El ancla de la tradición musical

La música clásica (como se la suele denominar), tiene unas raíces muy profundas. Y no sólo en lo que a la propia música se refiere, sino todo lo que la rodea: los conciertos, las orquestas, los músicos, las grabaciones, la enseñanza, los instrumentos… Toda la industria clásica que existe hoy en día es una gran estructura forjada durante siglos. Esto es bueno y a la vez, malo.

Está claro que gracias a la tradición, la música clásica ha llegado al punto en el que estamos. Sin embargo, se está estableciendo en el mundillo cierto tufo a reaccionario que no nos deja avanzar y adaptarnos a la nueva sociedad. A mi forma de verlo, llevamos más de un siglo sin experimentar cambios significativos en muchos ámbitos. A veces hay intenciones de evolución y de cambio, pero son miradas con recelo, produciendo a veces hasta el escándalo de algunos sectores.

Hace menos de un año, el director de orquesta Baldur Brönnimann escribió en su blog un post sobre 10 cosas que cambiar en los conciertos de clásica. ¿Las consecuencias? Más de 100.000 visitas y un escándalo en las redes.

Actualmente, existen dos respuestas frente a los cambios: de acogida y de rechazo total. Como es habitual entre músicos, todo es blanco o negro. Por poner un ejemplo: la aparición de nuevos materiales que podemos aplicar a nuestros instrumentos. Hace poco hablaba con un luthier estadounidense, David Rivinus, que se dedica a construir instrumentos ergonómicos. Me comentaba que había decidido sustituir todas las piezas de ébano en su taller por otros materiales. Las razones que me daba eran varias: Por un lado, el ébano es un árbol en peligro de extinción.Por otro, con materiales más modernos es posible reducir el peso del instrumento, logrando así que sea más cómodo tocarlo. Frente a este simple cambio, muchos músicos se muestran reacios. Otros le exigen que el nuevo material sea negro o que imite al ébano, como queriendo agarrarse a la tradición por todos los medios. Así somos, queremos que las cosas sigan siendo como hasta ahora.

También tenemos otro ejemplo en el mundo discográfico. Muchos sellos se atreven con un marketing más agresivo, utilizando portadas de discos llamativas o programas innovadores. Sobre ello, podéis leer este post, con dos opiniones enfrentadas: ¿Estamos sexualizando a nuestros artistas para vender más, o sólo nos adaptamos a los nuevos públicos?

El protocolo y conciertos

Los conciertos de música clásica guardan un protocolo bastante rígido, desde la forma de vestir hasta el desarrollo del propio concierto. Todos estos elementos están ligados a la tradición de finales del XIX y principios del XX. 

  • Vestir de etiqueta: Como explicábamos en este post recientemente, cuando los conciertos comenzaron a darse en grandes salas, tanto los músicos como los asistentes debían vestir de etiqueta. Los conciertos eran eventos sociales dirigidos a las clases altas. Al principio, las orquestas estaban formadas solamente por hombres, por lo que el traje formal que se adoptó para los conciertos era el frac. Cuando las mujeres empezaron a aparecer en escena, optaron por vestir enteramente de negro para no desentonar con los fracs de los hombres. En la actualidad, el público no suele ir de etiqueta a los conciertos, salvo excepciones muy concretas. Ellos han sabido adaptarse a los nuevos tiempos mejor que nosotros, que seguimos tocando igual de “cómodos” que hace más de cien años. No digo que tengamos que ir a los conciertos en camiseta, no vaya a ser que a alguno le dé un síncope. Pero sí usar camisa o trajes más actuales/cómodos. Y, ¿negro?…
  • El eterno conflicto de los aplausos entre movimientos: Todavía en algunos ámbitos, como ópera o ballet, se mantiene la tradición de aplaudir a los solistas en plena ejecución. ¿Por qué si alguien aplaude entre movimientos se le manda callar como si estuviera haciendo algo irrespetuoso? Imaginemos por un momento a esa persona poco familiarizada con la música clásica, que no sabe ese protocolo de “no aplaudir hasta el final” y se arranca, entre los “shhh” de una parte del público. Igual se le quitan las ganas de ir al más conciertos. Además, la gente aplaude porque le gusta, como muestra de respeto o admiración, deberían tener libertad para expresar esto, y nosotros agradecérselo.
  • Los programas: Con la gran cantidad de repertorio que hay, parece que siempre se programan las mismas cosas. Pensamos que nuestro público sólo vendrá con Mozart y Beethoven, pero no le damos la oportunidad de decidir si quieren ir a ver algo más fresco, inusual, menos trillado. No le damos la oportunidad de descubrir nuevas obras, no sólo contemporáneas, sino de todas las épocas y estilos, pero no tan conocidas. ¿Es posible que por comodidad?
  • La captación de nuevos públicos: Ya hablamos de ello en este otro post. El público de clásica envejece, y hay mucha gente que ni siquiera ha vivido la experiencia de esta música en directo porque piensa que “es de viejos”, “parece una misa”, “se hace eterna”. También es importante saber dirigirse a la familia con una programación didáctica y para todos los públicos.
  • No sólo con música: ¿Quién no conoce la película de Fantasía? Las obras que se interpretan en ella marcaron a varias generaciones. Es un concepto que puede trasladarse a los conciertos. Usar imágenes, actuaciones, acompañarnos de nuevas tecnologías y ofrecer un espectáculo más allá de la música.

