Lo que pienso cuando dicen que una Orquesta va a desaparecer

Recientemente ha saltado la noticia de que la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria está bajo amenaza de desaparición si la huelga de sus trabajadores no cesa. No es la primera vez que una orquesta española se encuentra en una situación similar. Ya le ocurrió a la Orquesta de Extremadura o a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.

Además de los casos en los que la existencia de estas y otras orquestas se ha visto comprometida, existen muchos otros en los que los trabajadores se han visto amenazados por condiciones laborales precarias.

¿Las razones? Casi siempre, el problema económico. La crisis ha sido el chivo expiatorio de muchos políticos para señalar todo aquello en lo que el dinero se va de manera innecesaria. ¿Y qué hay más innecesario que una orquesta sinfónica? ¿Por qué proveer a los ciudadanos de cultura? ¿Para qué? Mejor deshacerse de toda una plantilla de profesionales, llevarlos al paro, privar al público de una institución cultural de referencia, hacer todavía más pequeñito e insignificante el panorama cultural español…

¿Es real el ahorro económico? ¿Realmente cuánto supone una orquesta dentro del presupuesto anual de una comunidad autónoma? Pongamos el ejemplo de Extremadura. La cultura supone un 1,1% del presupuesto total de 2016 (aproximadamente 56 millones de euros). El presupuesto que una orquesta necesita no llega ni al 2% del que se emplea en cultura, supone por tanto un irrisorio 0’02% del presupuesto total de una comunidad. 

En definitiva, desde la educación hasta los espectáculos en los teatros, España cada vez más ignorante, sus políticos cada vez más “listos”, nos hacen víctimas de una panorama culturalmente precario en el que la profesión de músico se desprestigia cada día más. Adiós al futuro cultural de este país si seguimos por este camino, porque cada vez menos personas querrán dedicarse al arte, menos personas lo conocerán y apreciarán, y seremos una sociedad sin cultura ni principios, ni sensibilidad.

Pero sigamos en ello, mientras intentan destruir orquestas, subir el IVA cultural o eliminar las artes de los temarios escolares, pensemos. Pensemos y miremos en cómo se convierte España en un país ACULTURAL.

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Consejos para músicos viajeros

Traducido de la publicación The Strad

Enlace al original: http://www.thestrad.com/cpt-latests/advice-for-travelling-string-players/#prettyPhoto

Fecha: 6 Septiembre 2016

Título original: Advice for travelling string players

El Dr. Tomás Cotik comparte anécdotas personales y consejos de su vida como violinista viajero.

La mayor parte del tiempo, el día a día de un músico ambulante es sólo un poco menos glamuroso de lo que la gente cree: tomar aviones a horas intempestivas, lidiar con los controles de seguridad en el aeropuerto, transportar el equipaje de un sitio a otro, reservas, alquiler de coches, y – por último pero no menos importante – un instrumento que podría no ajustarse a un clima diferente.

 

Viajando de Miami a otras ciudades de América del Norte en pleno invierno, una de las veces se me soltó una clavija y se deslizó en medio del Rondo de Schubert en si menor. Era imposible seguir tocando la pieza con tres cuerdas, y tuve que parar para arreglarlo. Al día siguiente, empecé una misión: evitar que este tipo de incidentes me volvieran a ocurrir.

Me gustaría compartir algunos aparatos y consejos que he descubierto y que me han ayudado a hacer frente a los cambios de tiempo ¡y también han mejorado otros aspectos de la experiencia de viaje!

Proteger el instrumento

La funda

Es imprescindible contar con un estuche ligero, resistente y que proteja bien contra los cambios de clima. Hay marcas que ofrecen tratamientos de aislamiento adicionales para reducir los cambios de temperatura. Es muy útil tener un hidrómetro para controlar la humedad dentro de la funda. Si el clima es muy seco, dejo el violín dentro cuando no estoy tocando o incluso cuando tomo un descanso corto. También dejo al funda cerrada una vez que he terminado de tocar con el fin de conservar la humedad en el interior. Usar un cubre-fundas es casi imprescindible cuando viajas a lugares muy fríos para proteger el instrumento y el arco de los cambios bruscos de temperatura.

Humidificadores

Hay muchos tipos diferentes de humidificadores. Éste está unido a cierres dentro de la funda y tiene una gran capacidad.

