El título de este post es una pregunta que muchos músicos jóvenes nos hacemos hoy en día. La verdad es que el panorama laboral tradicional dentro de la música clásica se queda estrecho para acoger a todos los músicos que buscan su sitio.
Las vías de siempre se agotan. Cada vez es más difícil conseguir un trabajo en orquesta, o como docente… o más difícil todavía, hacer carrera dando conciertos. Tampoco es fácil dedicarse a la composición o a la dirección. Por otro lado, la música clásica no vive su mejor momento en lo que a audiencia se refiere. Todo ello sumado a la crisis económica, la cual ha dañado fuertemente al sector artístico, nos dan como resultado un panorama laboral complicado y precario.
Sin embargo, lejos de desanimarnos en nuestra carrera, esta situación debe animarnos a darle un nuevo aire a la música clásica. Los músicos jóvenes de hoy tenemos en nuestras manos la capacidad de insuflar aire fresco y nuevo a nuestro sector. De atraer a nuevos públicos, de modernizar todos los protocolos, de llevar la música a todos los que no la conocen y de hacer de este mundo tradicional un mundo nuevo, dinámico y atractivo.
Es un gran momento para emprender. Proponer ideas nuevas, usar toda nuestra creatividad, nuestras ganas y nuestro trabajo duro para conseguir lograr nuestro sueño de vivir de la música. Muchas veces nos quejamos de que falta educación musical, el público de la música clásica es reducido, hay mucho desconocimiento y falta de ayudas. Nosotros que somos jóvenes y tenemos una visión nueva de las cosas tenemos que trabajar para que esto cambie, en vez de sentarnos a esperar, o contribuir a que las cosas sigan igual.
Emprender no es un camino sencillo ni seguro, pero es una gran opción para todo el que no se conforma, para el que quiere ser dueño de su carrera y aportar sus ideas. Ya existen muchos músicos que se han atrevido a dar el paso, y con bastante éxito. Puedes ver algunos ejemplos en este fantástico post de Emusicarte. Las opciones laborales las pones tú.
El mundo laboral del artista está poco regulado en nuestro país. Los artistas que trabajamos como asalariados estamos protegidos por los convenios colectivos, ya que la única normativa estatal que regula nuestra actividad es un Real Decreto de doce artículos.Con este post vamos a acercarnos un poco más a esta normativa para conocer algunos de sus detalles y dar una visión de los derechos que tenemos como trabajadores.
¿A quién afecta esta normativa?: A todos aquellos trabajadores (a excepción de técnicos y auxiliares) que tomen parte en actividades artísticas, desarrolladas directamente ante el público o destinadas a la grabación de cualquier tipo para su difusión entre el mismo.
Sobre menores o extranjeros: Los menores pueden trabajar en espectáculos siempre y cuando no les perjudique física o psicológicamente y sus tutores legales den su consentimiento. También el propio menor tiene que aceptar el contrato. Sobre personal extranjero, se aplican las mismas normas que para cualquier trabajador.
El contrato de trabajo: En el contrato tiene que aparecer la entidad que contrata, el trabajador, la retribución, la duración del contrato y del período de prueba.
Los contrato pueden ser:
Fijos
Temporales: Podrá ser para una o varias actuaciones, por un tiempo cierto, por una temporada o por el tiempo que una obra permanezca en cartel. Podrán acordarse prórrogas.
Derechos y deberes:
Los artistas deben cumplir con la actividad para la que se les contrató.
Los artistas contratados no pueden ser excluidos de ninguna actividad o ensayo.
Si en el contrato consta un pacto de plena dedicación, el artista no puede bajo ningún concepto romperlo. Si lo hace, el empresario tendría derecho a una indemnización.
Retribución: La retribución depende del convenio colectivo, es decir, aunque siempre tiene que respetar el salario mínimo. El pago de horas extra también queda en manos de los convenios colectivos.
Jornada: La jornada comprende las horas de ensayo y de actuación o grabación. No está permitido obligar a los artistas a realizar ensayos gratuitos. La duración de la jornada tiene que respetar el límite de 1800 horas anuales que establece el Estatuto de los Trabajadores. Sin embargo, la duración diaria y la distribución de las horas se establece también en los convenios colectivos. También se regulan los desplazamientos y giras mediante estos convenios.