La enseñanza

Muchos profesionales se quejan de las carencias que han tenido en su educación musical. En el mundo de la pedagogía surgen de continuo nuevas técnicas y estudios que podríamos aplicar a la enseñanza reglada en los Conservatorios. Por otro lado, también aparecen nuevas tendencias, en cuanto a la aplicación de técnicas deportivas en el estudio de la música. El profesor de Conservatorio debe reciclarse con todo ello.

  • La especialización: Se echa en falta en la carrera musical la existencia de diferentes itinerarios. Un músico puede dedicarse a muchas cosas, pero cuando sale del Conservatorio, sólo sabe hacer una: interpretar obras y conciertos para su instrumento. No sabe dar clase, no sabe tratar con alumnos de diferentes edades, casi no sabe tocar en orquesta, no se ha especializado en cámara, no se ha especializado en ningún estilo o época, no sabe tocar música contemporánea (en su mayoría)… Muchas carencias que se solucionarían ofertando itinerarios para especializarse.
  • La necesidad de un orientador educativo y laboral, de la que hablamos en este post.
  • Más improvisar y más cantar: La técnica y el lenguaje musical son necesarios, pero lo primero que un niño debería aprender cuando estudia música es a potenciar sus aptitudes de manera intuitiva. Es necesario que les invitemos a improvisar, tocar sin partitura (y no hablo de la memoria), y siempre entonar en lenguaje musical, no sólo medir.
  • Libertad de interpretar: A menudo, el profesor es el que le da la idea musical al alumno y le ayuda a desarrollarla. Debemos invitar a que sea el alumno el que nos muestre su idea musical de cada partitura, sugerirle nuestro concepto y no imponérselo.
  • Aplicar nuevas técnicas: Cuando un alumno comienza a aprender música, suele ser pequeño. Las nuevas técnicas están basadas en el disfrute del alumno frente a la progresión. Cuando el alumno disfruta, progresa al mismo tiempo, pero si sólo se centra en progresar, es posible que se frustre.

Las redes sociales

Mientras que en otros ámbitos, los Comunity Mangers son estrellas mediáticas, pocos músicos/orquestas atienden a su presencia en las redes. Algunas ventajas del uso de las redes:

  • Captación de nuevo público.
  • Mayor difusión de nuestro trabajo.
  • Imagen de cercanía.
  • Relación con el público más directa.
  • Imagen de modernidad.

No sólo sirven para los músicos solistas o para agrupaciones de cámara u orquesta. También los profesores pueden hacer uso de ellas para contactar con los alumnos en su lenguaje y mantener su interés en la música usando nuevos recursos.

En resumen, renovarse o morir. Es hora de que la música clásica entre en el siglo XXI.

 

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Nada de sexo, por favor, somos “músicos clásicos”.

Preparando el próximo post, en el que quería hablar sobre tradición en la música clásica, me he encontrado con este llamativo artículo de The Strad. No he querido perder la oportunidad de traducirlo para compartirlo con todos, porque creo que retrata a la perfección los dos tipos de músicos – y de corrientes – que podemos encontrarnos hoy en día en el mundo de la clásica.

Vosotros qué pensáis, ¿es hora de modernizar el universo clásico? ¿Nos quitamos ya el corsé?

Publicación: The Strad

http://www.thestrad.com/cpt-latests/no-sex-please-were-classical-musicians/

Fecha: 30 Julio de 2015

Título original: No sex please, we’re classical musicians

¿Consigue la sexualización de los músicos incrementar la accesibilidad a su música o, en cambio, se trata de puro exhibicionismo? Dos importantes músicos debaten sobre unos de los temas más candentes de la industria clásica.

El solista internacional de cello Janos Starker

Durante los 70 años que llevo sobre el escenario, siempre he esperado que la audiencia venga a escuchar la música que interpreto, no a mirarme. Por supuesto, si uno toca música a un nivel muy alto y además también tiene carisma o una personalidad agradable, es un plus para la actuación. Pero a lo largo de la historia siempre ha habido gente excéntrica, a falta de una palabra mejor, que piensa que lo que está haciendo no es suficiente, lo que les hace sentir la necesidad de, por ejemplo, usar un vestido corto de manera que la audiencia más joven pueda disfrutar de la vista.

