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Master Class en YouTube: los grandes a un click de ti.

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YouTube se ha convertido en los últimos años en una plataforma con capacidades increíbles de compartir conocimientos y entretenimiento. Es la herramienta que mejor representa el 3.0: la era en que crear contenido digital está al alcance de cualquiera con conexión a Internet y algo que compartir.

Seguro que ya lo usas como herramienta para ver vídeos de tus intérpretes favoritos, escuchar obras, grandes orquestas o grupos de cámara. YouTube nos da hoy en día la posibilidad de aprender viendo conciertos y grabaciones que hace unos años jamás habrían estado al alcance de cualquiera. Algunas de las grandes organizaciones musicales del mundo se han dado cuenta del potencial de este medio, y han empezado a usarlo más allá de la simple promoción de sus conciertos.

Desde hace unos años, orquestas y fundaciones de renombre se han atrevido con YouTube creando contenidos específicos para la plataforma. Uno de los contenidos que queremos destacar hoy son las Master Class. Se trata de vídeos especialmente producidos para YouTube, no muy largos, pero sí útiles, con consejos, técnicas y herramientas para tu carrera de mano de los mayores músicos de la actualidad.

En nuestro canal de YouTube hemos recopilado en forma de listas de reproducción algunas de estas Master Class:

Lista 1: London Symphony Master Classes

En 2011 nació la YouTube Symphony Orchestra. Para formar la plantilla se organizaron unas audiciones mediante grabación. Para hacerle el trabajo más fácil a los aspirantes, YouTube pidió a algunas orquestas y profesionales que grabasen una Master Class sobre las obras y pasajes que se pedían en la audición.

La London Symphony fue una de las orquestas que participó, con unas Master Class muy completas. En ellas, además de dar consejos sobre obras y pasajes concretos para cada instrumento que suelen pedirse en muchas audiciones de orquesta, también se dan consejos generales para audicionar. Algo muy positivo para los que vayan mal de inglés: todos los vídeos cuentan con subtítulos en español. ¡Un material muy valioso!

 

Os dejamos aquí la lista completa:

Lista 2: Sydney Symphony Master Classes

La Sydney Symphony fue otra de las orquestas que elaboró algunas Master Class con motivo de las audiciones de YouTube. El inconveniente es que sólo grabaron para algunos instrumentos y que no están subtituladas, pero se entienden bastante bien, y es muy bueno poder ver a estos músicos experimentados en orquestas interpretar los pasajes tal y como si estuvieran en una audición de orquesta.

Os dejamos aquí la lista:

Lista 3: Filarmónica de Berlín Master Class

También con motivo de las audiciones de YouTube se grabaron estas Master Class en Berlín. Tampoco están para todos los instrumentos, pero sí cuentan con subtítulos en español. 

Os dejamos aquí la lista:

Lista 4: Master Class del Carnegie Hall

El Carnegie Hall ha producido varios vídeos con fragmentos de Master Class para todo tipo de instrumentos y voces, y con temas muy variados: música de cámara, pasajes orquestales, repertorio solista… Son distintas a las que ya os hemos mostrado, ya que en estos vídeos el profesor interactúa con un alumno. Los subtítulos no están en español, pero sí en inglés.

Aquí tenéis la lista completa:

Lista 5: How to… Master Class del Carnegie Hall para todos los músicos

Estas Master Class que hemos titulado How To… preparan a cualquier músicos para situaciones que todos nos encontramos independientemente del instrumento que toquemos: preparar un concierto, impresionar en una audición, concentrarse durante una actuación… etc. Sin duda muy útil, y con subtítulos en inglés.

Aquí la lista completa:

Esperamos que estos vídeos os sirvan y que os animéis a buscar por vosotros mismos más, YouTube es muy amplio y tiene un material muy variado que seguro os servirá en vuestra carrera.

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La voz no lo es todo

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Generalmente todas las personas nos asomamos al maravilloso mundo de la música en la infancia, cantando, bailando, aprendiendo a tocar un instrumento... esas experiencia dejan una impronta en la psique y en el cuerpo tanto para bien como para mal. Un buen profesor/a de música en la escuela puede despertar a los niños, como si de un mago se tratara, al mundo de la emoción y de la fantasía sonora. De la misma manera, una mala experiencia puede cerrar esa ventana para siempre. En aquellos niños en los que se enciende la llama es importante que los docentes sepamos avivarla y cuidarla. 