Descansos y vacaciones: El descanso mínimo semanal es de un día y medio, que no puede coincidir con ninguna actuación. Se puede fraccionar, pero al menos debe hacerse un descanso seguido de 24h. Las fiestas que no se puedan disfrutar porque haya una actuación se pasan a otro día laborable. El artista tiene derecho a 30 días naturales de vacaciones al año. Si no puede disfrutarlos, se le retribuyen en la nómina.
Extinción del contrato: La extinción del contrato tiene que avisarse siempre con antelación. Cuando la duración del contrato sea más de un año, el artista tendrá derecho a una indemnización que se regula por convenio colectivo. Si no, será de siete días por año trabajado.
Los convenios colectivos
Un convenio colectivo es un acuerdo entre sindicatos y patronos de una empresa para establecer salarios, calendario de trabajo y otras condiciones laborales.
El problema con el que nos encontramos los músicos clásicos es que actualmente no existe un convenio específico para nosotros, por lo que nuestras condiciones laborales quedan englobadas en elConvenio para Empresarios de Salas de Fiesta y Músicos. Dentro de este convenio, los músicos quedarían cubiertos por una serie de apartados que no aportan mucha más regularización que el Real Decreto que ya hemos explicado.
Para suplir esta falta de normativa estatal, la mayoría de las orquestas han elaborando su propio convenio colectivo.
Consecuencias de la falta de normativa más exhaustiva
La regularización tan escasa del trabajo de los artistas provoca la proliferación de contratos temporales y la inestabilidad de los artistas en el mundo laboral. A pesar de que los convenios colectivos de las orquestas sinfónicas dan algo de seguridad, hay ámbitos y trabajadores que no quedan cubiertos, como todos aquellos que cubren bajas, realizan conciertos puntuales o se dedican a la música actual. En definitiva, la falta de normativa perjudica a los que no tienen contrato fijo y se dedican a bolos.
En lo que se refiere a las retribuciones y a las condiciones de inestabilidad, las conclusiones del estudio de Ammerman Yebrason bastante concisas:
“La negociación colectiva debería coordinarse para contrarrestar de alguna manera la especial disponibilidad de los artistas, así como su movilidad, la precariedad de su empleo, etc. Los Convenios colectivos deberían garantizar que las remuneraciones pactadas retribuyesen esa especial disponibilidad, así como su cualificación profesional, considerando implícitamente que el riesgo de inactividad procedente de la corta duración del contrato deba ser compensado a través de la remuneración.[…]
Seguramente una regulación más sólida de las condiciones laborales de los músicos evitaría el hecho de que muchos de ellos, al no percibir suficientes ingresos por su actividad artística, necesiten, para subsistir, emplearse en actividades o profesiones complementarias, pues aunque no constituyan para ellos su actividad principal, en términos financieros sí resultan serlo. “
Muchos piensan que la música clásica necesita un buen jarrón de realidad, ver que pierde público y abrirse a nuevas audiencias. Para ello, los nuevos medios y los cambios en los formatos de concierto son claves. Un gran defensor de ello es el joven violinista Ray Chen, que está consiguiendo atraer un nuevo público a la música clásica a través de las redes sociales.
El New York Times le dedicó un artículo en Octubre del año pasado que explica su modo de pensar, de actuar y las razones de su éxito en las redes. Hoy lo traducimos para vosotros.
Publicación: The New York Times
Autor: Xavier Flory
Fecha: 28 de Octubre de 2015
Título original: Giving Classical Music a New-Media Twist
Uno de los cortos más populares del violinista Ray Chen comienza con un vídeo de 1939 de Jascha Heifetz tocando un pasaje infernal de staccato arco abajo. Después la escena se corta y pasa a una del Sr. Chen tocando el mismo pasaje sentado, con arco sujeto entre las rodillas y el violín en paralelo cogido con ambas manos. El vídeo completo, subido en marzo de 2014, justo después de que Chen cumpliera 25 años, tiene una duración de siete segundos.
Imitar a uno de los más grandes violinistas del siglo pasado, aunque sea virtualmente a través de un vídeo, es un acto de bravuconería que sería ridiculizado como espectáculo barato por parte de un talento menor. Sin embargo, el Sr. Chen, músico mundialmente reconocido y premiado, está utilizando los nuevos medios no sólo para atraer a fans, sino también para construir una audiencia más joven para la música clásica.
