CONVERSACIONES CON… MARINO DELGADO RIVILLA

Estoy ilusionada con un nuevo contenido para mi blog: ¡entrevistas!

Las voy a llamar “CONVERSACIONES CON…” y quiero dar voz a clarinetistas que han estado presentes en mi entorno y a los que quiero, respeto y admiro.

Espero que conozcáis ya a algunos de ellos, pero también espero que alguno resulte un descubrimiento de una nueva personalidad y de un nuevo punto de vista para vosotros.

Para estrenar esta, digamos, “sección”, he pensado en Marino Delgado, natural de Segovia y residente actualmente en Suiza.

Conocí a Marino, si no recuerdo mal, en el curso de verano de Jávea, cuando todavía impartía la clase de clarinete Wolfgang Meyer. Ahí tocamos bastante música de cámara y compartimos no pocas risas con los demás participantes de las otras especialidades… ¡Hace ya unos añitos de esto! Luego, supongo que hemos coincidido en alguna prueba de orquesta y/u oposición. Estamos en contacto, gracias a los tiempos que corren, por las redes sociales.

Nombre completo: Marino Delgado Rivilla

Lugar de nacimiento: Segovia

Fecha de nacimiento: 10/10/79

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¿Puedes hablarnos de tus inicios en la música y en especial con el clarinete? ¿Qué persona/s fue/ron decisivas para ti en esta primera etapa?

Mi primer encuentro con el clarinete fue  completamente fortuito a los 7 años. Nos presentaron todos los instrumentos en el Conservatorio de Segovia y un primo mío que comenzaba conmigo escogió el clarinete, así que yo lo escogí también. Aunque enseguida cambió de idea para estudiar flauta travesera y a mi me dejó colgado con un tubo negro muy raro. Durante los primeros años Rafael Albert (profesor del Conservatorio Superior de Alicante) me trasmitió su pasión por la música y la búsqueda continua de un sonido oscuro que estaba muy de moda en aquella época.

¿Cómo, cuándo, de qué manera te diste cuenta que serías músico? ¿Fue algo premeditado o más bien te dejaste llevar?

Es algo extraño pero lo supe desde que empecé a estudiar. Nunca tuve otro sueño que no fuera dar conciertos o enseñar. Tengo un familiar que siempre me recuerda que desde bien pequeñito insistía en que quería estudiar música en París, aunque yo no recuerdo cuándo y porqué lo decía. Supongo que nunca pensé en dedicarme a otra cosa.

¿Quién ha marcado (para bien) tu etapa formativa?

Cuando empecé a estudiar en la Accademia della Scala en Milán tuve la suerte de dar clases con los dos clarinetes solistas, Fabrizio Meloni y Mauro Ferrando. A la hora de estudiar los pasajes orquestales siempre me decían: “La sexta de Beethoven Muti la quiere así pero Abbado en esta parte quería un crescendo exagerado” o “ El solo de la Italiana de Mendelssohn a Järvi le gusta de esta manera pero con Baremboim lo acabamos de tocar de esta otra”. Tener la oportunidad de trabajar con dos súper solistas que han tocado todo el repertorio con los mejores directores fue algo que me cambió por completo. Una experiencia irrepetible.

¿Has estudiado fuera de España? ¿Qué destacarías de esta experiencia, tanto para tu formación musical/clarinetística como para tu formación personal?

Me acuerdo perfectamente de la primera lección con Guy de Plus. Acababa de terminar el conservatorio en Atocha tocando en el examen final el concierto de Jean Francaix, el 4 de Spohr y la 2 de Brahms con 18 años y después de escucharme tocar Jean Francaix de arriba abajo, Guy me dijo: “Bien, empecemos con una escala de Do mayor”. Me tuvo los primeros meses haciendo notas largas y escalas con terceras, cuartas, quintas, sextas, séptimas, progresiones armónicas y arpegios. Todo ello ligado, dos ligadas dos picadas, una ligada tres picadas y una picada tres ligadas y todo picado a 120 de velocidad tooodos los días y por supuesto de memoria. Pero cuando terminé la École Normale mi técnica había mejorado considerablemente. En la Accademia en Milán tuve la suerte de aprender cómo se toca en una orquesta, que no tiene nada que ver con hacer música de cámara o tocar como solista.