Sin embargo, una llama intensa, que se traduciría en tener unas buenas condiciones físicas y musicales, no son suficientes para poder desarrollar una carrera musical. Los músicos somos como los corredores de fondo, deben entrenar tanto su cuerpo como su mente para transcurrir por un camino que les lleva toda su vida y para ello es necesario cultivar una buena actitud hacia el aprendizaje y mucho amor hacia la música así como grandes dosis de humildad. 


Tener una buena actitud es en la mayoría de los casos tan importante como tener una buena voz. Siempre digo, que de nada sirve tener un piano de cola si no se sabe tocar, o es absurdo poseer un Ferrari si no se tiene siquiera el carnet de conducir. En el caso de los cantantes se piensa a menudo que un buena voz será garantía de éxito, nada más lejos de la realidad. 

Grandes voces se han malogrado por falta de técnica y preparación. Mientras uno es joven parece (un creencia falsa) que la voz no tiene límites. Eso no es así, si uno no conoce su instrumento, sus límites y cómo cuidarlo, con el transcurso de los años se encontrará que de la noche a la mañana no le responde y no sabrá qué hacer. A cantar se aprende, a conocer los límites de la voz se aprende, a desarrollar todo el potencial musical y vocal se aprende... es cuestión de tener una buena guía y ser perseverante. 

Desde esta bitácora me gustaría animar a todos aquellos que estén en un momento de desánimo, porque es necesario que sepan que el aprendizaje musical se produce "de rellano a rellano de escalera", quiero decir que se alternan épocas en las que los avances son rápidos y evidentes con otras en las que parece que uno se queda estancado. Si se tiene una buena guía y se trabaja consistentemente estos periodos no son otra cosa que un momento de re-estructuración neuronal tras los cuales se podrá acceder a otro nivel de competencia. Y para ello es necesaria la confianza y la actitud de superación.

La importancia de descansar si eres músico

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Todo músico, estudiante o no, tiene bien metido en la cabeza lo importante que es el estudio y la constancia en esta carrera. Sin embargo, no es tan común encontrar a músicos que tengan claro que los descansos son tanto o más importantes.

Las horas de estudio que cada uno dedica al día pueden variar mucho en función del instrumento que toca, del momento de su carrera en el que esté y de las ocupaciones que tenga, entre otras cosas. Sin embargo, el descanso siempre debe estar presente de dos formas:

  • Descansar mínimo 10 minutos en cada sesión de estudio de una hora.
  • Descansar un día a la semana, es decir, ¡no tocar! un día a la semana.

El descanso entre sesión y sesión de estudio

La primera razón por la que es obligatorio es el descanso físico. Cuando estamos tocando, estamos manteniendo una postura bastante estática. Los músculos de la espalda, el cuello, las piernas… Todos están trabajando, pero no se están moviendo. Necesitamos estos descansos para relajar esta postura estática, descansar la vista e incluso estirar un poco la musculatura.

También los músculos que están trabajando más activamente (en la mayoría de los músicos, los músculos de los brazos) necesitan esos descansos para oxigenarse y crecer. Después de todo, tocar es como hacer ejercicio.

Pero estos descansos también tienen una razón psíquica. Se está investigando y trabajando mucho en una nueva forma de aprendizaje: la aleatoriedad. Este tipo de aprendizaje se basa en alternar nuestros objetivos. Mucha gente piensa que las sesiones de una hora con un parón les hacen perder la concentración y que prefieren dedicar dos horas seguidas (o más) a una obra para trabajarla mejor. Nada más lejos de la realidad. Nos es mucho más fácil mantener la concentración durante pequeños períodos de tiempo. Además, cambiar de una tarea a otra provoca que nuestro cerebro no se relaje haciendo una actividad que ya conoce, ponga mayor atención y, por tanto, nos ayude a aprender más rápido.

Con lo cual, realizar estas pausas entre sesiones nos ayuda a despejar la mente y a evitar lesiones musculares.

El descanso semanal

Estudiar todos los días, además de actuar o asistir a clases, son actividades que nos chupan energía tanto física como mental. En todas las profesiones y trabajos se descansa al menos una vez a la semana, ¿por qué los músicos deberíamos ser diferentes?

Es necesario alejarse por unas horas de la actividad de tocar para despejarse, dedicarnos a nuestro tiempo de ocio, practicar hobbies y relajarnos. El equilibrio entre ocupación y relajación es esencial para tener una vida saludable, estar más felices y, como consecuencia, rendir mejor. 

