Está claro que la música es un lenguaje y como todo lenguaje primero se escucha, luego se entiende y posteriormente se habla. Los niños aprenden en las aulas folklore, en los medios pop y rock y en las escuelas de música música clásica pero hay mucho más que podemos ofrecerles. El trabajo con standards de jazz puede mejorar su comprensión de la armonía y enriquecer su creatividad musical y sinceramente creo que enriqueceríamos su bagaje musical.
Andrea Motis es un ejemplo de que el lenguaje del jazz se puede hablar desde la más temprana infancia. Esta jovencita que empezó con el jazz desde pequeñita es capaz de cantar y además tocar la trompeta y el saxo. Un prodigio musical y me pregunto... ¿cuantos como ella se habrán perdido por falta de enfoque y amplitud de miras educativas?
En ella la creatividad fluye a raudales y sus improvisaciones son maravillosas. Su voz es dulce, expresiva y canta con una naturalidad y flexiblidad admirables.
Desde este blog me gustaría felicitar a esta artistaza y a sus profesores que han hecho una labor maravillosa musical y vocalmente hablando.
Tomad asiento y daros un respiro para escuchar el concierto del video.
Un clásico de la música jazz, compuesto por el saxofonista Paul Desmond y estrenado en 1959 por The Dave Brubeck Quartet (con el mismo Desmond al sax contralto).
Transcripción para flauta dulce y piano por Massimo Pennesi. Esta partitura interactiva ha sido publicada originalmente en el post Take Five, Dave!, del blog educacionmusical.es.
The Dave Brubeck Quartet
Dave Brubeck piano, Paul Desmond sax contralto, Eugene Wright contrabajo y Joe Morello batería. Alemania, 1966.
Dave Brubeck Quartet at Congress Hall Frankfurt/Main, by Dontworry (CC BY-SA)
Me hubiera gustado escribir este post mañana y felicitar a Dave Brubeck el que hubiera sido su 92º cumpleaños, pero hace pocas horas este gran pianista y compositor de jazz de sólida formación clásica (fue alumno de Darius Milhaud) y de gran habilidad improvisativa cerraba sus ojos para siempre por una parada cardíaca.
A pesar de su avanzada edad, Dave seguía dando concierto en todo el mundo, aunque últimamente, tras someterse a una operación para la implantación de un marcapasos, había reducido bastante su actividad. Incansable no obstante sus condiciones físicas, con mi fantasía puedo imaginar a su cardiólogo teniendo que decirle una y otra vez “Take five, Dave” (tómate cinco minutos, haz una pausa).
Take five es justamente el título de la obra que le dio a conocer al gran público, a él y a su cuarteto, el Dave Brubeck Quartet, entre cuyos componente está el autor de esta pieza, el saxofonista Paul Desmond, quien dio aliento a esta famosísima melodía.
El título hace referencia al compás de la pieza, un 5/4 muy poco usado en la música occidental. En realidad se trata de un compás de amalgama, compuesto de 3/4 + 2/4. Lo podéis sentir marcando el pulso con los cinco dedos de la mano: veréis que, empezando con el pulgar, este tendrá un acento fuerte y el anular otro acento, aunque menos marcado que el anterior.
He preparado un arreglo para flauta dulce y piano. La sección central de la flauta es a tres voces, que se ejecutarán dividiendo los y las flautistas en tres grupos. En el caso de que se toque con una sola flauta, sólo se ejecutarán las notas superiores.
Muchos violinistas, cuando oyen la expresión “improvisar” se quedan petrificados, miran hacia otro lado y hacen como si no hubieran oído nada. A mí me pasaba (y todavía me ocurre un poco)
Y es que en la formación violinística clásica no se suele prestar demasiada atención a esta forma de enfrentarse a la música, sin partituras, plan previo y sin red de seguridad.
Así que, si tenéis ya ganas de comenzar hacer un poco el loco con el violín de vez en cuando, os voy a enseñar la forma en que yo empecé a desbloquearme el coco y a soltar mis dedos, haciendo lo que me salía de dentro en vez de lo que ponía en un papel.
Y es que, lo que al principio era terrorífico, poco a poco fue convirtiéndose en algo divertido y fresco que todo violinista (y todo músico) debería practicar. Sobre todo, recurriendo a música tradicional, en este caso americana y sus múltiples variantes, (folk, blues, bluegrass, country, etc.).