¿Cómo fue tu “profesionalización”? ¿Tenías pensado qué camino seguir (conciertos, orquesta, enseñanza…) o fuiste optando a lo que se iba presentando?

La verdad es que fue todo muy deprisa. Nada más acabar en Milán, conseguí trabajo en la Orquesta Filarmónica de Tampere en Finlandia como segundo clarinete y después como primer clarinete en la “Orquesta do Sud” en Portugal. Supongo que he tenido mucha suerte. Ahora soy primer clarinete en la orquesta Vivaldi en Como, una orquesta con gente joven y con ganas de trabajar, y con un director, Lorenzo Passerini, que a pesar de ser muy joven trasmite una gran energía durante los ensayos y los conciertos. Es uno de los nuevos talentos italianos junto a Rustioni y Battistoni.

Has grabado tu primer disco “Behind the Woods”… ¿cómo surgió? ¿Qué tipo de preparación tuvo el disco como proyecto? ¿Qué podrías destacar de esta experiencia?

Cuando la discográfica me lo planteó tuvimos claro desde el inicio que teníamos que crear algo diferente, original. La pieza que da título al disco, por ejemplo, fue creada con mucha paciencia. Gravando pista a pista. En realidad está gravado sólo por dos personas, Charly Cartisano como vocalista y body percussion y yo. Fue un trabajo duro, donde para 1:58 minutos trabajamos 6 meses. La versión Funky del Bolero de Ravel fueron dos días en el estudio, pues teníamos muy claro cómo lo queríamos y los músicos eran unos fenómenos. Siendo un disco variado, donde algunas de las piezas, como el concierto de Artie Shaw, están gravadas en vivo, pude experimentar cómo se trabaja “en todas las salsas” por así decirlo. Como curiosidad, el tema céltico “Reel Fantasy” estuvimos a punto de descartarlo porque no nos convencía y es uno de mis preferidos, pues lo cambiamos de arriba abajo.

Vives y trabajas fuera de España. ¿Tienes oportunidades de mostrar tu trabajo aquí? ¿Cómo se ve España desde donde tú estás? ¿Cómo la ves tú, musicalmente o clarinetísticamente hablando?

En España tuve la oportunidad de tocar el concierto de Mozart en el teatro Juan Bravo en Segovia y de vez en cuando hago alguna gira de conciertos de música de cámara, pero me gustaría muchísimo poder presentar un espectáculo de música teatral que se llama “Allegro non troppo” que llevo ya dos años haciendo en Italia y que ha tenido muchísimo éxito y donde toco gran parte de los temas del CD. Me cuentan que en Tele 5 de vez en cuando muestran un concierto que hice en Verona el año pasado como solista con la orquesta Vivaldi en el programa “Musical Cities”.

Desde Suiza veo a España con nostalgia y con tristeza. Cada vez recortan más la música de la educación y tengo varios colegas que trabajan en orquestas que me cuentan que las condiciones y perspectiva de trabajo no son las ideales. Extrañamente, a pesar de todo, hay un boom de grandes talentos que se encuentran esparcidos por toda Europa.

Recuerdo la primera vez que salí de España y era vista como un modelo, con la creación de nuevas orquestas y fantásticos auditorios. Es una tristeza ver cómo todas esas grandes inversiones, esos proyectos, se están desmoronando.

 

Bueno, pues hasta aquí la primera de las “CONVERSACIONES CON…”. Espero que os haya gustado y, si queréis saber más sobre Marino, su disco, etc. no dejéis de visitar su página web:

www.marinodelgado.com

 

Como siempre, ¡gracias por leer!

 

Cecilia


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RESEÑA DEL IV CURSO DE REPERTORIO ORQUESTAL PARA CLARINETE 2016

Este pasado fin de semana se ha realizado en la Escuela de Música ” Progresión armónica” de Rivas- Vaciamadrid (Madrid) el IV Curso de repertorio orquestal para Clarinete.

