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Etiqueta: dicción

  • Notas sobre el canto y su docencia (Paula Anglin), I

    Ya publicamos una breve conversación que mantuve con la cantante y coach vocal Paula Anglin, ahora comparto con vosotros algunas notas que tomé en su masterclass. 

    Sobre la clase: 
    – Paula deja al alumno cantar la obra entera.

    – Los alumnos interpretan las obras de memoria y antes las presentan y cuentan el argumento o la situación que van a interpretar. 

    – Casi todos los alumnos cantan descalzos para sentir la conexión del cuerpo con el suelo.

    Sobre la postura:
     – Si se tiene que interpretar un rol en el que el personaje cojee se debe  parecer tambaleante pero sin perder la posición y mantener el cuerpo abierto. 

    – Siempre se ha de encontrar la postura equilibrada y que la espalda no se arquee. Esta bien moverse pero sin perder la conexión del cuerpo.

    Sobre la respiración:
     – Se ha de poner primero el aire y después el sonido. El aire es el medio de propagación del sonido.  En la respiración se ha de implicar la musculatura abdominal y del suelo pélvico. Al respirar se ha de movilizar el aire y se debe prestar más atención a la espiración que a la inspiración.

     – Cantar no es mas que impulsar el aire y poner el sonido encima. Da igual el estilo.

    –  El gesto de la respiración deja libre la laringe para hacer lo que se necesite y esto es para todos los estilos. 

    – La historia de la canción tiene que estar ya en la respiración inicial.

    Sobre la emisión: 
    – Para no perder los armónicos superiores hay que mantener el cuello sin adelantarlo.  El cuello debe estar libre y alineado con la espalda. 

    – La mandíbula debe estar suelta para tener un sonido completo. No se debe enganchar en la mandíbula, debe estar totalmente disponible para articular los sonidos y abrirse.

    Sobre la dicción: 
    – Las consonantes sonoras ayudan a movilizar el aire. También las consonantes fricativas. 

    – Ingles, aleman, checo y ruso la linea de legato la llevan las consonantes fricativas y sonoras.  En el Italiano y Español la linea de legato la llevan las vocales.

     – El texto es todo. Se debe decir con energía el texto. El trabajo de las consonantes del alemán:  las coonsonantes deben anticiparse y vocal debe caer en el tiempo. Que la consonante suene con la afinación para que coja la resonancia y se debe hacer una apertura de la boca directa.

  • Las habaneras de Torrevieja

    Todos los años, desde hace ya sesenta, pues este mismo año se cumple el sexagésimo aniversario, se celebra en la ciudad alicantina de Torrevieja el Festival Internacional de Habaneras. Es todo un referente mundial puesto que a éste acuden los mejores coros de todo el mundo. 

    Desde que soy pequeña no me pierdo la cita anual, aunque sea por televisión, ya que Televisión Española la retransmite (primero lo hacía en directo, últimamente en diferido). Hay un nivel vocal excepcional y las agrupaciones siempre cantan una obra obligada (para discernir la calidad interpretativa con un standard de referencia) y también hacen obras propias de sus respectivos países de origen. 

    Con un denominador común que es la célula de origen cubano de negra con puntillo, corchea y dos negras como motor rítmico, hay otra característica que une a los diferentes coros y es que cantan todos juntos una obra, siendo dirigidos por el director/a premiado. Una manera de unir a los cantantes en el escenario y poner un broche final espléndido al festival. 

    Se canta siempre a varias voces y es una manera de testar la pronunciación o dicción del castellano por diferentes países.
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    De un tiempo a esta es todo una muestra de colorido intercultural y de aprendizaje vocal de diferentes partes del mundo. No os lo perdáis!

    Si queréis ampliar la información podéis consultar en: 

  • Reflexiones sobre el canto de Alfredo Kraus, II parte

    Continúo aquí las notas sobre la entrevista a Kraus.

    Vídeo III


    En este vídeo nos habla de la técnica respiratoria del cantante y resalta que es necesaria la apertura total alrededor de las costillas, la expansión de la caja torácica para que el diafragma se mantenga estirado durante la emisión. El diafragma debe estar abierto.