Lewis Kaplan, profesor de violín en la Escuela Juilliard y un juez en la Queen Elisabeth Competition para músicos jóvenes, dijo que en el momento en que Chen entró en el escenario en 2009, era un claro ganador: “Era un chico musculoso y guapo. En su interpretación del concierto para violín de Tchaikovsky en la fase final, el Sr. Chen hizo un gesto en los pasajes complicados como si tocara sin esfuerzo, sonrió con complicidad al director y, a con 20 años, se llevó el primer premio.”
Desde entonces, el Sr. Chen, que también ganó el Concurso Yehudi Menuhin en 2008, se ha dado a conocer al público de todo el mundo, muchos de ellos sentados delante de sus PCs. Inspirado por la brevedad de los vídeos en Vine, Chen comenzó a crear otros cómicos cortos que se convirtieron en éxitos en Instagram y Facebook.
En uno, en el que grita “Ah, listo para practicar!”, se queda dormido en el momento en que coge la partitura y pone resina a su arco. En otro, su novia se queja de que quiere a su violín más que a ella. “Bueno, al menos hace lo que yo quiero que haga”, responde el Sr. Chen.
Los vídeos no sólo atraen a los “empollones” de la música – a pesar de que al colectivo le encanta – sino también a los internautas casuales. Chen cuenta la historia de una mujer suiza sin ninguna conexión previa con la música clásica, que se encontró con los vídeos y “tuvo que venir a Basilea” para oírlo tocar. Desde entonces, la mujer ha empezado a ir a conciertos de música clásica locales. Otros migran desde su canal de YouTube para escuchar más música clásica, incluso aunque nunca lleguen a ir a un concierto en vivo.
La venta de música clásica – donde las sinfonías de más de 40 minutos y los conciertos tienden a ser la norma – a través de siete segundos de vídeo puede parecer engañoso, o incluso en contra del espíritu de la música clásica, lo que requiere tiempo y concentración, pero Chen piensa que “la música clásica siempre se puede hacer con un poco de más humor “.
En prácticamente todos los conciertos, según nos explica, las personas que lo conocen a través de sus vídeos cómicos se acercan a él: “Mi primer pensamiento es, ¿Se habrán aburrido? ¿Habré estado a la altura de sus expectativas?” Chen les pregunta por la experiencia, y normalmente le responden que no tenían ninguna expectativa en absoluto. Muchos estaban nerviosos por el código de vestimenta . Otros aplaudieron entre movimientos – una violación del protocolo – y fueron reprendidos por sus vecinos de butaca.
Chen está ansioso por tranquilizarlos en medio de lo que él llama la “estrechez” de los conciertos de música clásica. Brahms no era popular en Brisbane, Australia, donde se crió, dijo, por lo que “Realmente quiero entender lo que hace que las personas caigan en el amor con esta maravillosa música.”
Por un lado, le preocupa que los conciertos son demasiado largos: “No todo el mundo quiere una comida de 10 platos, pero por el momento así son todas las ofertas de música clásica.” Y continúa la metáfora de alimentos para hablar acerca de la programación. “Si estuvieras introduciendo a alguien en la comida japonesa, no le dirías que probara el erizo de mar o el pulpo crudo. Primero te lo llevas a un terreno que le resulte familiar.” Él piensa que los directores artísticos deben guiar a los oyentes noveles para que no lleguen a su primer concierto con la esperanza de oír el melodismo de Tchaikovsky y acaben oyendo al “sumamente atonal” Ligeti.
Chen también es accesible en el escenario, transmite las emociones de Tchaikovsky tanto a través de sus expresiones faciales y del cuerpo, balanceándose a través de su sonido.
A pesar de que insiste en que crear un personaje en el escenario es natural, Aaron Rosand, que enseñó a Chen durante cinco años en el Curtis Institute of Music de Filadelfia, lo ve de otro modo. “Los movimientos demostrativos de los músicos actuales son en gran medida un amaneramiento. Heifetz tocaba clavado en el suelo”, dijo. “Algo se pierde cuando se está tratando de montar un espectáculo; el corazón y el alma no están en la música. Odio las expresiones faciales: si estás en agonía, dilo a través de la música “.
