us, and the world will be as one

Así sabes que cada vez que viene A tienes que cantar la misma melodía y lo mismo para B y para C

Escucha la melodía de cada parte unas cuantas veces.

Canta a la vez que el cantante unas cuantas veces, primero tarareando y después ya con la letra.

Si hay partes que te resultan difíciles vocalmente, trabaja en ellas por separado, tarareando primero.

Prueba varias sílabas o vocales sueltas hasta que des con la que más sencillo te resulta hacer la melodía correctamente y a partir de ahí intenta ir añadiendo la letra de la canción.

Segundo paso: Simplifica

Hay géneros en que es muy frecuente el uso de adornos vocales, melismas e inflexiones de la voz y muchas veces resultan difíciles de aprender.

Aprenderse una canción con todos estos detalles puede llegar a ralentizar mucho el proceso, así que si tienes prisa, elimina los adornos vocales por el momento, hasta que ya estés muy cómodo con la canción.

Una vez te sepas bien la melodía base puedes pararte más a fondo en esos detallitos e incluso cambiarlos para darle a la canción tu toque personal.

Tercer paso: Toma notas

Cuando te estás aprendiendo una canción te puede costar recordar cómo era.

Si el final de una frase acaba en una nota más grave o si acaba en una nota más aguda, si empieza ya aguda, etcétera.

También cuesta recordar cuando entrar o cuando viene una pausa.

Por ejemplo para el solo de la guitarra (esto es muy frecuente en rock).

Todo eso son anotaciones que puedes hacerte en la letra (ya la tengas impresa o en tu pantalla).

Para concluir este artículo y que veas más claro a qué me refiero con tomar notas, te pondré un ejemplo con Paranoid de Black Sabbath:

(2 vueltas sólo con la guitarra y 2 con batería antes de entrar la voz)
(A) Finished with my woman ’cause she couldn’t help me with my mind, people think I’m insane because I am frowning all the time

(2 vueltas antes de entrar)
(A) All day long I think of things but nothing seems to satisfy, think I’ll lose my mind if I don’t find something to pacify

(Un acorde y entras)
(B) Can you help  occupy my brain?

(2 vueltas antes de entrar)
(A) I need someone to show me the things in life that I can’t find, I can’t see the things that make true happiness, I must be blind

(Solo de guitarra, 4 vueltas)

(2 vueltas instrumentales más antes de entrar)
(A) Make a joke and I will sigh and you will laugh and I will cry, happiness I cannot feel and love to me us so unreal

(2 vueltas antes de entrar)
(A) And so as you hear these words telling you now of my state, I tell you to enjoy life I wish I could but it’s too late

No te cortes y deja un comentario con tus trucos para aprenderte una canción, ¡puedes ayudar muchísimo a otros! y si te han gustado mis ideas, ¡comparte!

Imagen: AtribuciónNo comercialCompartir bajo la misma licencia Algunos derechos reservados por Mark Brannan

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Acompañamiento al piano para cantantes, por Alfredo Goncalves, autor invitado

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Alfredo Goncalves
Hoy tenemos un nuevo autor invitado en esta bitácora, Alfredo Goncalves, pianista, experto en música moderna, arreglista y productor musical venezolano, que nos explica un ramillete de cualidades que debe reunir un pianista que quiera dedidarse a acompañar a cantantes. 
 
El acompañamiento de cantantes para un pianista joven o poco instruido en el asunto puede resultar muy complejo y en algunos casos hasta incómodo, lo cierto del caso es que a la hora de acompañar cualquier obra por muy sencilla que sea comienza a generar ansiedad e inseguridad al no tener control total de tal situación; y justamente estos asuntos son los que construyen las fallas que seguramente ocurrirán al ensayar o presentarse, sin embargo todo se puede trabajar y corregir si sabemos a donde debemos conducir.

Muy bien, lo primero que quiero destacar es que de entrada como pianistas se debe trabajar en muchos aspectos en nuestra formación musical, así que no te sientas mal si en más de una ocasión te has disgustado por notar que no estás haciendo el trabajo que sabes tienes que hacer, lo importante ahora es, ir edificando tu musicalidad o tu intuición musical tan importante para el músico, por eso quiero darte un buen consejo para tu desarrollo absoluto “lo más importante en la música es aprender a escuchar”, recuerdo que en una ocasión mi profesora de piano me revelo estas palabras y no lo entendí hasta mucho tiempo después de modo que intenta entender esta premisa, por otro lado, el acompañamiento pianístico se basa en proveer un soporte o complemento armónico al solista, ya sea este un cantante, un instrumento de viento, etc.

