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La personalidad vocal y la técnica vocal

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Abisai Cruella, cantante de Prueba de Cargo
En ocasiones he podido escuchar a muchos cantantes principiantes que prefieren no ir a clase de canto porque creen que sino perderán su personalidad. Como si aprender técnica vocal, conocer su instrumento, conocer aquello que pueden hacer, las tesituras en las que su voz es más rica o aquello que deben hacer para cuidar su voz estuviese reñido con su estilo o su capacidad de interpretar de manera única y personal sus canciones.

Conocer y dominar tu instrumento, es decir, tu voz, te hará crecer y desarrollarte como artista único e integral. En centro europa y EEUU, no se concibe que un cantante haga una carrera sin conocimientos de técnica vocal. De verdad piensas que artistas de la talla de Beyonce, Freddy Mercury, Luis Miguel o Madonna no han trabajado su voz?

Entiendo que se pueda tener miedo a lo desconocido o al cambio e incluso a profesores de canto que intenten anular su iniciativa pero desde estas líneas me gustaría decir que si se va a clase de canto y el profesor no respeta los gustos o el estilo que el alumno tiene o quiere cantar lo que tiene que hacer es buscar a un profesor que sí que lo haga.

Adquirir técnica vocal no es cantar como Pavarotti, es conocer la voz, cómo funciona y como puedes manejarla para expresar aquello que quieras comunicar. La gran diferencia entre la música clásica y la moderna es que esta última se interpreta con micrófonos y esto cambia la concepción del trabajo vocal completamente.

Un profesor debe ayudar a descubir y a conocer los recursos que permitan al alumno cantar de una manera cómoda, flexible, acorde a sus gustos y estilo. Debe respetar tu individualidad y fomentar su personalidad a través del conocimiento del propio instrumento.

En ningún caso el conocimiento ha hecho daño a nadie, es más, considero que lo que muchos cantantes llaman estilo propio o personalidad no es más que aquello en lo que se sienten cómodos y que no están dispuestos a cambiar y sinceramente, esto limita las posibilidades de desarrollo artístico. O no os ha pasado que cuando escucháis a determinados grupos todas las canciones os parecen iguales? No será que por no trabajar técnicamente los cantantes solo puedan cantar unas pocas notas? No será que si descubrieran mayores posibilidades en su voz compondrían canciones más variadas? 


Canto junto al mar

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Y no sólo canto, se trata de presentaros el II Curso Internacional de Música para instrumentos de cuerda y canto que se celebrará en la costera localidad de Benicasim del 10 al 17 de agosto. 

Su director artístico, Albert Zorilla, nos invita a conocer el proyecto y nos comenta algunas de sus singularidades en esta video-entrevista:
Personalmente estoy muy contenta de haber sido invitada como profesora en esta iniciativa educativa tan motivante. Estoy segura que el entorno y la calidad de la propuesta junto con el Festival Internacional Cordes a la mar, que tendrá lugar paralelamente al curso, hará las delicias de los participantes. Formación y diversión de la mano!

Más información e inscripciones hasta el 15 de junio en www.cursomusicabenicasim.com

Tesituras vocales en música moderna

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Abisai Cruella, vocalista de Prueba de Cargo
Las clasificaciones vocales existentes hacen referencia a los tipos de voz según su amplitud o rango vocal y dividen en soprano, mezzosoprano y contralto para las voces femeninas y en tenor, barítono y bajo para los hombres.

Los libros de canto, por tradición, hacen referencia a las notas que pueden cantar cada tipo de voz teniendo en cuenta que las voces iban a cantar sin microfonos, en teatros y por lo tanto había que trabajar las voces según la técnica  clásica, es decir potenciando aquellas notas que podían adquirir mayor brillo y proyección sin amplificación artificial.


Desde mi punto de vista, hoy en día, esta clasificación se ha quedado un poco obsoleta en el ámbito de la música moderna. Seguimos diciendo que una persona tiene voz de soprano, mezzosoprano o contralto, en el caso de mujeres, y sabemos que alcanzarán a cantar determinadas notas pero la realidad es que impera el cantar con la voz mixta con predominancia del registro de pecho (mientras que la escuela clásica trabaja con esta voz mixta pero predominancia del registro de cabeza) y en las canciones se emplean tesituras más graves. Esto no quiere decir que no se tenga que trabajar el registro de cabeza ya que no hacerlo limitará las posibilidades del cantante, quiere decir que en el empleo de la vox mixta y debido a las tesituras imperará en la voz mixta, el registro de pecho.

La manera de cantar en música moderna, debido a la amplificación, permite el empleo de la voz y de efectos sonoros mucho más amplios. Estos efectos en la técnica clásica no son recomendables y están fuera de estilo.

Concretando el tema de este post y poniendo un ejemplo de lo que quiero decir, para una voz aguda de mujer, es decir, una soprano cantará en lírico desde un do3 a un do5 mientras que en la música moderna su tesitura abarcará de un la 2 a un la4. Se podría decir que las tesituras en música moderna descienden una tercera como regla general.