[…]
Chen insiste en que no hay nada malo en un músico que se revela en el aspecto interpretación de la música, utiliza los medios sociales para atraer a nuevos públicos o realiza conciertos personales para Giorgio Armani, a cambio de trajes hechos a la medida, siempre y cuando este músico permanezca comprometido con la música. Y hay otros músicos, señala, cuyas imágenes están parcialmente fabricadas: “El equipo de marketing todavía está trabajando.”
El post de hoy es fruto de nuestra colaboración con Josep Molina. Josep es director en la agencia creativa que fundó él mismo hace seis años, Molina Visuals, especializada en Música Clásica. Con su proyecto Music Branding, pretende ayudar a los músicos en el uso y gestión de herramientas de comunicación. Fruto de este trabajo son su libro ADN Artístico: El primer paso para crear una carrera musical de éxitoy su curso especializado Tu web en un día, diseñado para ayudar a los músicos a crear una web funcional y con bajo presupuesto. Sin más preámbulos, os dejamos con el post que Josep ha elaborado para Gran Pausa.
No des ni un solo motivo para que tus visitantes aprieten el temido botón de “volver hacia atrás.” ¡Si alguien ha llegado hasta tu web es que has hecho algo muy bien! Como por ejemplo:
Tocar un concierto excelente y conseguir el interés de la audiencia y de nuevos organizadores.
Poner tu url por todas partes (cd, redes sociales, tarjetas de visita,…)
Optimizar tu web (SEO) para que aparezca rápidamente en Google
Y allí los tienes por fin, queriendo saber más de ti, esperando a ser sorprendidos con tu web y su contenido. ¡Bien hecho! Pero esto es solo la mitad de la batalla.
Ahora lo que buscas es que se QUEDEN en tu web durante más de 5 segundos. Ésta es la barrera que tiene que atravesar para que acaben atendiendo a tu próximo concierto, compren tu nuevo álbum o se subscriban a tu newsletter. Si a este potencial seguidor o profesional de la industria de la música clásica le molesta tu web se va a largar tan rápido como llegó. Y esto es lo que hay que evitar a toda costa.
A continuación os comparto un puñado de errores comunes que puedes evitar e implementar en tu web hoy mismo. Encontrarás estos consejos y muchos mas recursos en el curso online para Hacer tu web en un solo día. (Link al curso)
Autoplay:NO pongas nunca un audio que se reproduzca automáticamente. Algunos usuarios pueden tener el volumen de sus altavoces a tope (y se mueran del susto), o pueden estar en la oficina, o sencillamente puede ser que no quieran escuchar esta pieza en ese preciso instante. Nunca fuerces la música.
Contenido desactualizado: ¿Cuándo fue tu última entrada de blog o tu última noticia? ¿Es de hace 6 meses? ¿Del año pasado? Entonces el visitante sabe seguro que las cosas no te van muy bien, o que has dejado de tocar, o que eres demasiado vago para explicar a tus seguidores lo que haces y por lo tanto, no te importan. Si dejas de actualizar tu sitio, no esperes que los visitantes sigan llegando a tu web. Si no tienes tiempo de estar actualizando un blog o una sección de noticias, o no tienes tantas aún, lo mejor es que no tengas esa sección, siempre podrán seguir tu actividad a través de tus redes sociales.
Descripciones generalistas: “¿Que eres pianista, tocas con mucha pasión y con un sonido único?” ¡Fantástico! ¿el siguiente? Piénsalo bien a la hora de escribir tu biografía o los textos de la web. Necesitas captar la atención de la gente con PALABRAS antes de que empiecen a escuchar tu música. Si no sabes por dónde empezar, el libro ADN Artístico: El primer paso para crear una carrera musical de éxitote va ayudar a saber qué es lo importante y relevante, y sobretodo, qué es lo que le interesa a tu audiencia.
Sin tienda online: Si no das la oportunidad de comprar tu música cuando están visitando tu web, ¿cuándo crees que van a COMPRARLA? Probablemente nunca. Así que no pierdas esta oportunidad. Como mínimo deberías tener los links de tu album a iTunes o Amazon. Es súper fácil.