ACOMPAÑAMIENTO AL PIANO
El pianista acompañante debe tener unas condiciones específicas que lo dirija al control total de lo que ocurre en el escenario, como si de un director musical estuviésemos hablando pero recordando que la función del cantante es defender la pieza, canción o cualquier obra ya sea popular o clásica que se esté ejecutando; estas cualidades que debe conseguir el pianista acompañante son: Flexibilidad, Preparación y Seguridad.

• Flexibilidad: El pianista debe ser flexible, me refiero en el plano musical, esto quiere decir que el tempo, la forma de llevar la pieza y toda la expresión artística se debe dejar a cargo del solista.

• Preparación: La preparación es muy importante pero no es solamente memorizar la parte del piano, ese es un error muy común para el acompañamiento pianístico que desemboca en quedarse en blanco y perderse, por esa razón la preparación debe incluir todos los aspectos de la pieza, conocer y poder cantar la melodía que ejecutará el solista, dominar todos los acordes que acompañan esa melodía y la ejecución pianística, definir los aspectos técnicos como digitación, sonido, etc.

• Seguridad: Si has trabajado en la preparación debes estar muy seguro de que harás un buen trabajo, sin embargo, pasara un lapso de tiempo antes de que te arriesgues a acompañar un cantante sin ensayar, por eso te recomiendo que ensayes con tu solista, de esta manera consigues afianzar tu seguridad escénica.

En fin, si comprendes e internalizas la obra estarás tan relajado y tranquilo el día de tu presentación que sabrás que tu ejecución estará a la altura, harás un excelente trabajo y además si todo va bien, tendrás todo el reconocimiento que te mereces por el esfuerzo que has realizado.

¿Cómo saber si tienes buena técnica vocal?

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buena técnica vocal¿Qué responderías si alguien te pregunta si tienes una buena técnica vocal? ¿En qué basarías tu respuesta?

¿Tener una voz bonita, ritmo y facilidad para afinar?

Eso es genial y son buenos ingredientes para tener éxito, pero muchas veces no lo son todo.

Como en cualquier otra actividad que desempeñes, creer que no necesitas mejorar o que con lo que tienes es suficiente te puede hacer mucho daño.

Pensar que ya cantas bien o que ya tienes una buena técnica vocal puede ser muy peligroso para ti, sobretodo si quieres dedicarte profesionalmente a la música.

Igual que un guitarra se pasa varias horas al día practicando para perfeccionar su técnica, un cantante debe trabajar su voz diariamente.

Yo lo vi muy claro cuando conocí la técnica Speech Level Singing y supe que Michael Jackson estudió con su creador durante toda su carrera, durante más de 30 años.

Si alguien tan grande como él y con tantísimo talento supo que debía trabajar su voz, ¿quien soy yo para pensar que lo que tengo es suficiente?

Los hechos quedaron demostrados cuando empecé a mejorar mi voz y a superar mis límites.

¿Qué quiere decir trabajar la voz con una buena técnica vocal?

Trabajar la voz no significa cantar y cantar canciones de todos los estilos para mejorar el tuyo propio.

Eso es porque una buena técnica vocal no es sinónimo de un buen estilo para cantar.

No hace mucho pusimos como ejemplo a Adele.

Muchísima gente coincide con que su estilo para cantar es muy bueno, pero ha quedado demostrado que su técnica no lo era tanto.

Entrenar cantando canciones hará que consigas más soltura con esas canciones, y te ayudará a encontrar tu estilo propio, pero es probable que de regalo te lleves un puñado de malos hábitos si sólo haces eso y no practicas tu técnica.

Tienes que aprender a distinguir entre técnica y estilo y trabajar tu voz por separado: por un lado técnica y por el otro estilo.

A menudo los cantantes se conforman con trabajar en su estilo y se olvidan de trabajar en su técnica.

Eso es un gran error y no te lo aconsejo en absoluto.

¿Cómo se trabaja la técnica?

