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El desarrollo de la creatividad en el estudio técnico

La creatividad es un proceso constructivo que puede aplicarse a cualquier dimensión del aprendizaje musical. A menudo, cuando hablamos de creatividad y música, pensamos en la creatividad aplicada a la interpretación o la creación. Sin embargo, también puede aplicarse la creatividad en el estudio técnico.

La función de la técnica tiene otras dimensiones que podemos trabajar y estimular en el alumno. Pensando en la técnica como vehículo, y no como fin, podemos aleccionar al alumno para que la use en función de las necesidades expresivas. Del mismo modo, el área técnica es un momento de experimentación, de probar nuevas cosas con el fin de que el alumno participe en el propio aprendizaje técnico del instrumento.

¿Qué es la creatividad y el pensamiento creativo?

Si pensamos en la definición de creatividad, nos encontramos diversos autores y respuestas desde muy distintos puntos de vista (psicológico, intelectual…etc.). Sin embargo, todas estas definiciones suelen tener algo en común: originalidad, fluidez, novedad… Se trata de tomar una experiencia o emoción ya conocida y transformarla en algo nuevo. Se trata de dar nuevas respuestas a antiguos problemas.

Es en el aspecto técnico en que el profesor puede estimular mejor al alumno, planteándole un problema al que debe poner una solución creativa: hablamos de lo que los teóricos llaman pensamiento creativo.

Aplicar la técnica de manera creativa

Si la música es una combinación de ciencia y arte, la técnica es la parte más “científica” en cuanto a tocar un instrumento se refiere. La técnica es el medio que usa el instrumentista para expresar a través de su interpretación.

En este sentido, es el profesor el que debe darle al alumno las herramientas para aplicar sus conocimientos técnicos a sus ideas musicales. Si el alumno se limita a imitar las directrices técnicas en cada partitura que afronta, no desarrollará su imaginación, y por tanto, sus capacidades técnicas serán mucho menores.

Si aplicamos las fases de cualquier proceso creativo, podemos guiarnos para aplicar la técnica de manera creativa:

  • Observar de manera analítica dónde está el problema en la interpretación. Mediante una serie de preguntas, podemos ayudar a identificar el problema.
    • ¿Se trata de un fallo técnico?
    • ¿La frase no es suficientemente expresiva?
    • ¿Suena fuera del estilo?
  • Definir el problema: Una vez identificado, se debe enunciar exactamente qué es lo que se necesita mejorar, de manera clara y concisa.
  • Proponer distintas soluciones: Es en este momento en que el profesor insta la capacidad creativa del alumno. Desde el punto de vista técnico, el alumno debe proponer distintas soluciones, por ejemplo:
    • Cambiar las articulaciones o golpes de arco
    • Cambiar una digitación que le resulte incómoda
    • Modificar las ligaduras
  • Valorar las soluciones propuestas, y promover que el alumno escoja la más afín a su idea musical, siempre con la ayuda del criterio del profesor.

La técnica como medio experimental

El mejor laboratorio de pruebas para un músico se encuentra en la base de su instrumento: las escalas, los arpegios y los ejercicios técnicos. Un plan de trabajo a priori aburrido o rutinario puede convertirse en un entorno de pruebas gracias al uso de la creatividad.

Como muchos teóricos apuntan, la creatividad y el aprendizaje sólo pueden tener lugar cuando la emoción entra en juego. Sin embargo, es común que separemos la técnica más pura del elemento emotivo, haciendo que el alumno odie el momento de estudiar escalas, arpegios o ejercicios básicos para su aprendizaje.

Sin embargo, el estudio de la técnica debe ser un medio experimental, en el que el alumno tiene que sentirse libre de probar todo aquello que pase por su mente, siempre dentro de unos estándares. Para ello, el profesor siempre debe ser el guía que proponga al alumno algo sobre lo que trabajar. Al igual que se trabaja en la improvisación, podemos decir que en el trabajo técnico, la escala es la “consigna” que el profesor da. A partir de ella, el alumno puede proponer distintos patrones rítmicos, golpes de arco o digitaciones.

Educar al alumno en la detección y solución de problemas

El estudio de la técnica es el mejor campo en el que un alumno puede aprender a detectar y solucionar problemas de manera creativa. A menudo, nos encontramos con alumnos avanzados que son incapaces de auto-evaluarse y entender qué está fallando en su manejo técnico.

Desde la correcta afinación, hasta la ejecución de las mayores dificultades técnicas, el alumno debe aprender a detectar el error y a darle solución. Haciendo uso de un método deductivo-activo, el profesor ayudará al alumno a analizar los problemas desde lo más general hasta el detalle, para que poco a poco él mismo sea capaz de identificar el fallo. Una vez detectado el error, el profesor debe proveer al alumno de una serie de técnicas de estudio, siempre dejando la puerta abierta a las propuestas del alumno, para construir entre ambos una solución creativa.

Cuanto más se trabaje de este modo, más fluido será el aprendizaje creativo de la técnica. El alumno será progresivamente capaz de detectar el error y corregirlo usando las técnicas del profesor y las suyas propias.