Humidifier
Si el clima es muy seco, pongo un humidificador en cada efe. Los quito cuando tengo conciertos, ya que pueden afectar al sonido produciendo vibración.

Estos tubos [que veis en la foto de debajo] están hechos de un tejido que permite que la humedad se escape sin que el exterior del tubo se moje. Si los llenas con agua destilada, se convierte en un gel una vez que se mezcla con las sales que están en los tubos. ¡A mi me han servido de mucho!

Tubes

Deslizamiento de las clavijas

Una de las soluciones más eficaces que he encontrado para clavijas es este compuesto PEG líquido. Sacas cada espiga un poco y aplicas una gota de cada uno. Casi puede solucionar el problema inmediatamente.

PegSolution

El uso de tiza para clavijas es un método tradicional. Puede ayudar, pero en mi experiencia por lo general causa el problema opuesto, y entonces es difícil afinar el instrumento con precisión. Yo prefiero usar el compuesto PEG líquido.

Si tengo el problema opuesto – que la clavija esté demasiado rígida y difícil de girar – la “barra de labios” PEG puede ayudar. Lubrica y permite que la clavija gire más suavemente. Por supuesto, hay que usarla con moderación.

Comodidad personal

Vamos a hablar de los aspectos más mundanos del viaje.

Almohada para cuello

Tengo la suerte de que muchas veces me quedo dormido antes de que el avión despegue. Aun así, una buena almohada ayuda a mantener la cabeza y permite que sueltes el cuello.

Pedal y tablet para leer partituras

El uso de una tablet y unos pedales para leer música ha eliminado la molestia de llevar grandes cantidades de partituras. La organización y el archivo es mucho más fácil, y siempre tengo la pieza que necesito cuando viajo. Hago copias de seguridad de mis partituras con Dropbox, por lo que en el peor de los casos, es posible recuperarlo todo. También se puede descargar de forma rápida piezas en línea de IMSLP si es necesario.

Pedal

Cargador portátil

El cargador portátil se ha convertido en indispensable para mí. Durante el viaje, necesito mi teléfono y la tableta para muchas cosas. Almacenan las direcciones de mi destino, así como mis tarjetas de embarque, reservas de hotel, y la información de contacto. Si el teléfono se queda sin batería, estoy literalmente perdido. Una ventaja adicional de este cargador es que se carga el dispositivo en una fracción de tiempo del enchufe estándar. Uno de los problemas más comunes del uso de una tablet para leer música es que también puede quedarse sin batería. En esta situación, el cargador portátil también salva el día. Incluso he realizado conciertos mientras se carga mi tablet.

Tarjeta Global Entry

La tarjeta de entrada mundial me ha salvado muchas horas haciendo cola de pie. Cuesta alrededor de $100 y tardas más o menos una hora para hacer el papeleo, pero marca una gran diferencia cuando te puedes saltar las largas colas de seguridad en el aeropuerto y te dirigen a las líneas de TSA pre-aprobados. No hay necesidad de quitarse los zapatos o chaquetas, y las computadoras por lo general pueden permanecer en la bolsa. Cuando vayas a los EE.UU. desde un país extranjero, también se puede ir en una cola separada, más rápida.

Viajar ligero

Me gusta viajar ligero. El uso de una maleta ligera con cuatro ruedas ha ayudado mucho. Con una correa que se adapta a la maleta, por lo general adjunto el violín con el equipaje. No necesito tener nada en mi hombro o sostener cualquier peso. También libera las manos.

SuitcaseWheelsBagStrap

Auriculares cancela-ruidos

¡Los auriculares con cancelación de ruido realmente valen la pena si viajas mucho! Se puede dormir, ver una película, escuchar música, o simplemente aislarse por un momento ¡o durante todo el vuelo!

Bonus track!

Además de los consejos que escribió para The Strad, el Dr Tomas Cotik contactó con nosotros para que añadiéramos estos nuevos descubrimientos:

Humiditrak

Un aparato de alta tecnología que aún no he probado. Se coloca dentro del estuche e informa a través de un App de la temperatura, humedad y hasta de impactos que pueden afectar al instrumento.