Enseñanza en grupos heterogéneos

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Grupo Mejora tu voz 2014
Estamos habituados a asistir o a impartir clases a grupos homogéneos de estudiantes, ya sea por edad o por nivel de conocimientos de la materia en cuestión, este tipo de agrupaciones ayuda a planificar y secuenciar los procesos de aprendizaje y facilita la interacción entre iguales.

Esto no siempre esto sucede así, por ejemplo, en las escuelas rurales los alumnos están agrupados por ciclos de manera que conviven en la misma aula alumnos de diferentes edades y nivel de conocimientos. Este tipo de agrupaciones son todo un reto para los docentes pero sin duda aquellos que han sido alumnos o docentes en escuelas rurales os hablarán de aspectos y realidades muy positivas que se generan en estos contextos: los alumnos mayores ayudan a los pequeños, los pequeños aprenden aquello que son capaces de asimilar de los mayores o al menos aprenden a ser más curiosos, los docentes adquieren una actitud más abierta hacia los procesos de cada alumno, etc.


En el caso del aprendizaje del canto considero fundamental que existan espacios en los que los alumnos de diferentes niveles y edades convivan, ya sea en un curso de verano, en una audición, en una clase colectiva, en un coro, en un grupo de música.... en estos espacios los alumnos aprenden a ser tolerantes y pacientes con su evolución y con la de los demás, ya que escuchar a alumnos más avanzados les ayuda a entender que aprender a cantar es un proceso, diría, que nunca termina. En estas sesiones los alumnos aprenden muchas más cosas: a trabajar en equipo, a respetar las opiniones de los demás, a conocer repertorio, a mejorar su criterio interpretativo, a conocer los tipos de voces, a ser mejores compañeros. 

Y los docentes, en el caso, de que en estas sesiones participen varios (generalmente el profesor de canto y el pianista) crecen y mejoran en su práctica al compartir criterios, opiniones, información, referencias musicales, etc. Es esencial que en estas sesiones practiquemos con el ejemplo y evitemos, como docentes: el cotilleo (asuntos personales o académicos que no vienen al caso), hablar de alumnos que no están presentes en presencia de otros. Se ha de generar un clima de aprendizaje, confianza y seguridad. 

Personalmente, soy una ferviente enemiga del individualismo, la rigidez y la competitividad mal entendida ya que considero que cierran las mentes y la creatividad y castran el desarrollo de cada alumno. Con perseverancia, humildad, comprensión y paciencia cualquier persona puede lograr lo que se proponga con lo que a aprender se refiere y el aprendizaje del canto no es algo ajeno a esta realidad. 

Para los estudiantes diré que no pierdan oportunidades de trabajar en grupos heterogéneos, la vida es diversa y debemos empezar conociendo, respetando y potenciando la diversidad propia, cuando logremos valorar la nuestra podremos valorar la de los demás y aprender de ellos y esto siempre, siempre nos ayuda a crecer y a evolucionar. Debemos tener una referencia interna y convertirnos cada día en una versión mejorada de nosotros mismos. 

Cuantos conciertos seguidos?

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Recientemente me han preguntado qué hay que tener en cuenta a la hora de programar una gira de conciertos y entre las cuestiones salía si se debe descansar algún día entre concierto y concierto. 

Las giras suelen ser muy ajetreadas e intensas y conviene reservar un día al menos entre concierto y concierto teniendo en cuenta una gira no es sólo cantar, es relacionarse, viajar, comer en lugares diferentes, dormir en hoteles, hacer ruedas de prensa, entrevistas, etc.

En términos de salud vocal es esencial que el cantante haya recibido formación en materia de técnica vocal e higiene vocal (aquellas pautas que nos ayudan a mantener la voz sana y que nos ayudan a paliar los inconvenientes que se van presentando, podrás encontrar todo un apartado), para poder afrontar los compromisos con profesionalidad. 


Generalmente y hablando desde el punto de vista de la voz,  descansando un día entre concierto y concierto suele ser suficiente. Si tras un concierto o ensayo de una hora notas que necesitas más de un día para recuperarte puede ser interesante que consultes y veas qué aspectos de tu manera de cantar puedes mejorar. 

Ten en cuenta tus limitaciones, todos las tenemos, hay cantantes que necesitan dormir un determinado número de horas, otros necesitan ensayar y calentar la voz antes de la actuación, otros tan solo necesitan probar el sonido, otros deben comer unas horas antes de la actuación, debes conocerte y saber que tu público va a exigir lo mejor de tí, para eso han comprado la entrada o se han molestado en ir a verte, lo menos que debes hacer tú, como cantante, es estar en las mejores condiciones posibles. La realidad es que el día que notas la voz en sus mejores condiciones, ese día no tienes que cantar. Por eso, la técnica vocal te permite asumir compromisos profesionales y no depender del azar!