 

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¿Cómo elegir el repertorio para tus alumnos?

El panel de expertos de The Strad responde a preguntas de los lectores. En este caso, se centran en hablar sobre la elección de repertorio para sus alumnos.

Bruno Giuranna

En cierto momento de sus estudios, se debe ayudar a los estudiantes a comprender, escuchar y sentir lo que significa “tocar realmente bien“. Esto no es del todo obvio o fácil, y el proceso puede llevar tiempo. Es posible intentarlo primero con una pieza o estudio simple, o tal vez con un conjunto de notas que resulte fácil. Después de eso, el profesor debe aumentar el nivel de dificultad del repertorio del alumno, manteniendo siempre esa calidad. Esto debe hacerse gradualmente, con gran tacto, y sin el temor de volver a obras poco exigentes si se pierde el nivel deseado.

Boris Kuschnir

Es importante establecer el propósito para el que se asigna el repertorio. En el caso de la preparación para una concurso, una actuación en solitario o con orquesta, o un recital; el repertorio debe elegirse para despertar el máximo interés y efecto en la audiencia en cuestión, y se deben tener en cuenta las fortalezas del alumno. Si el objetivo es desarrollar aspectos específicos del aprendizaje, el profesor debe seleccionar el repertorio con la misma precisión con que un buen médico prescribe un medicamento para su paciente. La elección correcta del repertorio es esencial para el desarrollo técnico de un músico, y aún más para ayudarlo a convertirse en un músico completo.

Jeff Bradetich

Establece una lista de repertorio que enseñe música y técnica en varios niveles diferentes. Cuando el estudiante alcance un nivel particular, dale tres opciones para escuchar. La pieza que más le interese será la elección correcta. La verdad es que el alumno aprenderá más a fondo y rápidamente si está más comprometido, a pesar de que empleemos nuestros mejores esfuerzos para enseñarles “lo que necesitan saber”. No es saludable dictaminar siempre en qué debería trabajar el alumno. Es más importante desarrollar su capacidad de pensar por sí mismo y que explore lo que el mundo tiene que ofrecerle.

Mimi Zweig

Hay secuencias de repertorio que se pueden presentar a los estudiantes para facilitar el crecimiento musical y técnico. Me parece que si preparo las bases en cada nivel, revisando e incorporando los ejercicios de los niveles anteriores, los estudiantes podrán absorber fácilmente el nuevo repertorio. Hago que mis alumnos preparen piezas en tres niveles al mismo tiempo. El primero está por debajo del nivel del estudiante, como una pieza de “repaso” que, cuando se estudie, se hará bien y ayudará a mantener alto el nivel de confianza del alumno. El segundo es en el nivel del estudiante, donde aprender la nueva pieza le permite sentirse bien porque los desafíos son alcanzables. El tercero está por encima del nivel del estudiante, para mantener al estudiante en activo (ego intacto) y asegurarse de que saben que siempre hay nuevas tareas que dominar.

Bonnie Hampton

La música debe ser de buena calidad, pero es importante no saltar a grandes obras maestras hasta que un estudiante esté listo. Por ejemplo, las notas de la Sonata de Brahms en E minor (violín) no son tan difíciles, pero escuchar a un joven estudiante tocarla antes de que esté listo y pueda experimentar el impacto emocional de la música le está robando el alegre descubrimiento musical que le aguarda cuando esté listo. Por supuesto, todos estábamos ansiosos por interpretar esas obras maravillosas, pero deben ser respetadas y trabajarse correctamente.

Sobre los expertos…

Jeff Bradetich es profesor de contrabajo en University of North Texas College of Music.

Bruno Giuranna enseña viola en Fondazione Stauffer en Cremona, Conservatorio della Svizzera Italiana en Lugano y la University of Limerick en Irlanda.

Bonnie Hampton trabaja en la Juilliard School, enseñando cello en los departamento de college y pre-college.

Boris Kuschnir es profesor de violín en Vienna Conservatoire y en University of Music en Graz.

Mimi Zweig es profesor de violín y viola y director de Pre-College Strings en Jacobs School of Music, Indiana University de Bloomington.

 

Traducido de la publicación The Strad

Enlace al original: https://www.thestrad.com/how-do-you-choose-instrumental-repertoire-for-a-student/2866.article

Fecha: 15 Junio 2017

Título original: How do you choose instrumental repertoire for a student?

 

 

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¿Qué factores influyen en una buena lectura a primera vista?

La lectura a primera vista o repentización es una práctica útil tanto como necesaria. Una vez que un músico aprende a leer partituras, adquirir rapidez y eficacia es una tarea en la que la lectura a primera vista toma un papel principal.

Son muchos los músicos que se sienten cohibidos ante una situación en la que tienen que tocar una partitura que nunca antes han visto u oído. La lectura a primera vista se convierte entonces en un hándicap. Un obstáculo que hay que superar para ganar confianza y mejorar una de nuestras capacidades más valiosas como profesionales: la lectura e interpretación de partituras.