La manera ideal es con escalas musicales, utilizando letras (vocales, consonantes o sílabas) y sonidos que te ayuden a equilibrar tu voz.

Para equilibrar tu voz, lo primero es identificar cuál es su situación actual, cuales son sus características.

De cara a mejorar tu técnica vocal, lo que más te interesa es comprobar el nivel de estabilidad de tu laringe mientras cantas y el nivel de aducción de tus cuerdas vocales.

Ahora que lo sabes, tienes que aprender cómo contrarrestar esos niveles.

Parece muy sencillo, pero no lo es tanto, pues depende qué escalas musicales utilices, qué letras y qué sonidos te puede ayudar o perjudicarte.

Por ponerte un ejemplo muy sencillo, si tu laringe baja demasiado, hacer ejercicios que la hagan bajar más no te va a ayudar, sino todo lo contrario.

Después de trabajar con escalas, letras y sonidos, hay que pasar al siguiente nivel, aplicar la técnica a las canciones.

De este modo te aseguras de encontrarle utilidad a todo el trabajo que has estado haciendo con los ejercicios y de regalo podrás hacer cosas que antes te resultaban o imposibles o muy difíciles.

¿Es buena idea compararme con otro artista para saber si tengo una buena técnica vocal?

La respuesta es no, por dos motivos:

Por un lado, que vuestras voces se parezcan o que tengáis inflexiones o dejes similares, no significa que dentro de vuestra laringe esté pasando lo mismo.

Y por el otro lado, porque aunque en vuestras laringes estuviera pasando lo mismo, no significa que sea correcto.

¿Qué me indica si mi técnica es buena?

Hay varios indicadores que te guían para saber si tienes una buena técnica vocal o no.

Que te falte el aire cuando cantas o se te acabe en mitad de una frase indica que hay un desequilibrio vocal.

Que haya notas que se te resisten o donde se te rompe la voz, aunque puedas cantar notas más agudas, significa que no tienes control sobre tu voz.

Pero el indicador más concluyente es si sientes molestias de algún tipo después de cantar.

Tener molestias de algún tipo no es buena señal e indica que hay algo o varias cosas que no estás haciendo correctamente.

Si te quedas sin voz o disfónico cuando cantas, es urgente que tomes medidas en cuanto a tu técnica.

¿Y tú qué tal llevas tu técnica? Cuéntanoslo desde la sección de comentarios.

Atribución Algunos derechos reservados por ralphbijker

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Rompe el molde al componer tus canciones

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componer tus cancionesNo siempre, pero en una banda que crea canciones propias, al que más le suele costar componer es al cantante.

Probablemente sea porque con una guitarra o un teclado es muy fácil ver las notas y probar, es todo muy visual, pero al componer una canción como cantante no tenemos esas facilidades.

Es por esto que en este artículo encontrarás un consejo especialmente útil si eres cantante.

Dicho esto, aunque el cantante de la banda no tenga miedo y tenga un buen dominio de su instrumento para ir probando sobre la marcha e improvisar, esa forma de componer nos puede llevar a hacer cosas muy similares entre sí, haciendo nuestras canciones demasiado parecidas entre ellas.

Al componer una canción, ¿por qué no empiezas por el final?

Volviendo al cine, también conocí hace muchos años otra teoría que a veces utilizan para crear los guiones de éstas.

¿No has visto nunca una película o una serie que te engancha desde el primer momento pero a medida que transcurre el curso de la historia pierde fuelle, te aburre e incluso hace que no te guste toda la película por culpa de la parte final?

A mi me ha pasado muchas más veces de lo que me gustaría.

Hay gente que dice que es porque cuando empiezas una historia, tienes las ideas frescas, no estás saturado por el proyecto, por lo que lo mejor lo escribes al principio, y a medida que pasa el tiempo no sabes cómo seguir o pierdes las fuerzas o el entusiasmo iniciales.

La verdad es que tiene bastante sentido.

¡El truco que a veces se utiliza es empezar por el final!

Es un poco raro, pero funciona.

No hay reglas acerca de cómo hacerlo, pero yo te diría que pruebes a tener la idea general de la canción y directamente empieces por pensar en cómo te gustaría que acabara.

Piensa en un final memorable, eso dejará buen sabor de boca al oyente.

Incluso puedes planificar ya en este momento si quieres componer una canción que al acabar enganche con el principio de otra.

