La importancia de subirse al escenario

Por Isabel Villagar, Profesora de Canto on line

Un artista antes ha sido siempre un estudiante de artista y para ello ha tenido que ir "quemando etapas" en su formación.

Desde el punto de vista docente, hay que animar a los estudiantes a participar en actividades abiertas al público, como audiciones, pequeños recitales, conciertos, colaboraciones, jam sessions, etc...

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Un Decembro cheo de actuacións

Tralas últimas actuacións en Ferrol e Nogueirosa (Pontedeume), Musicreques disponse para ter un Decembro cheo de compromisos cos máis meniños. Dende O Carballiño ata Riveira, pasando por Ferrol, Curtis ou A Baña, todos os espectáculos de Musicreques terán lugar neste máxico mes.


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#FinalEurovision Comentarios sobre las interpretaciones de los cantantes de #Eurovisión

En este post quiero reflexionar sobre las voces eurovisivas de este año desde la más profunda admiración y respeto por todos los artistas y entendiendo que es un evento en el que los/las artistas están sometidos a una presión mediática inmensa. Llegar hasta aquí ya es un grandísimo logro.

*Ana Moura, en la inauguración de la gala, actuó muy nerviosa, con la voz temblorosa. 

*Mariza, con "Barco Negro", expresiva y carismática, con acompañamiento exclusivamente rítmico, desnuda de armonía, destacó por su afinación perfecta y su manera referente de interpretar. 

*DJs portugueses: amenizaron el desfile de banderas aunando en su música tradición y modernidad.

1. Ucrania. Melovin, tocando y cantando, que requiere mucha preparación, con una canción muy potente, cantando con mucha seguridad. Si hay algo que decir sobre su voz es que en la parte grave le ha sonado algo áfona, insegura y un poco desafinada.

2. España. La canción representante de nuestro país este año tiene concomitancias con la anterior ganadora de Portugal: compás de 3/4, tempo tranquilo, modo Mayor, sin embargo es una canción típica de, podría decirse, "cuatro acordes", es decir adolece de la riqueza armónica que tenía la canción que interpretó Salvador Sobral. 

En "Tu canción", a resaltar cantada en español (la mayoría de países optan por el inglés), los intérpretes hacen un trabajo dispar: Amaia eclipsa toda la energía del escenario, con su voz dulce, perfectamente afinada y expresiva. A Alfred se le ha notado que ha trabajado la nasalización de su voz pero se ha evidenciado este efecto cuando cantaba solo. La artificializa conscientemente, a mi juicio un efecto en exceso se convierte en un defecto.

3. Eslovenia.  Algo calada, interpreta una canción sin excesiva complejidad vocal por poca tesitura. A resaltar positivamente la dicción rápida, clara y concisa en ese tempo. Canta todo en mecanismo I. Con las llamadas de atención en "parlato" agudas ha "levantado" al público, así como con su patente "feeling". 

4. Lituania. Tiene un timbre bonito, canta exclusivamente en registro de pecho. La voz en el grave tiene aire y le suena con poco brillo. En los agudos ha tenido varios "cambios de plano en la cuerda".

5. Austria. Instrumento imponente, muy bien trabajado. La canción es muy simple. El cantante tiene su voz perfectamente equilibrada y timbrada, en el "mix" más ejemplar. Falsete perfectamente controlado. 

6. Estonia. Elina, de formación lírica, canta en italiano, sorprendentemente para el país que representa. Valiente apuesta para el concepto eurovisivo con puesta en escena impactante. Fa5 (índice acústico franco-belga) al final. Soprano lírico-ligera de afinación pluscuamperfecta, equilibrio vocal muy trabajado, vibrato natural muy bueno. Muy expresiva, especialmente en la zona media de su voz.

7. Noruega. Al margen de los efectos visuales, muy interesantes, pues no es lo que me ocupa, destaco  que es un músico integral (cuerda en ristre), canción con mucho ritmo y poca tesitura. Voz timbrada con buen twang,  pero de color común, segura y afinada. 

8. Portugal. Cláudia canta en portugués, nuevamente felicito a todos/as los que ponen en valor su lengua vernácula. Canción con menor interés musical que la del año anterior. Ligera desafinación en el centro-grave. Voz "aireada". Todo en mecanismo I. "Quebrándose" en el ascenso agudo del final. Canta muy "dulce".

9. Reino Unido. Dicción perfecta. Coreada por el público. Ejemplar ejecución del "belting" en los agudos, muy bien ejecutados. Estribillo muy pegadizo y muestra mucho liderazgo sobre el escenario. 

10. Serbia. Balada folk con profusión melismática. En serbio. Idiosincrática. Una apuesta por las raíces mediterráneas. Voces femeninas con mucha proyección vocal, excelentes. La voz masculina, cálida, más insegura en la afinación en la zona aguda, contrasta demasiado con el timbre brillante de las voces femeninas.

11. Alemania. Canción en inglés, muy bonita, de pocos acordes, muy al "gusto comercial" en el estilo "Ed Sheeran", muy bien cantada con una voz muy bella, emocionante y con numerosos efectos vocales como diferentes distorsiones.