Para mejorar nuestra facultad lectora es necesario un trabajo previo. Ya sea con ayuda del profesor, o por nuestra cuenta, habrá una serie de factores que tendremos que trabajar.

La percepción ocular

La lectura a primera vista está compuesta por varias fases. La primera de ellas es la percepción visual de la música. La manera en que movemos el ojo por la partitura y el tiempo en que fijamos la vista en cada tramo es determinante. La percepción ocular estará muy influenciada por el aspecto visual de la partitura: que las notas estén correctamente agrupadas y distribuidas por el pentagrama, que la impresión sea nítida…etc.

El movimiento ocular durante la lectura de partituras ha sido ampliamente estudiado, especialmente en pianistas. A raíz de estos estudios, sabemos que hay varios factores que ralentizan la percepción:

  • No anticipar la lectura
  • Llevar la vista al instrumento en lugar de mantenerla en la partitura
  • Realizar fijaciones regresivas, es decir, volver atrás en la partitura
  • La lectura polifónica
  • La complejidad de la partitura

La mirada debe ir de izquierda a derecha. Será diagonal cuando la partitura sea polifónica. Y sobre todo, no debe desviarse hacia el instrumento. Perder el contacto visual con la partitura ralentizará nuestra primera vista. El movimiento ocular es algo que puede y debe ser entrenado.

Los conocimientos previos y la memoria

Si la primera fase de la lectura a primera vista es la percepción, la segunda es el reconocimiento de lo percibido. Sin conocimientos previos no hay posibilidad de una lectura a primera vista correcta. Y aunque parezca algo obvio, no lo es tanto. A menudo, un músico puede presentar ciertas carencias en su base en cuanto a lenguaje musical se refiere. Esto tiene consecuencias en muchas áreas de su interpretación, pero especialmente en la lectura primera vista.

Cuando trabajamos con música, ya sea leyendo partituras o escuchando, activamos nuestra memoria por medio del reconocimiento de “patrones”. Estos patrones los hemos aprendido previamente, y tienen que ver tanto con el sonido como con su representación. Por ejemplo, patrones interválicos (escalas o arpegios), patrones rítmicos (síncopa), patrones dinámicos (crescendos en figuraciones que suben), patrones armónicos (I-IV-V-I)… Son convencionalismos musicales que primero aprendemos y luego interiorizamos para que, cuando aparezcan, seamos capaces de reconocerlos.

Si no tenemos estos patrones bien asentados en nuestra memoria, es muy probable que nuestra lectura a primera vista sea más lenta o dé lugar a errores. Por ello, el primer factor a trabajar serán los patrones musicales básicos. De esta forma, los reconoceremos de manera rápida y sencilla.

 

El rango ojo-mano

Se le llama rango ojo-mano a la relación que hay entre el punto de fijación del ojo en la partitura y la ejecución motora del movimiento con el instrumento. Seguramente habrás oído decir a tu profesor que, cuando lees a primera vista, es bueno leer siempre un par de compases por delante de lo que tocas. Anticipar la vista al movimiento.

La anticipación es uno de los factores más importantes a la hora de realizar una buena lectura a primera vista. Cuanto mayor sea el rango ojo-mano, mejor y más fluida será la lectura a primera vista. Esa separación entre la lectura y la interpretación se puede trabajar y desarrollar.

Es recomendable empezar a desarrollar esa anticipación visual con partituras de lectura sencilla, e ir añadiendo complejidades poco a poco. Lo ideal adquirir la capacidad de leer más de dos compases por delante.

La escucha

Y por último, uno de los aspectos más básicos en cuanto a lectura de partituras se refiere: escucharnos a nosotros mismos. Gracias al apoyo auditivo, podremos reconocer más fácilmente los patrones que estamos tocando e incluso predecir los venideros.

Al mismo tiempo, nuestra capacidad de generar representaciones auditivas de la partitura será determinante, pues así podremos completar los patrones que percibimos visualmente. Por ello, siempre nos resultará más sencillo la primera vista con partituras tonales que con partituras atonales.

Por tanto, hay que escuchar lo que leemos, y escuchar al mismo tiempo lo que tocamos. Toda una maquinaria perceptual nada fácil de poner en marcha.

¡Ánimo, y a poner en práctica estos consejos! ¡No más miedo a la primera vista!
 

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Tipos de cerebro en los músicos (Humor)

Estábamos navegando por la red y nos hemos topado con un divertido post de Classic FM. Se trata de un post hecho con mucho humor, que analiza los tipos de cerebro en los músicos.

¿En qué piensan los músicos según el instrumento que tocan?

Siempre nos hemos preguntado porqué los músicos somos tan distintos según los instrumentos que tocamos. ¿En qué piensan los músicos? ¿Cómo se divide el cerebro de un músico en función de sus tareas y pensamientos? En Classic FM han realizado un “análisis científico, y que en absoluto se basa en conjeturas” 😉 😉

¡Esperamos que os divierta!

Aquí os dejamos el enlace al original: http://www.classicfm.com/discover-music/instruments/musician-brains-pie-charts/brain-of-a-percussionist/

 

 

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