No sólo la mente necesita despejarse, también el cuerpo. Nuestros músculos piden descansar de las posturas forzadas y los movimientos delicados que hacemos cuando hacemos música para relajarse, o tal vez, practicar otro tipo de ejercicio más oxigenante.

Si no estas centrado, mejor no estudies

A veces tenemos las rutinas tan interiorizadas que no nos planteamos otro tipo de organización e incluso podemos llegar a sentirnos mal si rompemos con ellas. Es por eso que podemos meternos en la cabina a estudiar totalmente desganados o desmotivados, solo por inercia, porque es lo que debemos hacer. 

El estudio estando desmotivado o cansado es totalmente contraproducente. No estás concentrado y lo único que vas a conseguir es estropear el trabajo de otros días menos grises. Si quieres saber más sobre motivación lee este post.

¿Tocar con dolor?

No, por supuesto que no. Cuando nos duele algo, el cuerpo nos está avisando de que debemos parar. Puede que no sea grave, pero si forzamos y seguimos practicando con ese dolor, es probable que nos provoquemos una lesión. (para conocer más sobre lesiones visita la sección Músico y Cuerpo).

Muchas veces, cuando tenemos una pequeña molestia y seguimos trabajando notamos que desaparece. Esto es porque el músculo se calienta. Es muy posible que cuando paremos de estudiar, el dolor vaya a peor. Cuando notemos molestias de este tipo, debemos parar, estirar un poco la zona, moverla para ver cuál puede ser el origen y descansar. Si a las horas ha pasado, probablemente no era nada. Si continúa con los días, los más recomendable es ir a médico o rehabilitador.

Como decimos siempre, es mucho menos probable sufrir pequeños dolores o tirones si CALENTAMOS ANTES DE TOCAR Y ESTIRAMOS DESPUÉS.

Recuerda, el descanso equilibra nuestro esfuerzo y nos beneficia.

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La motivación para estudiar debe venir del alumno

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La motivación para estudiar debe venir del alumno, no del profesor o los padres.

Publicación: The Strad

http://www.thestrad.com/cpt-latests/the-motivation-to-practise-should-come-from-the-student-not-the-parent-or-teacher/

Fecha: 17 Agosto 2015

Título original: The motivation to practise should come from the student – not the parent or teacher

Aplicar un plan forzoso nunca es una buena idea, dice la fundadora de Da Capo Music, Jane Cutler.

Los profesores y los padres deben tener el mismo deseo para sus alumnos y e hijos: que disfruten de hacer música, que progresen y que sean competentes. Esto es muy fácil de decir, pero es difícil equilibrar el “progreso” con el ideal de “disfrutar de la música”, ya que, como profesores, sentimos que tenemos para asegurar la progresión.

Es una obviedad decir que cuanto más haces algo mejor te vuelves, pero ¿por qué es “cada vez mejor” el objetivo principal de hacer música? ¿No debería ser el disfrute? En general, el subproducto de hacer algo que te gusta es que consigas hacerlo cada día mejor. Tocar en casa debe venir desde el placer de hacer música y no debe ser una tarea u obligación. Los alumnos más pequeños no tienen idea de lo que es estudiar en casa; ya es bastante subir al escenario y leer una música que apenas pueden mantener en su cabeza. Los niños mayores pueden tener cosas que les interesen más, y hasta que el profesor encuentra lo que motiva a cada niño, es inútil esperar y dedicar una cierta cantidad de minutos por día o semana a algo con lo que no están conectando. Tengo un amigo que toca profesionalmente, pero nunca practicó en casa. Viniendo de una familia de músicos, tocaba cuartetos con regularidad. Dice que no podía soportar su sonido sin los otros tres. Los niños que tienen un buen oído a menudo son reacios a tocar solos. ¿Quién quiere hacer algo que es muy posible que encuentre difícil y hacerlo mal y solo en una habitación lejos de los amigos y la familia?

Si los niños se ven obligados a practicar, esto sesga sus propósito y motivación y aprenden a escatimar el tiempo de estudio. Así que, ¿cuál es la alternativa?

Me parece que los niños se sienten motivados a hacer algo que son capaces de hacer y que la percepción adulta de la práctica es pasar tiempo trabajando en la mejora de algo que no se puede hacer. Así que, como el profesor de cuerda John Shayler ha argumentado, debemos tratar de aprender un instrumento de la misma forma que tratamos de aprender a conducir: nos detenemos y empezamos a lo largo de calles con giros a la izquierda y la derecha, mientras que las maniobras más complicadas, tales como el estacionamiento en paralelo, solamente se hacen de vez en cuando. Llegamos a ser más competentes y confiados al hacer las cosas que podemos hacer. Los niños deben tocar en casa las piezas que pueden tocar con facilidad.

