Página musical breve para cantar, tocar y analizar. Contenidos: compás de 6/8, ritmo de corcheas, negras, blancas y síncopas. Ritmos con puntillo. Indicaciones dinámicas, agógicas y de carácter. Alteraciones accidentales. El somriue de Mercé
Para cantar, clarinete, trompeta, fliscorno, trompa y violín. El somriue de Mercé
En clave de do en primera 38 D1 en clave de do en segunda 38 D2
en clave de do en tercera 38 D3 Sol M en clave de do en cuarta 38 D4 en clave de fa en cuarta 38 F4 en clave de fa en tercera 38 F3
Análisis estructural de la pieza en versión piano. (La versión pianística contiene una introducción y una sección inicial añadida respecto a la versión para canto y para los instrumentos melódicos).
Con el Preludio nº 1 se inicia el ciclo de los “24 Preludios y Fugas” Op. 87 compuesto entre 1950 y 1951 por el compositor ruso D. Shostakovich. Se trata de una pieza de carácter sencillo y amable. Su temática homogénea sin apenas contrastes, con ritmo de Zarabanda y estructura binaria tipo suite (sin repeticiones), se combina con un lenguaje tonal cromático que supera las convenciones de la armonía funcional. Todo ello se ajusta a las características del Estilo Neobarroco empleado en muchas obras de la primera mitad del siglo XX.
A nivel temático la presentación y repetición de una motivo de dos compases domina casi la totalidad del Preludio. Su base armónica tiene estrecha relación con el primer Preludio del Clave bien temperado de J.S. Bach.
En los puntos cadenciales el motivo principal, Ma, se sustituye por un diseño contrastante Mb.
Shostakovich toma como referencia al primer preludio del Clave bien temperado I incluyendo elementos simbólicos (nª de Bach) y otros diseños (tetracordos, armonías de cinco sonidos, etc. ).
En el siguiente video se pueden observar todos los aspectos más importantes del análisis del Preludio.
Aspectos estructurales: El paralelismo que produce la repetición de los 8 primeros compases, a partir del compás 35, genera la estructura binaria tipo A A’ simétrica de 34 y 33 compases. Esta simetría está reforzada por el contraste temático de los puntos cadenciales del final de cada sección. La primera subsección se divide en dos subsecciones de 8+10 y 8+8 compases. La segunda en dos frases de 10 + 18 compases con una coda final de 7.
La agrupación de frases de 8 compases y semifrases de 4 simula una cuadratura y una estructura periódica que el compositor trata libremente.
Tonalidad: La presencia destacada de la tónica y la dominante, junto con el acorde inicial y final, establecen la tonalidad de Do mayor, la cual se enriquece con todo tipo de elementos y efectos: acordes desfuncionalizados, presencia de todo tipo de verticalidades, enlaces sorpresivos, progresiones que no tienen un objetivo tonal definido, fórmulas cadenciales debilitadas por otros parámetros musicales, cromatismo que genera color armónico, etc.
Simbolismo: La pieza sigue el doble lenguaje de Shostakovich. Una escritura sencilla que oculta numerosas relaciones temáticas y simbólicas:
- El nombre de Shostakovich, re-mib-do-si, se expone en distintos pasajes (p.e tetracordo mib-re-do-si).
-El número de Bach (14) se observa en varios pasajes: el motivo Ma, se expone durante los 14 primeros compases, Mb, está formado por 14 notas, etc.
Contenidos: Acordes de tres sonidos en estado fundamental, primera inversión y segunda inversión, sin modulaciones ni notas de adorno. Acorde de séptima de dominante en estado fundamental e invertido. Acordes de séptima disminuida y séptima de sensible en estado fundamental. Cadencias. Cambios de disposición.
- Cadencias (Ver Armonía bloque 2 pág. 16 y siguientes).
-Indica también
1) los sonidos que forman cada acorde (por ejemplo do-mi-sol, fa-la-do, etc. )
2) el estado de cada acorde: Estado fundamental, Primera inversión o Segunda inversión(Ver Armonía bloque 1 pág. 6).
3) las características interválicas de los acordes: Perfecto mayor, Perfecto menor, Quinta disminuida, Quinta aumentada. Acorde de séptima de dominante en estado fundamental. (Ver Armonía Bloque 1 pág. 3). Para los acordes de séptima disminuida y de séptima de sensible Bloque 4.
4) el cifrado interválico y cifrado americano de cada acorde. (Ver Armonía bloque 1, pág. 9 y siguientes). Para los acordes de séptima disminuida y de séptima de sensible Bloque 4.
5) Indica también los tipos de 6/4: De unión, De amplificación o Cadencial. (Ver armonía Bloque 2 pág. 4).
6). Indica las duplicaciones excepcionales y la supresión de notas. (Duplicaciones en Armonía bloque 1 pág.30 y supresiones en pág.31 ).