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Reducir el equipaje

Hace poco también descubrí este dispositivo en campañas de Kickstarter e Indiegogo. Aún no salió al mercado, pero prometen que este sistema automático de compresor al vacío podrá reducir el volumen de la ropa en un 50% y se recargara con el mismo cable que los teléfonos móviles. Esto ayudara a empacar sobre todo hacia el final de una gira cuando el contenido de las maletas por lo general está un tanto más desordenado o se nos ocurre traer algún regalo para la familia.

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Ropa interior de última generación

Otro nuevo producto que no he probado pero que apareció recientemente en Kickstarter es una ropa interior especial para viajeros. SilverAir, promete que con fibra de plata, las prendas permanecen frescas, regulando la temperatura, eliminando bacterias, y que con su ‘smartgrip’ permanecerá en su sitio. ¡Prueben ustedes primero!

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Desgranando las audiciones

Como músicos, todos conocemos cómo es el proceso de las audiciones. Algunos porque lo hemos vivido (o sufrido) de primera mano, otros simplemente a través de nuestros compañeros y amigos. Mucho se está hablando, sobre todo en los últimos años, sobre este proceso. Ante los cambios en el panorama cultural, muchos profesionales se cuestionan si realmente el sistema por el que se rigen las audiciones es el idóneo. Hoy nos hemos propuesto desgranarlo, estudiar distintas opiniones y casos para hacernos un mapa de lo que son las audiciones, qué significan para los músicos y cómo pueden cambiar.

Orígenes

La historia de las audiciones ha ido ligada a la historia de la propia orquesta como formación. A medida que las orquestas se fueron profesionalizando, instaurando como formaciones, con una jerarquía laboral y una autogestión, las audiciones fueron acercándose a lo que son hoy en día.

El cambio más importante y significativo para el proceso de audicionar se introdujo con las audiciones a ciegas o tras cortina aproximadamente en los 60-70. Este cambio logró que las mujeres o las personas de otras razas pudieran obtener puestos de trabajo en orquestas de renombre. En los años 70, sólo el 10% de las plantillas orquestales eran mujeres. En los 90, este porcentaje subió al 35%.

Lee más sobre las mujeres en las orquestas en nuestro post.

El sistema de audiciones: opiniones encontradas

Todos conocemos su funcionamiento, que se suele dividir en fases: preselección por CV, concierto clásico, pasajes orquestales y a veces, también se interpreta un concierto romántico. En resumen, un proceso que pasa rápido, pero que requiere mucho estudio y trabajo previo, viajes e incluso pianista acompañante a cuenta de los participantes, nervios, competencia… etc.

Críticas

Este sistema recibe muchas críticas por partes de aspirantes y tribunales. Reúno aquí algunas de las que he encontrado en blogs y revistas:

  • Constriñe el desarrollo musical de los aspirantes. Al conducir a la gente a trabajar hacia un nivel de perfección técnica muy alto, hace que sea imposible que puedan desarrollar su conocimiento del repertorio y su conocimiento de estilos y contexto histórico.
  • El que mejor toca en una audición no es el que mejor toca en orquesta.
  • El que haya una cortina no implica que la audición vaya a ser limpia. ¿Protege la cortina al aspirante o al tribunal?
  • En la audición no se conocen las aptitudes orquestales de los aspirantes: sincronización con la sección, capacidad de escucha, equilibrio de volumen, seguir a un director/solista, ser un compañero inspirador… Para ello, después del duro proceso de audicionar se suele someter a los aspirantes a períodos de prueba.
  • Falta de organización: los aspirantes son citados a la misma hora, sean 15 o 50. Las salas de calentamiento no suelen ser indiviuales.
  • El tiempo con el que cuentan los candidatos es muy breve, apenas unos minutos.  No se da oportunidad a calmar los nervios. En este punto coincido especialmente y me permito contar una experiencia personal: en la primera fase de una audición en la que estábamos unos 35 candidatos, la organización iba apuntado en una pizarra el tiempo que cada aspirante permanecía dentro de la sala. ¡El que más estuvo lo hizo por poco más de 2 minutos!
  • Exige presentarse con un nivel de excelencia muy alto.
  • Es un proceso duro para los aspirantes, tanto física como psicológicamente.
  • Es posible que perdamos a un buen candidato solo porque tenga un mal día.