Enlaces en nuevas pestañas: Si incluyes enlaces a páginas externas, tienes que estar seguro de que se abren en una nueva pestaña o ventana. ¡Si no es así, se van a ir de tu pagina y va a ser difícil que vuelvan! No debes dar ni una razón para que tus visitantes se vayan de tu web.
Videos: Doy por sentado de que dispones de fotos excelentes, pero ¿qué hay de los videos? Tu audiencia te quiere ver tocar antes de tan siquiera considerar si vienen a tu concierto. No solo quieren escucharte, también verte. Esto también es importantísimo para los promotores y managers. Quieren saber qué pueden esperar de ti si te contratan. ¡Esto debería ser parte indispensable de tu currículum! Sin embargo, si hay algo peor que NO tener ningún vídeo, es tener uno malo (malas grabaciones de conciertos, donde apenas se te ve y el audio es malísimo). No quieres ahuyentar a la gente antes de que se puedan interesar por ti, así que cuida este aspecto como si tu carrera dependiese de ello. (Y en parte, así es)
Press Kit: ¡Otro MUST HAVE!. Ese botón para descargar un zip. con toda tu información (biografía, repertorio, reseñas, fotos, links a videos). No lo hagas difícil de encontrar. Este botón debería ser casi omnipresente en tu web. Si no es así puedes perder grandes oportunidades de salir más en los medios.
Calendario: Es la página más visitada de tu web. La mayoría de tu tráfico entra para ver dónde y cuándo tocas. Puedes hacer una pagina del menú dedicada al calendario, pero DEBES hacer un resumen de los 3 próximos conciertos en la home. Encontrar esta información NO DEBE costarle ni un click a tu audiencia. Debe estar presente desde el principio. En el curso te explico paso a paso cómo hacerlo.
Lo complicado es interesante, lo simple FUNCIONA: Una web limpia y simple es símbolo de eficacia. Esto se debe aplicar a a todo: textos, lenguaje, cantidad de información y sobretodo, en la estructura. Si tu web está saturada de información y confunde (aunque sea por 1 segundo) vas a perder visitantes y oportunidades para tu carrera. La gente se queda más en una web y la visita más a menudo si es fácil de entender y encuentra lo que busca rápidamente.
Mantén a tus fans actualizados. ¡En realidad quieren saber qué haces! Ya sea mediante la página de noticias o directamente en las redes sociales:¿Tienes un gran concierto la semana que viene? Publícalo. ¿Tienes una foto preciosa de ti con tus fans? Compártelo. ¿Estás preparando una nueva grabación? Coméntalo. Te desaconsejo totalmente incluir los feeds sociales de Facebook y Twitter en tu web. No hacen más que saturar la página y los visitantes no quieren leer esto en tu web, para esto ya están la paginas oficiales. Eso sí, pónselo fácil para que te encuentren incluyendo los botones a tus redes sociales en un lugar siempre visible.
Los 10 errores mencionados arriba no son más que la consecuencia de un gran error de base: Tener una web demasiado compleja y cara de mantener.
Si decides invertir de 3 a 6 mil euros en una web con un diseño exquisito y único estarás dependiendo de esta persona para cada pequeño cambio que necesites. Pero todo se vuelve mucho mas dinámico y vivo cuando te pasas a una plataforma como Squarespace, donde la posibilidad de entrar en tu web y hacer un par de cambios en 5 minutos es la CLAVE. Si quieres crear tu web con Squarespace y no quieres perder el tiempo aprendiendo cómo funciona, este curso te ayudará. (Link al curso) En él te cojo de la mano para que puedas hacer tu web en tan solo un día. Para que así puedas dedicar tu tiempo a lo que mas quieres, tocar.
ATENCIÓN A TODOS LOS SUSCRIPTORES DE GRAN PAUSA: Si estás interesado en el curso Tu web en un día, ¡estás de enhorabuena! Durante los días 19 y 20 de Marzo podrás disfrutar de un descuento del 20% en tu compra. ¡Suscríbete si aún no lo has hecho y el día 19 de Marzo recibirás en tu email el cupón de descuento!