    Kraus recomienda cantar a media voz.


    Se habla de “contrasentidos”: el apoyo tiene que ser mayor, el diafragma debe estar más tenso para quitarle volumen y fuerza a la voz. Se ha de mantener una columna continua de aire, la voz debe estar aliméntandose todo el tiempo de aire.

    Habla del falsete y sus sensaciones.

    Vídeo IV


    Habla de la importancia de trabajar una dicción clara para que se entienda lo que se canta. La dicción hay que cuidarla mucho más de lo que en general se cuida. No se puede separar la dicción del trabajo técnico. Hay que unificar la emisión con la dicción.

    Las mujeres se preocupan del sonido y se olvidan de la pronunciación. La palabra es primordial y se tiene que entender todo para transmitir el mensaje de la obra.

    Recomienda que lo importante es no tener prisa, hay que tener muchos aspectos en cuenta a la hora de cantar, hacer la respiración justa, la colocación, la dicción, la dinámica, etc.


  • Formación actoral en cantantes

    Cada vez que interacciono con otras disciplinas artísticas aprendo cosas nuevas y valiosas que creo que deberían formar parte de la formación de un cantante, una de ellas es la formación actoral.

    Nos preocupamos mucho de aprender técnica vocal, idiomas y fonética, música, armonía, etc y nos olvidamos en muchas ocasiones que el fin último es interpretar, actuar, transmitir un mensaje independientemente de que esté enmarcado en una canción, en una ópera, en un oratorio o en un musical. Al fin y al cabo siempre hay una historia que contar, unos sentimientos que narrar y una situación que plantear. 

    Mi experiencia me dice que cuanto más interpretamos, en el sentido amplio de la palabra, es decir implicando nuestro gesto, nuestra emoción y sobre todo nuestro cuerpo mejor lo hacemos, más natural, más verdadero. Ojalá hubiera prestado más atención desde el primer momento a este tipo de cosas. Los cantantes, muchas veces, nos obsesionamos con la técnica, el sonido, el color, los agudos, la respiración y un sinfín de cosas que si trabjáramos desde un punto de vista más amplio apreciaríamos que todo tiene que ver con la relación con nuestro cuerpo y con la interpretación de lo que cantamos. Por lo tanto cuanto más trabajamos el cuerpo y la interpretación más orgánico se vuelve nuestro canto.

    Siempre digo, como históricamente han dicho los grandes maestros de canto, que la palabra es la hoja de ruta de un cantante, que se debe entender el texto pero no solo desde el punto de vista de la inteligiblidad sino también desde la emoción, desde la caracterización del personaje. Desde el punto de vista interpretativo-actoral es necesario que sepamos qué sucede, qué historia se está contando y sobre todo en qué momento o estado emocional está el personaje  para poder buscar en nuestro interior las emociones que nos lleven a ese estado. Si somos capaces de impregnar nuestra voz de esas emociones la mitad del camino estará hecho. Por supuesto, desde el punto de vista de la técnica vocal no podemos descuidar la pronunciación de aquello que cantamos y es esencial entender aquello que decimos para darle nuestros matices personales a través de esa emoción. 

    Creo fundamental para los cantantes que quieran dedicarse a la ópera, la zarzuela, los musicales y en general la música escenificada que reciban formación actoral, que se apunten a clases de teatro, de expresión corporal. Lo ideal sería tener un profesor de teatro que supiera trabajar con cantantes como sucedió en mi caso porque al hacerte actuar mientras cantas te hace franquear tus propios límites como cantante y como actor. 

    La verdad es que no entiendo como en las enseñanzas profesionales de música no existe, en muchas comunidades autónomas, una clase  expresión corporal puesto que si para los cantantes es fundamental, para el resto del los músicos sería de gran ayuda para poder tomar conciencia de su cuerpo con el que trabajan todos los días. Considero necesario plantearse la formación artística desde un punto de vista más amplio que enriquezca a los alumnos y a los profesionales.