Sin embargo, también hay puntos positivos de los que hablar:

  • Es justo, desde el punto de vista en que gracias a la cortina no se hacen distinciones de raza, género o edad.
  • Es un enfoque que empuja a los músicos a salir del “invernadero” del Conservatorio, a mejorar técnica y musicalmente y a enfrentarse y conocer a otros músicos.
  • Se da al mejor candidato la oportunidad de ganar.
  • Normalmente, se piden distintos estilos y compositores, que hacen que el candidato con mejor capacidad de respuesta destaque.
  • Las pruebas que incluyen lectura a primera vista incluyen una variable muy importante en el trabajo orquestal.

Estos son los artículos que he investigado para sacar estas críticas y puntos positivos:

 

Cruel and inusual, it’s time to change the audition system. Kenneth Wood
La cláusula de abandono. Beckmesser

 

Audiciones de orquesta, ¿son justas?. Socialmusik

 

The Strad panel discussion: surviving orchestral auditions. The Strad

El impacto del sistema en los que participan

Lo primero que aprendí cuando me decidí a hacer audiciones es que hay que separarse emocionalmente del proceso. Son muchas horas de preparación, de estudio, concienciación. Un viaje de unas cuantas horas, noche de hotel, ponerse a calentar sin saber muy bien cuándo vas a entrar… Todo para tocar un par de pasajes y volver a casa con las mismas. No es agradable para nadie, y tampoco es fácil no sentirse mal después de cada “fracaso”.

Los críticos del sistema señalan como principal fallo del proceso el impacto que éste tiene sobre los músicos. Entre las consecuencias:

  • Pérdida de autoconfianza
  • Se realiza un esfuerzo sin una recompensa en el futuro próximo
  • Se les somete a una gran presión
  • Deshumaniza la selección de candidatos
  • Provoca el abandono de muchos músicos

Algunas propuestas de cambio

Si bien es difícil hacer un proceso totalmente justo para elegir a un músico de orquesta, sí que es posible hacer evolucionar en algunos sentidos el proceso. Aquí algunas propuestas:

  • Citar a los candidatos con horarios distintos, para que cada uno tenga su propio tiempo de calentamiento, no tenga que estar esperando durante horas. Esto ya se hace en algunas orquestas y funciona
  • Dar a todos los candidatos el mismo tiempo. Sería lo más justo, ya que todos tienen que preparar el mismo repertorio, que puedan tocarlo al completo. En el caso de los conciertos, como se hace ya en algunos casos, se podría limitar hasta la exposición, para aligerar el tiempo.
  • Sentar bien las bases y el proceso antes de llevar a cabo las audiciones.
  • Tomarse el tiempo necesario para llevar a cabo las audiciones, prevenir según el número de candidatos si hay que convocar en varios días, para evitar prisas y recortes del tiempo de audición.
  • Realizar una entrevista personal en alguna de las fases. Esto se hace en cualquier proceso de contratación laboral, y es extraño que no ocurra en el mundo de la música. Algunas empresas incluso realizan exámenes psicotécnicos que ayudan a conocer mejor al candidato. Humanizaría más el proceso, un poco de conversación relajaría a más de un candidato.
  • Ampliar el tipo de pruebas a los que se somete a los candidatos. Una de las razones de la gran presión que sufren los músicos en las audiciones es que en tres-cuatro minutos tienen que demostrar lo mucho que han trabajo y sus virtudes como músico. En algunas webs que he leído investigando sobre el tema, se compara el proceso de audiciones con el de oposiciones. Para mí es muy distinto: el opositor tiene distintos tipos de evaluación: méritos, examen teórico, práctico, y presentación ante el tribunal. Es cierto que incluir más pruebas haría el proceso más largo, cosa que muchas orquestas y tribunales descartarían. Sin embargo, hay que tener en cuenta que se trata de encontrar a un candidato idóneo, a al persona que va a formar parte de nuestra orquesta por un tiempo, o incluso de forma indefinida, ¡merece la pena gastar tiempo en conocer y elegir bien a los candidatos! Algunas pruebas que se podrían incluir:
    • Tocar en conjunto con otros miembros de la orquesta (tipo cuarteto, quinteto).
    • Como ya se ha dicho, entrevista personal.
    • Puntuación por méritos académicos/experiencia laboral.
    • Tocar en conjunto los pasajes con otros candidatos, bajo la dirección del director.