Cualquier músico sabe que tocar escalas es muy importante. Desde que empezamos a trabajar en la música, nuestros profesores se empeñan en hacernos tocar escalas, escalas y escalas. Desde luego, es un trabajo que puede resultar bastante aburrido para la mayoría, sobre todo frente a la tentadora opción de dejar de lado las escalas y trabajar obras increíbles. Incluso es común que algunos músicos olviden pertinentemente estudiar sus escalas cuando ya no están sometidos al control semanal de su maestro. Así lo confiesa el Dr. Noa Kageyama en su artículo sobre la importancia de las escalas: “Como cualquier estudiante, yo practicaba obedientemente (aunque a regaña dientes) todas mis escalas desde muy temprana edad. Por supuesto, una vez tuve la edad para practicar sin supervisión, con agrado evitétocar escalas tanto como pude. Como tomar vitaminas, sabía que tocar escalas era bueno para mí pero no sabía exactamente por qué.”
¿Qué tienen las escalas que las hace tan esenciales?
Como tomar vitaminas, sabía que tocar escalas era bueno para mí pero no sabía exactamente por qué.
Cuando aún estaba estudiando en grado medio, odiaba tocar escalas. Pero no me quedaba más remedio, porque mi profesor me las controlaba en todas las clases que teníamos. No le importaba que no hubiese estudiado el concierto o la sonata de turno, pero ay de mí como no hubiese preparado al menos una escala. Cuando le decía que tocar escalas me parecía aburrido, él siempre me contestaba igual: Toda la música está formada por escalas y arpegios, si dominas eso, podrás tocar cualquier cosa.Todavía era pequeña, pero más tarde entendí que esa era la clave de la importancia de trabajar las escalas a diario: las escalas son los fundamentos de la música. Es lo más básico que un músico puede tocar. Y dominar la base es determinante en cualquier disciplina.
El Dr. Noa Kageyama ilustra bien esa percepción de dominio de los fundamentos: “La chelista Natalia Gutman […] dió una clase maestra para los chelistas y llegó un momento en el que todos los que estábamos ahí sonreímos y asentimos con la cabeza con admiración. ¿Qué fue lo que hizo? Tocó una escala. […] Cualquiera puede tocar una escala. Pero tocarla con la comodidad y la facilidad que ella demostró, con tal precisión, distribución, control, uniformidad, suavidad del arco y tan orgánicamente, sin mencionar el sonido destellante y puro, los cambios de arco limpios y la afinación…suspiro… Nos dejó sin palabras. Puede que las escalas sean la secuencia más básica que toca un músico, pero observar el dominio de los fundamentos de un gran artista fue algo realmente digno de contemplar. Me di cuenta de que sí; puede que sea capaz de tocar un buen Capricho de Paganini , pero no podría ni siquiera acercarme a esa clase de ejecución en una escala.”
¿En qué nos benefician las escalas?
Son una herramienta perfecta para probar cosas nuevas, estudiar articulaciones, legatos, postura correcta, colores, distintos sonidos… Es un campo de pruebas, el gimnasio de los músicos por así decirlo.Nos permite llegar a límites técnicos que tocando cosas más complejas no podemos alcanzar.
Mejoran la afinación. Con cada tonalidad podemos descubrir una afinación mucho más precisa.
Nos dan mejor conciencia de la armonía y, por tanto, las direcciones de la música.
Nos ahorran tiempo de trabajo con las obras, ya que gracias a su dominio tendremos muchas menos dificultades a la hora de estudiar.
Nos hacen conectar con el instrumento o con la capacidad de nuestras cuerdas vocales. Al ser más sencillas de tocar que una obra o estudio, nos permiten relajarnos y centrarnos en la emisión de sonido.
¿Cómo consigo no aburrirme tocando escalas?
Sólo una palabra: experimenta. El Dr. Noa Kageyama compara las escalas con un laboratorio de pruebas, y para mí no puede estar más acertado. Tocando escalas puedes explorar todos los tipos de sonido que se te ocurran para después aplicarlos a las obras que trabajas.
Haz la escala nota por nota, liga de dos en dos, de tres en tres, de doce en doce… Practica las articulaciones cortas y largas, con distintas formas de ejecución, con distintos ritmos… Combina ligaduras, acentos, matices… todo lo que se te ocurre tiene cabida en el laboratorio de escalas.
¡Ya no tienes excusas para no practicarlas! Domina la base para poder dominar todo lo demás.
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