Mozart escribe el Andante para flauta y orquesta K.315 en 1778. Aunque se interpreta como pieza independiente en un sólo movimiento se cree que se compuso al estilo de un Segundo movimiento de concierto como alternativa al segundo movimiento original del Concierto nº 1 para flauta y orquesta en Sol mayor, también de 1778.
La orquesta tiene las características típicas de las primeras sinfonías de Haydn y Mozart: cuerda con dos oboes y dos trompas.
La estructura del Andante sigue el esquema típico de la forma ritornello-sonata. Este modelo, típico del primer y tercer movimiento de un concierto clásico, suele aparecer, en menor escala, en los segundos movimientos sin renunciar a su carácter más sosegado ni al dominio de la textura de melodía acompañada.
La forma ritornello-sonata tiene sus orígenes en uno de los tipos formales típicos de Vivaldi, basado en 7 secciones: tres Solos (S) enmarcados por cuatro Ritornellos (R) cuya alternancia forma la estructura R1 S1 R2 S2 R3 S3 R4.
Los compositores clásicos transformaron la estructura barroca añadiendo características de la forma sonata de tal modo que cada solo tiene la misma función que una sección de la forma sonata: el primer solo (S1) coincide con la exposición, con dos temas contrastantes separados por una transición modulante. El segundo solo (S2) es el desarrollo y el tercero (S3) la recapitulación.
En el siguiente video se puede escuchar el Andante con indicaciones sobre su estructura, tonalidades, cadencias, motivos más importantes, etc.
En el Andante de Mozart los ritornellos R1 y R3 destacan por su brevedad (dos compases) y su material temático contrasta con los temas que expone la flauta. R2 separa a S1 de S2 y representa una repetición en forte de la segunda frase del tema B (CONSECUENTE). El último ritornello retoma los materiales de los 3 ritornellos e incluye la cadenza de concierto que en esta época se improvisaba completamente.
El plan tonal de la pieza sigue la tradición barroca, con una modulación al tono de la dominante (Sol M) en la exposición, modulación pasajera al tono relativo (La menor) al final del desarrollo y retorno al tono principal en la recapitulación. Mozart incorpora innovaciones más típicas de su época como el cambio de modo al inicio del desarrollo junto con un intenso cromatismo, modulación constante y transformación motívico-temática que marca la diferencia con la exposición y la recapitulación.
Compuesta entre 1884 y 1888, la primera sinfonía, Titán, de G. Mahler ( 1860-1911) fue concebida inicialmente como Poema Sinfónico. Dividido en dos partes y con 5 movimientos se transformó, posteriormente, en la sinfonía de 4 movimientos que hoy conocemos.
El primer movimiento, en forma sonata y sin tema contrastante, se inicia con una extensa Introducción lenta. El primer intervalo melódico la-mi representa una especie de leitmotiv que recorre y unifica toda la sinfonía.
En segundo movimiento, siguiendo el esquema de la 9ª Sinfonía de Beethoven, es un Scherzo. El intervalo de cuarta ahora se oye en las cuerdas graves.
El tercer movimiento representa una parodia en la cual el tema popular e inocente FrèreJacques aparece en el contexto de una lenta marcha fúnebre. El intervalo de cuarta, interpretado esta vez por los timbales, tiene carácter de ostinato.
El cuarto movimiento, en forma sonata con numerosas libertades, presenta dos temas contrastantes:
- El primero, rápido y de carácter épico, lo exponen los metales. El segundo, lírico y lento, es introducido por la cuerda.
Análisis del segundo tema:
En este pasaje se observan las siguientes características, todas típicas del estilo romántico:
- La melodía, de carácter sencillo, evita todo tipo de ornamentos evocando al estilo del Lied romántico heredado de la influencia de Schubert y Bruckner.
- Intervalos amplios de 6ª,7ª, 8ª y 9ª.
- Extenso ámbito melódico que abarca más de dos octavas (nota más aguda mib5, nota más grave reb3)
- Las dinámicas contiene todo tipo de matices que abarcan desde el pp inicial al fff final.
- La textura, de melodía acompañada, favorece los registros medios y la melodía interna (cellos en registro agudo y violas).
La estructura del tema representa la fusión entre el equilibrio que ofrece la cuadratura de la estructura períodica nacida en el clasicismo y la expansión de la melodía infinita de influencia wagneriana. Su modelo base es el período de 32 compases (16 compases si consideramos que el verdadero metro es de 4/2) pero con un CONSECUENTE que se extiende y alarga durante nada menos que 14 compases (ampliación interna) generando gran tensión y aplazando la cadencia final.
El tratamiento orquestal es muy variado. La melodía, en la cuerda, aparece doblada parcialmente en dos y tres octavas. Al patrón de acompañamiento formado por cuerda grave y 7 trompas se enriquece con todo tipo de interpolaciones y yuxtaposiciones: pasajes de enlace (maderas), refuerzo armónico al final (metales), etc. ..
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