 

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Música clásica: ¿Música anticuada o músicos anticuados?

La visión que se tiene del mundo de la música clásica, y especialmente de sus conciertos como acto de entretenimiento, es bastante clara y definida. Especialmente entre el público joven. En un estudio realizado por Bonita M. Kolb y oportunamente titulado ¿A esto le llamas diversión?, cuando se les preguntó a los jóvenes por sus gustos musicales, ninguno de ellos tuvo en cuenta el género clásico. Lo definieron como música de fondo, un género sin ninguna relevancia en sus vidas.

Para definir a la audiencia de los conciertos clásicos utilizaron adjetivos como viejos, de clase alta, con alto nivel cultural y con unos conocimientos especiales que les permiten entender la música clásica. Como si de un poder mágico se tratara, de un estatus inalcanzable para cualquier persona de a pie.

Como parte del estudio, se llevó a ese mismo grupo de jóvenes a un concierto de música clásica, del cual opinaron que:

  • Era demasiado largo
  • Todo el repertorio se parecía
  • La audiencia que les rodeaba era de generaciones más mayores, lo cual les hacía sentirse fuera de lugar
  • La vestimenta de los músicos era de funeral: echan de menos color en el vestuario, aunque vayan elegantes o uniformados
  • Era aburrido porque no tenía ningún elemento visual que acompañara a la música
  • Pensaban que debían vestirse formalmente, y se sorprendieron al ver que no era necesario
  • No había comunicación entre los músicos o el director con el público
  • Se sintieron incómodos por los protocolos en torno al aplauso
  • Echaron de menos alguna información sobre las obras que no fuera el programa de mano

A pesar de estas apreciaciones negativas, los jóvenes estudiantes que participaron en el estudio dijeron que la música clásica en sí les había sorprendido positivamente. Reconocieron algunas piezas porque se utilizaban en anuncios, tv o cine, y se sorprendieron de que piezas, como por ejemplo Sibelius, se consideraran música clásica.

En general, la imagen que tenían de los conciertos de música clásica se les confirmó en cierta parte, sin embargo, muchos declararon que la música en sí les resultó atractiva y que, con las mejoras pertinentes, asistirían a más conciertos.

Estamos entonces ante una imagen de los conciertos clásicos y de la música clásica muy rígida, protocolaria y anticuada. Esta imagen se ve reforzada en las salas de concierto, que no resultan nada atractivas a los jóvenes. La sala de concierto se percibe como un espacio reservado para un público muy concreto, una pequeña esfera de entendidos en el que cualquier intruso se siente fuera de lugar. Está en nuestra mano cambiar esa imagen y evolucionar para adaptarnos a las necesidades de la sociedad.

Como vemos en los estudios que se realizan, no es el público el más reticente a que estos protocolos cambien en los conciertos, sino los propios músicos. Como dice Serra en su artículo Juventud y Música “En un reciente estudio realizado precisamente entre los asistentes a los conciertos de El Teatre Instrumental se daba la curiosa circunstancia de que los más reacios a aceptar el nuevo formato de sus actuaciones eran precisamente otros músicos que asistían como oyentes. En cambio, muchos aficionados a la música clásica de toda la vida hablaban de aire fresco y de haber experimentado nuevas emociones, y la mayoría de los que acudían por primera vez opinaban que con este tipo de conciertos habían descubierto lo maravillosa que podía ser la música clásica. ¿A quién hay que educar de otra manera, al público o a los músicos y programadores?”

La pelota está en el tejado de los músicos y las instituciones culturales. Es nuestro papel acercar la música a todo tipo de público, demostrar que se puede disfrutar de ella al margen de la edad o de los conocimientos que se tengan. La música es un arte vivo, y los músicos somos el museo que puede conectar todas las obras maestras con el público. Es hora de emprender nuevas formas de concierto y de salir de nuestro encerramiento.