El sábado impartió clases individuales la solista de clarinete de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Nerea Meyer Arias. Nos gustó sobre todo su manera amable, clara y efectiva de plantear, trabajar y solucionar las cuestiones, tanto técnicas como musicales, que se iban presentando en los solos orquestales. Pudimos trabajar pasajes de las 4ª, 6ª y 8ª Sinfonías de Beethoven, 2ª Rapsodia Húngara de Liszt, Danzas Polovtsianas de Borodin…


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Miguel Espejo Pla, solista de la Orquesta de Radiotelevisión Española, fue el profesor durante la segunda jornada. Podríamos destacar su manera minuciosa de trabajar el aire, el apoyo, la embocadura y la articulación, siempre al servicio de la calidad del sonido y del fraseo adecuados. Escuchamos y aprendimos de los solos de Tosca, Pedro y el Lobo, 9º Sinfonía de Schostakovitsch y un fragmento del inicio del concierto de Mozart.

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Con este IV Curso de Repertorio Orquestal para Clarinete finaliza un ciclo. El año próximo descansamos y aprovechamos para reflexionar sobre lo bueno y lo malo, recordar los aciertos y aprender de los errores para, quizá, más adelante, continuar con este proyecto o una parecido.

Pero no quiero terminar sin destacar la calidad humana de todos los profesores que han querido colaborar con este proyecto, desde Beatriz López a Nerea Meyer, pasando por mis tres profesores, José V. Herrera, Josep Fuster y Miguel Espejo. Todos y cada uno de ellos nos han mostrado su gran nivel como clarinetistas, músicos y Maestros. Estoy agradecida por lo que han compartido con nosotros.

Por último, quisiera dar las gracias a todos los alumnos (en especial a aquéllos que “han repetido”), ya que sin ellos sí que hubiera sido imposible emprender y llevar a cabo esta aventura de aprendizaje.

¡Gracias por leer!


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SEGUIMOS CON LAS INSCRIPCIONES

Seguimos recibiendo inscripciones para el IV CURSO DE REPERTORIO ORQUESTAL PARA CLARINETE 2016, que tendrá lugar en Rivas-Vaciamadrid el fin de semana del 27 y 28 de febrero de 2016, en la Escuela Internacional de Música “Progresión armónica.

En esta edición serán los profesores Nerea Meyer Arias, solista de clarinete de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, y Miguel Espejo Pla, solista de clarinete de la Orquesta de Radiotelevisión Española.

Si estás finalizando las Enseñanzas Profesionales de clarinete, estás cursando los estudios superiores o ya has terminado y quieres ampliar tu visión sobre el estudio y la interpretación orquestal con el clarinete, ¡te interesa!

¡Todavía quedan algunas plazas!

Si quieres más información, consulta en www.ceciliaserra.com/cursorepertorio2016 o escríbeme a ceciliak622@yahoo.es.

CARTELCURSOREPERTORIO2016

¡Gracias por leer!

Cecilia


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¿Cómo estudiar pasajes orquestales?

Los pasajes orquestales son esenciales para audicionar en cualquier orquesta. De hecho, su correcta interpretación puede ser más determinante incluso que la interpretación del concierto u obra obligada. Suelen formar parte de las últimas rondas en las audiciones. Sin embargo, aunque no vayamos a ganar la audición en concreto, siempre es bueno que los llevemos preparados y que nos vayamos familiarizando con los más demandados por las orquestas desde que nos iniciamos en esto de audicionar.

Por norma general, las orquestas suelen pedir los pasajes orquestales de la edición Probespiel. Es un estándar que se está manteniendo en las principales orquestas y que nos puede facilitar mucho el trabajo.

Si no nos estamos preparando para ninguna audición en concreto, podemos buscar los pasajes que las principales orquestas suelen pedir para sus audiciones y comenzar a trabajarlos. También podemos seleccionar los pasajes menos solicitados y practicar la lectura a primera vista.

¿Qué pasos debemos seguir?