A los niños también les gusta la variedad. Esto va en contra de la percepción adulta de que la práctica trata de “hacer las cosas bien” antes de continuar. Variar el repertorio es muy importante – no porque los músicos jóvenes necesiten variedad de estilos  (un tema para otro momento), sino porque necesitan variedad de desafíos.

Los niños necesitan piezas cortas que puedan tocar de memoria, improvisar alrededor, transponer e incluso transformar. También necesitan piezas que:

  • Sean más largas y tengan acompañamientos de piano, o que sean duetos
  • Tengan desafíos rítmicos y / o técnicos
  • Que quieran tocar
  • Que quieran volver a tocar

De esta manera, si tienen ganas de tocar en casa, tienen mucho para elegir, dependiendo de su estado de ánimo. También tienen la opción de tocar algo que saben bien, o hacer frente a una pieza más difícil. Pueden elegir una cosa o tocar todo. Con toda esta elección tienen firme control sobre su propio aprendizaje y no hay pelea con los padres por no estudiar.

Tomar sus propias decisiones sobre el estudio en casa significa que los niños, independizándose de sus padres, no tiran la música por la ventana, no tienen que practicar de manera forzada. Por último, las luchas y discusiones sobre la práctica a menudo acaban con que los niños abandonan mucho antes de lo que son capaces de decir ‘No’. Y una vez que han renunciado a ello no tendrán el placer de hacer música el resto de sus vidas.

Rescata tu técnica

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Estudiar técnica es algo que todos hemos hecho en el Conservatorio. La técnica es la base del instrumento, y es muy importante desarrollarla bien desde el principio, que se convierta en nuestra mejor herramienta para enfrentarnos a nuevos desafíos como alumnos. Pero, ¿qué hay cuando ya eres profesional? Muchos, cuando acaban la carrera y dejan de ver a un profesor de manera asidua pierden la importante costumbre de trabajar la técnica.

¿Por qué abandonamos este hábito? Muchos músicos relacionan la práctica de la técnica pura con el aprendizaje del instrumento. A veces se trata más bien de pereza, puesto que la técnica no es la parte más atractiva de tocar un instrumento. Otros muchos la practican, pero de manera muy superficial.

Las ventajas de rescatar nuestra técnica

  • Podemos suplir pequeños vacíos debidos a una mala base durante nuestros años como estudiante: Todos tenemos algunas lagunas o cojeras técnicas que podemos mejorar, nunca es tarde.
  • Mejoraremos aquellas cualidades técnicas que ya hemos alcanzado: Siempre se puede tocar mejor, siempre estamos en disposición de aprender y de mejorar lo que ya creíamos que estaba en su mejor punto.
  • Ganaremos en seguridad con el instrumento: A menudo, nuestras inseguridades en el escenario provienen de que conocemos nuestros puntos técnicos más débiles. Estas debilidades nos hacen temer ciertos pasajes, y si les tenemos miedo, los fallaremos.
  • Conseguiremos acercarnos a nuestro sonido deseado: A lo largo de la carrera, cada músico va forjando su sonido, siempre con las miras puestas en un sonido ideal. Gracias a la técnica, podemos limpiar nuestra manera de tocar, conseguir un sonido más redondo, potente, brillante…etc.
  • Podemos personalizar nuestra técnica: La técnica es cuestión de físico en una porcentaje muy alto. Destreza, coordinación, precisión, velocidad, resistencia, reacción… Cada persona posee un físico distinto: dedos más o menos cortos, mayor o menor fuerza en los brazos, mayor o menor capacidad pulmonar, un timbre de voz peculiar…etc. Cuando estudiamos en el Conservatorio, se nos suele enseñar una técnica más genérica. Ahora que somos profesionales, podemos adaptar lo que hemos aprendido a nuestras características físicas, desarrollando una técnica brillante.
  • Podemos descubrir nuevas formas de hacer las cosas: Un trabajo técnica no es necesariamente un trabajo repetitivo. Estudiar técnica significa investigar de qué manera podemos hacer mejor las cosas y practicar de mil formas diferentes hasta encontrar la vía que mejor se adapte y más nos guste.

¡No olvides dejar un tiempo de tu práctica diaria para el estudio de la técnica!