12. Albania. Voz perfectamente equilibrada con timbre homogéneo en toda su tesitura. Tenor ligero, a destacar el dominio trabajado del agudo inmejorable. "La" sobreagudo (4), no falsete, con gran control técnico y expresividad. Muy, muy buen cantante. Afinación pluscuamperfecta. Efectos como distorsiones perfectos. Seguridad y magnetismo. Excelente.

13. Francia. En francés. Canción simple. Voz aireada, afinada. Actuación meramente correcta. 

14. Chequia. Rapeando demasiado grave se pierde la inteligibilidad textual. Canta con poca intensidad y tesitura. Manera de cantar muy neutral. 

15. Dinamarca. Rasmussen dispone de una canción con gran interés melódico que conduce la tensión hacia el final aunque hay momentos en los que la voz suena un poco calada y algunas de las notas agudas (la 3) intermedias se han ejecutado con inseguridad.

16. Australia. Comienza insegura (algunos fallos de afinación) aunque poco a poco ha ido "conquistando" el imponente escenario. La canción estructurada partiendo del grave incrementando  la tensión (tesitura y expresividad) hacia el final, ejecutado de manera brillante por la intérprete. Su voz es muy característica para el repertorio "pop", plena de efectos como belting, twang, vocal fry...

17. Finlandia. Saara Aalto posee un gran dominio de su voz, una técnica vocal muy trabajada, con gran control de cambios de timbre e intensidad. La canción recuerda a "Simphony" de Zara Larsson.  Tendrá no demasiados covers porque para cantar esta canción hay que haber trabajado mucho tiempo y muy bien la técnica vocal. Espectacular en sus agudos y sobre-agudos. A destacar el inicio de la canción físicamente en posición invertida.

18. Bulgaria. Canción coral. Se echa de menos más polifonía (canto a varias voces de diferente altura -no meras octavas- simultáneamente) que hubieran enriquecido la actuación. El cantante de color destaca vocalmente. 

19. Moldova. Al intérprete trajeado de azul le faltan armónicos o conexión con su resonancia pectoral. El intérprete de traje rojo canta mejor, con voz más timbrada. La voz femenina tiene buen control. Es admirable la coreografía a velocidad rápida (indicativa de que los tres tienen un buen "fondo" físico) mientras cantan polifónicamente. Canción que deja "buen sabor de boca" por su cariz positivo, ideal para escuchar al despertarse.

20. Suecia. Alternando: nasal (exceso de resonancia en la nariz en su voz plena) y falsete (un poco débil por falta de proyección y con algo de "aire"). Un breve fragmento en ¡autotune!

21. Hungría. Busca más potencia en el grave oscureciendo la voz. Al llegar a la parte aguda tiene gran control técnico de los growls. Domina con holgura la escena en el momento metal más "duro" de la noche.

22. Israel. Onomatopeyas aparte, cross over y polifacética, apuesta con personalidad, puede gustarte o no, pero llama mucho la atención y no deja indiferente a nadie por su creatividad y originalidad. Todo en mecanismo I, hasta el re sostenido 4 en belting, muy bien ejecutado. Buenos efectos vocales acordes con la expresividad de la canción, staccatos precisos, domina en general su voz.

23. Países Bajos. Cierto toque nasal que le confiere personalidad propia. Timbre reconocible, incisivo, voz "rasgada" con buen control en toda su tesitura. 

24. Irlanda. Canción sencilla armónica y formalmente pero de melodía de amplia tesitura. Color limpio, nítido y buena ejecución del falsete. 

25. Chipre. En síntesis "look Beyoncé y voz Rihanna". Tiene mérito cantar con una coreografía tan dinámica. Su timbre es metálico, con buena proyección.

26. Italia. Canción con mensaje. En diferentes idiomas para que su mensaje de paz llegue a todos los rincones de Europa. Transmiten toda la fuerza del mensaje con la voz. La voz rasgada va acorde con esa reivindicación, con pasión. Dúo equilibrado en timbre. Afinación muy buena en toda la tesitura. Muchos efectos vocales correctamente ejecutados.  

Grandes monologuistas: David Navarro, "La clave está en ser original"

Hoy compartimos la entrevista recientemente realizada al genial David Navarro, un jienense de pro. 

En el podcast podrás conocer sus secretos profesionales, cómo prepara una actuación, en qué se inspira, etc... 

Puedes seguirlo en su web y sus redes sociales: YoutubeFacebookTwitter e Instagram.

Conquistando los nervios… Soluciones a problemas que nos da el miedo escénico (I)

La revista The Strad hace una labor de difusión y apoyo a los músicos que es conocida por muchos. Entre sus múltiples artículos hemos encontrado una serie muy interesante titulada Conquering performance nerves. En cada uno de estos artículos se da solución a distintos problemas que surgen a raíz del miedo escénico, y con los que los músicos lidiamos casi a diario. Por ello, en Gran Pausa hemos decidido traducir algunos de estos artículos al español. ¡Esperamos que os sirvan de ayuda!

En esta primera parte vamos a traducir dos artículos que tratan sobre dos problemas: mantenerse concentrado, y mantener un tempo estable.