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Cómo utilizar la práctica aleatoria para mejorar el aprendizaje a largo plazo

Publicación: The Strad

http://www.thestrad.com/cpt-latests/how-to-use-random-practice-to-help-long-term-learning/

Autor: Christine Carter

Fecha: 7 de Julio de 2016

Título original: How to use random practice to help long-term learning

“Estudiar no debe ser aburrido. Con las técnicas extraídas de la psicología del deporte se puede retener más de lo que se aprende”, dice la experta en psicología del músico Christine Carter.

Aunque un horario de práctica estricto (trabajando en una tarea hasta que acaba, y luego pasando a la siguiente) es intuitivo y conduce a mejoras inmediatas en la sala de estudio, no es la estrategia más eficaz para el aprendizaje a largo plazo. Muchos músicos han experimentado la frustración de estudiar mucho durante todo un día y volver al día siguiente sólo para darse cuenta de que lo trabajado no se recuerda. Estudio tras estudio se ha demostrado que la técnica más eficaz para la retención a largo plazo es la práctica aleatoria. Ello permite tomar las sesiones de estudio más largas y romperlas en tramos más pequeños y periódicos.

Veamos el ejemplo de la natación. La hora se puede dividir, poniendo al nadador cinco minutos braceando A, B y C, volviendo a repetir las mismas brazadas cuatro veces (ABC, ABC, ABC, ABC). El nadador también podría pasar dos minutos en cada una de las tres brazadas, volviendo a cada una diez veces. El resultado neto de estas alternativas es quer todavía quedan 20 minutos para practicar cada brazada, pero con mucha más variedad. Mientras que un cierto orden aleatorio puede ser similar a ACB, CAB, BAC, CBA, una secuencia repetitiva se utiliza a menudo en el deporte para prevenir que la misma tarea aparezca dos veces en la serie, lo que sin querer crea un bloque más largo.

Entonces, ¿cómo puedes aplicar la práctica aleatoria a tu estudio?

En lugar de pasar períodos largos e ininterrumpidos de tiempo con cada fragmento o sección de una pieza, escoge algunos pasajes que te gustaría trabajar y alterna entre ellos. Si quieres pasar un total de 20 minutos en un fragmento en particular, estudia en segmentos más cortos, volviendo continuamente a ese pasaje hasta que hayas alcanzado tu meta de 20 minutos.

Experimenta con períodos de tiempo. Si estás estudiando extractos muy cortos, deberías ser capaz de alternar entre ellos a un ritmo más rápido de lo que necesitarías practicando secciones más largas. Se puede usar un reloj de alarma para medir los intervalos de tiempo, o tomar un enfoque más libre con el tiempo de cada sesión.

Esta programación del estudio también se puede aplicar a la técnica. Muchos músicos completan todas sus escalas y ejercicios técnicos al comienzo de sus sesiones de estudio, y a menudo en el mismo orden. Puedes cambiar entre estos ejercicios técnicos y también intercalarlos con tu trabajo de repertorio. Un ejemplo de una sesión de entrenamiento de una hora podría ser algo como esto (repite esta secuencia de 20 minutos hasta que rellenes una hora de estudio):

DuraciónEjercicio/Pasaje
2Notas largas, escala, notas largas, escala
6Exposición de concierto
2Dobles cuerda, arpegios, dobles cuerdas, arpegios
5Pasaje 1
5Pasaje 2

Las permutaciones son infinitas y la división exacta de tiempo no es lo importante. Lo que es crucial es que te mantengas concentrado variando el material. Esto es más difícil, por supuesto, porque te ves obligado a reiniciar distintas piezas, recuperando secuencias de comandos mentales para la tarea en cuestión. Pero es precisamente esto lo que produce buenos resultados a largo plazo. Además de los aumentos de aprendizaje a largo plazo, tu mente permanece más comprometida y el tiempo parece volar mucho más rápido. Debido a los cortos segmentos de práctica individual, también te ves obligado a centrarte en los objetivos. Cuando sabemos que sólo tenemos 3 minutos para lograr algo, somos más propensos a hacer buen uso de esos minutos.

Hay ocasiones, sin embargo, en las que un estudio más estructurado es útil. Cuando te preparas para un concierto o audición, por ejemplo, pasar todo el programa crítico en las semanas previas al concierto. Puedes seguir utilizando horarios de práctica al azar para resolver cualquier pasaje problemático, pero estas sesiones pueden equilibrarse con simulacros de concierto en el que lo pases todo del tirón.

 

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