  1. Ver vídeos y escuchar el pasaje que vamos a estudiar: Es fundamental, esencial y súper importante y es el primer paso que debemos dar. Es el camino más fácil para conocer qué papel tiene nuestro instrumento en este pasaje concreto, cómo lo tocan otros profesionales, el tempo, la articulación, el fraseo… Podemos conocer todo de un golpe. Y si tenemos acceso a vídeo, mucho mejor que sólo escuchar el audio. Podremos observar los movimientos de otros músicos, las partes del arco, las respiraciones… etc. Es una forma de despejar dudas antes de empezar. Es muy importante ver varias versiones diferentes, todos sabemos que la interpretación de la música puede ser muy variada y depende de la orquesta, el director y el año en que se interpreta. Visionando varias versiones podemos tomar los puntos coincidentes entre unos y otros para nuestra propia interpretación.
  2. Identificar obra y autor: De esta forma te harás una primera idea de las articulaciones que debes usar, el fraseo, el vibrato y demás características de tu interpretación. Podrás completar la información que ya has adquirido escuchando previamente el pasaje.
  3. Identifica tonalidad, compás y tempo: Para determinar el tempo, no te fijes sólo en la indicación metronómica de la edición que utilices, fíjate en los tempos que utilizan los maestros que has escuchado previamente. Identifica también si hay ritardandos y accelerandos y pon especial atención en cualquier cambio de tempo. Cuando lo toques ante el tribunal, debe notarse claramente que interpretas estas fluctuaciones de tempo sin ser exagerado.
  4. Sé estricto con las indicaciones en cuanto a matices: Todos los crescendo, diminuendo, forte, piano… Todos los matices debes ser claramente reconocibles. Debes hacer todas las diferencias posibles, sacar cada matiz y cada acento y poner toda tu técnica y conocimientos para hacerlo de la forma más correcta posible. Sé muy detallista, diferencia entre piano y pianísimo, entre acentos y esforzandos… Todo ese tipo de cuestiones tienen que estar claras.
  5. Haz música, pero sin pasarte: Es bueno que interpretes y pongas de tu parte en el pasaje, pero para ello no debes salirte nunca del estilo ni de las indicaciones de la partitura: no pongas acentos donde no los hay, cuidado con ritardandos improvisados o crescendos y diminuendos que no aparecen en la partitura.
  6. Las articulaciones son la clave: Especialmente para las cuerdas, la correcta articulación se valora mucho. Implica que conoces el estilo del pasaje y saca a relucir tus capacidades técnicas. Por ejemplo, si estamos tocando un pasaje stacatto, sería un error garrafal alargar la última nota de la frase. Hay que prestar atención a esos detalles.

La clave es ser estricto e incluso un poco frío. Lo que intentamos demostrar tocando los pasajes orquestales es que somos músicos de orquesta, no solistas. Por tanto, el exceso de creatividad, especialmente saliéndose del estilo de cada pasaje, nos puede costar una valoración positiva del jurado. Se trata de encontrar el equilibrio, demostrar sensibilidad musical y a la vez experiencia orquestal y precisión en nuestra interpretación.

No debemos tocar tal y como lo hacemos dentro de la orquesta, ni tampoco como lo hacemos cuando damos un concierto. El volumen y la transparencia de nuestro sonido también serán claves a la hora de interpretar los pasajes orquestales.

Esperamos que estos consejos os sirvan, ¡y podáis aportar alguno más!

 

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CELEBRADO EL III CURSO DE REPERTORIO ORQUESTAL PARA CLARINETE 2015

Este fin de semana se ha celebrado en la Escuela de Música “Progresión armónica” de Rivas-Vaciamadrid la tercera edición del CURSO DE REPERTORIO ORQUESTAL PARA CLARINETE.

En esta edición hemos contado con los profesores Josep Fuster (Orquesta de Barcelona y profesor en ESMUC) y José V. Herrera (Orquesta de Valencia).

Este curso se caracteriza por el trato individualizado a cada uno de los alumnos, en un entorno recogido y cercano al profesor en todo momento.

Se combinan las clases individuales (de repertorio orquestal) con las clases colectivas. La temática de estas últimas cambia cada año. Los años pasados, tuvimos la oportunidad de hacer simulaciones de audición orquestal, tanto con solos como con el concierto de Mozart, y en esta ocasión hemos conocido de primera mano el libro “Ejercicios técnicos de flexibilidad” de Josep Fuster y hemos aprendido o recordado con José V. Herrera cómo confecionar una caña y cómo retocarla, para aprovecharla al máximo.

Quiero agradecer desde aquí la buenísima disposición de los profesores y, cómo no, la asistencia de los alumnos, activos y oyentes, que han hecho posible este fantástico fin de semana.

También el apoyo y la ayuda prestada por Musical Perales y Papelería Acuarela.

 

 

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