En primer lugar debo agradecer a Geoffrey Fitzhugh Perry su amabilidad al haberme dado permiso para publicar un par de temas de su libro Fiddle Jam, que fue la herramienta que me empezó a ayudar con el tema de la improvisación, y del cual voy a transcribir algunos de sus divertidos contenidos. A partir de aquí, puede que esté hablando yo, o puede que esté transcribiendo a Geoffrey
La creatividad es un músculo cerebral que hay que entrenar a diario. Los niños son naturalmente libres y creativos pero también es cierto que alrededor de los 8 ó 9 años (edad en que muchos niños empiezan a tocar en la escuela) es cuando empiezan a sentir sus impulsos creativos aplastados.
Los niños son probablemente la tierra más fértil que tenemos en el mundo. Planta las semillas. La autoestima, confianza, autoridad, obediencia, concentración, relajación, son sólo algunos de los conceptos positivos necesarios para la improvisación. Hay muchas evidencias de que la improvisación actualmente mejora el crecimiento neurológico en ciertas partes del cerebro (y ése es un beneficio permanente). Terapia, salud, desórdenes de atención, estado de ánimo positivo, o sólo por ver a un chico interesado merece la pena intentarlo.
Los principiantes suelen marcar el mástil con líneas horizontales. Usaremos ese sistema para indicar las posiciones de los dedos.
LA ESCALA MAYOR
La mayoría de estudiantes primerizos conocen una o dos escalas mayores. Es una de las primeras cosas que aprendemos después de Estrellita. Las escalas mayores son muy claras y con un sonido muy familiar. Una gran parte de lo que solemos escuchar está basada en ellas. Aunque algunos piensan que esta escala es quizás demasiado dulzona y plana para el rock’n roll, se pueden hacer cosas chulas tocándola en los siguientes ejemplos:
Recomendaciones antes empezar:
Reláx. Respira profundamente y tómate tu tiempo. Las prisas y sus primas las preocupaciones son obstáculos para la creatividad.
La idea básica es usar las notas de las plantillas de dedos para tocar sobre el audio correspondiente, tocando lo que a ti te guste y te parezca que quede bien mientras escuchas y tocas a la vez.
La zona EZ (más adelante veréis cuál es) es la mejor manera para empezar a tocar sin pensar. Toca cualquiera de las notas de esa zona y simplemente empieza y termina en la nota tónica (la nota “tónica” es la nota clave y da nombre también a la escala y tonalidad del tema) ¡y no te equivocarás nunca!
El audio que acompaña a cada ejemplo te dará algunas ideas sobre riffs, frases, motivos, etc. para tocar.
“En resumen: adelante, no pienses, simplemente toca”.
Raven’s Daughter
Escala: Sol Mayor
Notas que puedes tocar: cualesquiera Sol, La, Si, Do, Re, Mi o Fa#
Zona EZ: 0, 1, h2, 3 en las cuerdas Sol y Re.
Carácter: luminoso, puro, fuerte.
Preparación: Recorre la zona EZ arriba y abajo, entonces empieza a alargarlas o acortarlas, a saltar y siéntete libre hasta que lo hagas sin pensar.
Instrucciones:
Modo sencillo: Empieza y termina en nota Sol. ¡Quédate en la zona EZ y no puedes equivocarte! Recuerda, es obra tuya, así que toca cualquier cosa que te guste o te parezca que queda bien.
Modo avanzado: Escucha el audio con el ejemplo que acompaña para tomar una o dos ideas. Recorre la zona exterior de la EZ un rato. Intenta evitar las notas Do y Fa# algo más que las demás (esto se llama escala pentatónica, ya hablaremos…). ¡Y no tengas miedo de excederte en intensidad!
Primeros consejos (en inglés).
Ejemplo de improvisación
Tema sin la parte del violín
Lección de audición: fíjate en que el audio es básicamente un riff de guitarra repetido y una parte diferente (un acorde de Do) que vuelve varias veces al principio ¿puedes oírlo? Intenta tocar algunas cosas durante ese fragmento que contraste con la sección de riff repetido (a lo mejor más picado, o algo más rápido, o más rítmico o a diferente velocidad…). Fíjate también cómo termina en el acorde de Do en vez de en el acorde de Sol (el acorde de tónica en esta clave) para proporcionarle un poco de misterio y suspense.
Problemas: ¡no toques demasiado! deja un poco de espacio para respirar… como si fueras un cantante.