El problema: Mantenerse concentrado en el escenario

Traducido del original: Conquering performance nerves: staying focused on stage

Autores: Brian Hodges y Diana Allan

URL: https://www.thestrad.com/conquering-performance-nerves-staying-focused-on-stage/1668.article

Mantener a raya tus pensamientos es una habilidad muy importante para un músico, sobre todo durante una actuación. Los estudiantes plantean estas reflexiones a menudo, justo después de haber actuado: “No sé lo que pasó en ese sitio, pero mi cerebro simplemente se fue a otro lado”; “Me resultó difícil recuperar mis pensamientos después de cometer ese error”; “¡No sé a dónde fue mi mente!”.

Cuando estamos en un estado intenso y nuestra adrenalina está a tope, nuestros cerebros pueden estar bastante inquietos y seguir cualquier rastro de pensamiento fuera de nuestro control -como Alicia y el conejo-. Nuestras mentes están tomando la opción de volar en lugar de luchar. Sin embargo, la verdad es que tenemos más control sobre nuestros pensamientos de lo que creemos, y mediante la práctica y la diligencia, podemos aprender a enfocarnos en lo que es más importante para tocar mejor.

Un escenario muy común es aquel en el que cometemos un error – no importa cuán insignificante – lo cual provoca que nuestro cerebro se detenga y se obceque en el fallo que ahora está tres compases atrás, y contando. Mientras tanto, la música continúa y tu mente no se enfoca en lo que está sucediendo en el presente. Como es de esperar, esto lleva a más errores en un efecto de bola de nieve. Aprender a aceptar el error en el momento y cultivar la capacidad de seguir adelante puede ser muy valioso para lograr mantener la concentración.

Las soluciones

Una excelente estrategia es practicar la actuación. Si tu profesor no te proporciona esta oportunidad en clase, crea tú mismo esa oportunidad de actuar. Toca para cualquiera que te escuche (especialmente las personas que te ponen nervioso). A medida que vayas actuando y sientas que tus pensamientos empiezan a perder el foco, di frases internamente. Cosas como ‘sigue adelante’, ‘concéntrate’ o ‘¿qué está pasando en la música ahora?’. Lo que te digas a ti mismo depende de ti, pero tener palabras de control puede hacer que vuelvas a la obra musical que tienes entre manos.

Tienes más control de lo que crees. Cuanto más ensayes tu interpretación, más fácil te será mantener el rumbo de tus pensamientos.

El problema: Empezar bien y mantener el tempo

Traducido del original: Conquering performance nerves: starting well and keeping tempo on track

Autor: Brian Hodges

URL: https://www.thestrad.com/improve-your-playing/conquering-performance-nerves-starting-well-and-keeping-tempo-on-track/7358.article

Lo que sucede con nuestros cerebros y, por lo tanto, nuestra percepción en el escenario, es un fenómeno fascinante. Podemos estudiar tan despacio como nos gustaría en nuestra habitación, sintiéndonos seguros y manteniendo el control. Sin embargo, y en el momento en que pongamos el arco a la cuerda en una situación de estrés, podemos tirar todo por la ventana.

Es importante comprender que tienes control sobre cómo establecer tu tempo y cómo sentirte en el escenario. A pesar de que tu corazón puede estar acelerado como el de una liebre, es posible encontrar un lugar donde centrarse y comenzar correctamente, lo que tendrá implicaciones positivas para el resto de la interpretación.

Las soluciones

El primer paso es tomarse un tiempo antes de comenzar. Muchos músicos, tan pronto como saludan y toman su lugar en el escenario (de pie o sentados), inmediatamente tocan antes de estar realmente 100% listos. Puede existir la percepción de que el público se impacientará si el intérprete tarda demasiado en situarse, lo cual, por supuesto, no es cierto. Solo parece mucho tiempo para ti. El público esperará pacientemente. Quieren una actuación fantástica y si toma un minuto extra mientras te concentras, que así sea.

Una vez que encuentres tu lugar en el escenario, tómate un momento para respirar profundamente, cierra los ojos si es necesario. Canta la música en tu cabeza, solo algunos compases a un ritmo en que te sientas seguro y cómodo. Si realmente te sientes nervioso, toma el tempo más lento de lo que habías planeado. Lo más probable es que la combinación de tu adrenalina, nervios y emoción hará que lo sientas más rápido de todos modos, por lo que al tomar un tempo más deliberado dividirás la diferencia.

Si hay otro músico involucrado, discute de antemano cómo vais a comenzar. Construye lugares en la música para reagruparse, por así decirlo, si el tempo se pone demasiado rápido. Si generalmente comienzas bien, pero eres propenso a apresurarte, conscientemente haz tus movimientos y gestos más grandes. Por ejemplo: usa más arco, haz movimientos de brazo más grandes, lo que sea necesario para evitar tensarse y cansarse.

La clave es saber que está bien tomarse un tiempo antes, y comenzar a buscar tu lugar interno, donde te sientes cómodo y controlado. Puede llevar un tiempo acostumbrarse en las actuaciones, pero la sensación que obtienes cuando actúas desde una posición de fuerza y seguridad vale la pena.

 

 

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