¡Se abren nuevas posibilidades al ver las cosas desde otro punto de vista!

Quien dice canciones dice discos, conciertos, etc.

¡Prueba a componer una canción de esta forma y coméntanos qué tal te resulta!

La inspiración también se puede provocar para componer una canción

Nos guste o no, la inspiración no es algo que tengamos bajo nuestro control.

No es un interruptor que podamos activar o desactivar a voluntad, por lo que hay que buscar otras formas de buscar ideas para componer una canción.

Normalmente el guitarra coge su guitarra y empieza a probar, el teclista coge su teclado y empieza a probar, el cantante se pone a tararear alguna melodía, etc.

Lo malo de esto es que todos tendemos a hacer siempre las mismas cosas, incluso al componer una canción.

El cantante tiene su coletilla característica, o el guitarra tiene esa rítmica que le caracteriza, o el batería tiene ese break tan guapo que sólo sabe hacer él.

Pero debemos aceptar que lo especial, cuando se repite demasiadas veces en el tiempo, deja de ser especial.

Lo primero que te recomendaría es que, como mínimo, te grabes mientras compones.

A veces haces cosas sin tener ni idea de dónde han salido, y luego no puedes recordarlas precisamente por tus costumbres musicales.

Como consejo más importante, te diría que salgas de tu zona de confort y lo enfoques de otra manera.

Deja tu instrumento a un lado y enciende el ordenador.

Existen varios programas de creación de música para ordenador que son extremadamente útiles para componer.

Cambiar nuestro entorno de trabajo, hacer modificaciones sobre algo que ya tenemos es tan fácil como hacer click y arrastrar un par de notas, lo cual nos permite tener un ciclo de pruebas muchísimo más corto permitiéndonos hacer muchas más modificaciones en mucho menos tiempo.

Por no decir que no hace falta estar grabando con nuestra grabadora, rebobinando, borrando lo que pensamos que no nos gusta para luego darnos cuenta de que nos gustaba más que lo que acabamos de hacer.

También viene muy bien que todos los componentes del grupo utilicen el mismo programa, ya que los ficheros de este tipo de programa suelen ocupar poquísimo y se pueden enviar de forma muy rápida por correo electrónico, por ejemplo.

De esta forma cada componente puede añadir sus propias modificaciones y luego hacer consenso para ver cuál es la que más gusta e incluso volver a iterar para mejorarla.

Yo empecé utilizando el programa Reason.

Es buenísimo y no es excesivamente caro, pero si simplemente quieres probar este método antes de pagar nada, te recomiendo que pruebes el programa LMMS.

Es lo mismo, pero totalmente gratuito y funciona en varias plataformas diferentes.

Esta forma de trabajar es muy buena especialmente para cantantes, porque trabajar de esta forma provee al cantante de la herramienta visual que, como comentaba al principio, no tiene.

¿Quieres componer tus canciones de manera realmente original? Juega con los tempos y la estructura

Por último, algo que caracteriza a algunos estilos de Jazz y al rock/metal progresivo es el tener compases atípicos, muy diferentes al clásico 4/4.

Componer una canción que se diferencie al resto en este sentido también puede ser un componente importante para dejar una huella más profunda en el oyente.

Por poner un ejemplo, la canción Lateralus de la banda Tool contiene la serie de Fibonacci en algunos aspectos de la canción.

Aquí puedes encontrar más información.

Aunque no sea tu estilo de música favorito te recomiendo que escuches la canción Dance of Eternity, de Dream Theater.

Es una canción instrumental llena de compases rarísimos y cambiantes en todo momento.

Si ya has acabado de escucharla o estás en ello y te está gustando, te recomiendo que busques bandas similares, como Periphery o Animals as Leaders.

No son nada fáciles de digerir, pero pueden salir muchas ideas de este tipo de música.

Incluso puede ser un buen ejercicio para los cantantes el intentar crear melodías de voz para alguna de estas canciones instrumentales.

Otra banda que hace poco he descubierto es Haken.

Desde mi punto de vista, más digeribles, y también hacen cosas realmente interesantes.

Ten en cuenta que también puedes utilizar algunas de estas ideas a la hora de hacer un buen repertorio para tus conciertos.

Imagen:  AtribuciónNo comercialSin obras derivadas Algunos derechos reservados por dmelchordiaz

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