P.D. Dite a ti mismo (o ten a alguien que te lo diga) que ¡eres el violinista más chulo del mundo por cómo has improvisado en este tema!
Le Bomb
Escala: La Mayor
Notas que puedes tocar: cualesquiera La, Si, Do#, Re, Mi, Fa# o Sol#
Zona EZ: 0, 1, h2, 3 en las cuerdas La y Mi.
Carácter: brillante, feliz, dulce.
Preparación: Recorre la zona EZ arriba y abajo, saltando, corriendo, arrastrándote, brincando, hasta llegar a tocar casi sin pensar.
Instrucciones:
Modo sencillo: Usa las notas de la zona EZ como te venga en gana y te parezca que suena bien con el audio. Comienza y termina en La y no podrás equivocarte.
Modo avanzado: Escucha el audio con el ejemplo que acompaña para tomar una o dos ideas. Intenta ser consciente y escuchar dentro de ti lo que deseas tocar antes de hacerlo.
Lección de audición: Este ejemplo es básicamente una idea repetida de 2 compases seguida de una sección de 4 compases (acorde de Mi) que te lleva de regreso al riff básico. Imagínate también el riff de dos compases durante el “break” de percusión ¿puedes oírlo?
Problemas: Mantén el movimiento pero no demasiado lejos, nunca más lejos que una o dos notas de la nota deseada, si no te gusta sobre la que estás.
Primeros consejos
Ejemplo de improvisación
P.D. Arruga la nariz y di para tus adentros: “no sabes lo que estás haciendo”… entonces ríete alto y fuerte y di: “¡pues claro que no! Esto es IMPROVISACIÓN, excepto por conocer la escala, mi mente está absolutamente vacía”.
¿Cómo obtener el “sonido fiddle”?
¿Estáis interesados en el Método?
En este libro encontraréis muchos más temas explicados, trucos, consejos, fotografías, adaptaciones para viola y cello, etc, etc… sólo necesitáis un nivel medio de inglés y una mente abierta. Enjoy!
Fiddle Jam
(Finally! A Way-Cool Easy Way to Learn How to Improvise). For violin, fiddle, viola and cello. Jazz Instruction. Improvisation, Jazz, Blues, Folk, Play Along. Instructional book and examples CD. Introductory text, instructional text, black & white photos, instructional photos, illustrations, fingerings, standard notation and examples CD. 46 pages. Published by Hal Leonard (HL.695716)
(4) …more info
El canto en el Jazz es todo un mundo particular, al igual que la manera en la que se trabaja la voz.
Es importante saber que aunque la técnica vocal, la manera en que se contruye la voz y se descubren las potencialidades, son comunes a todos los estilos, la metodología de trabajo para el jazz tiene varias particularidades.
La voz es el instrumento y cuanto mejor se conozca y cuantos más recursos técnicos se posean, mejor cantante se será. Para ello es necesario un trabajo de técnica vocal (respiración, emisión, dicción, etc).
Una vez se conozan todas las potencialidades de la voz hay que conocer qué repertorio, qué canciones se adaptan mejor a nuestro intrumento. Las canciones se pueden encontrar en los Real books y en los New real books.
En el trabajo técnico se emplean ejercicios de vocalización sobre los modos del Jazz que hacen que el cantante se impregne de las sonoridades para que posteriormente le sea más instintivo improvisar.
El jazz vocal emplea recursos como el scat, las escalas y los patrones melódicos y armónicos.
El tipo de vibrato es diferente al que se emplea en la música clásica ya que es un tanto fabricado. Se emiten las notas primero sin vibrato (lisas) y después se añade un vibrato rápido y estrecho hacia el final. Podeis escuchar un ejemplo.
El Scat es una técnica de improvisación melódica que añade sílabas sin sentido para dar énfasis y sentido a la improvisación. A veces pretende imitar efectos de algún instrumento como la guitarra o la trompeta. Un supremo ejemplo de estas técnicas es Bobby McFerrin.
El número de repeticiones con variaciones melódicas improvisadas de un estandard es libre pero generalmente es menor cuanto más lento es el tempo de la canción por motivos psicológicos de aprehensibilidad de la duración de una canción por parte del oyente.
Un recurso de aprendizaje de los músicos de Jazz es escuchar muchas grabaciones y transcribir las improvisaciones de los grandes intérpretes. Para esto puede emplear el programa: Amazing Slower Downer que mantiene el tono pero se reproduce a cámara lenta para facilitar la transcripción.
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