Las compañías discográficas a menudo venden más según luzca la portada del disco, esto es algo de lo que no podemos escapar. En lo que a mí respecta, si el artista tiene un gran nivel y desea vender más o conseguir más gente en la sala de conciertos, genial. Pero me gustaría que algunos buscaran un medio mejor para hacerlo, como hablar en público sobre su música de una manera inteligente y usar sus cerebros en lugar de sus poderes sexuales. Cuando alguien como Yo-Yo Ma combina fuerzas con músicos de jazz, como ya hizo Yehudi Menuhin, debido a su fuerte personalidad y musicalidad excepcional, creo que ayuda a la causa – indica que está preocupado por tocar música a un nivel alto.

Hay individuos, llevados por la presión de sus managers, que a veces hacen tonterías, al menos a mi juicio. Como una persona que tiene la convicción de que la música apela a los sentidos superiores, estoy escribiendo sobre aquello que hace que una obra maestra lo sea y aquello que hace que una actuación magistral lo sea, y observo que estos temas se presentan en todos los campos, no sólo en la música. A veces, se anima a pintores a que aparezcan en la revista Playboy, y cosas así. Para mi mentalidad y mi generación, este comportamiento es una estupidez y una equivocación; pero viendo el mundo, en el que hay tantos jóvenes con tanto talento compitiendo por el éxito, puedo ver que es una muestra de los tiempos que corren.

Una vez dicho esto, está por comprobar si posando desnudo en la portada de un disco aumenta realmente el público de música clásica o simplemente aumenta la reacción de las audiencias más jóvenes. Creo que este tipo de comportamiento pertenece más bien a los artistas del pop, y me importa un pepino lo que hacen estos.

Esta discusión nos lleva a un tema que he tratado toda mi vida; que la música clásica solamente llama a un 1-2% de la población. Mi trabajo como artista ha sido ayudar a mejorar estas estadísticas. El hecho es que la música clásica requiere un mayor nivel de reconocimiento de los valores humanos. Puedes ser el violinista más increíbe del mundo, pero aparecer semidesnudo en el escenario está mal – porque no es necesario. Se quita la base de la apreciación de la música, que es escuchar. Este comportamiento lo tienen personas que no están seguras de que son tan buenas como les gustaría.

La violinista canadiense Clara St. John

La música clásica tiene una gran tradición. No podemos esperar que el espectador medio sepa quién era Bach, o por qué era genial. Entonces, ¿cómo puede nuestra industria atraer a una nueva audiencia, que en principio no está interesada en los clásicos?

Se puede lograr el interés de nuevos públicos de manera simple . Esta música imperecedera se puede acercar al público en general a través de imágenes más familiares. Es importante hablar con el 98% de la población que no parece poner interés en la música clásica sin alienar al 2% que sí la conoce y ama. El espectador medio tiene la impresión de que esta música, escrita en el tiempo de su tatara-tatara-tatara-abuelo, está tan muerta como su ancestro. Para cambiar esta percepción podemos valernos de un buen marketing. Podríamos  ganarnos a ese espectador medio si le presentamos a una persona vibrante y accesible, de su propia generación, con la que pueda relacionarse. El desafío es simplemente una cuestión de conseguir atraer a la gente a través de esa puerta de cristal en la tienda de discos, o en la sala de conciertos, posiblemente gracias algún cartel fresco. El hecho es que, una vez que has oído hablar de Bach, no vuelves atrás.

Dicho esto, no se puede perder de vista el hecho de que es la integridad la que impulsa a la música clásica, no sólo el markenting. ¡Posar en revistas enjabonando Ferraris no es lo que debe hacer un músico! Yo, por mi parte, estoy contra del uso de dicha comercialización para alimentar con basura al público.

anna sophie mutterSin embargo, se practica una doble moral, y seguirá siendo así por muchos años, cuando hablamos de mujeres en la música clásica. Algunos se sorprenden cuando la violinista Anne-Sophie Mutter lleva5ef9b674-7a2b-11e4-_814022j un vestido palabra de honor en la portada de su álbum, sin embargo, el barítono Dmitri Hvorostovsky puede ir en topless [vemos su fotografía publicada en The Times] y nadie parpadea un ojo. ¿Qué es lo que se espera de las mujeres, que lleven sacos de patatas? No hay ninguna razón por la que las Leilas, Anne-Sophie y Eroica Trios del mundo deban ocultar el hecho de que, además de ser excelentes músicos, son atractivas.

Esta discusión no estaría completa sin hacer mención a mi cubierta ‘en topless’ (que no era 51OTrEQuQTL._SY300_tal) para mi CD sobre las obras de Bach para violín solo, que grabé en 1996. Antes de su lanzamiento, nadie había puesto una foto innovadora en la portada de su álbum. tras la publicación siguieron innumerables entrevistas y artículos, dando lugar a unas cifras de ventas impresionantes para ser una grabación clásica. Estas ventas generaron aún más entrevistas en las que siempre me pregunté, ¿por qué? Bueno, yo sé muy bien que la publicidad que rodea la cubierta aumentó las ventas del álbum en al menos 20.000 copias; una imagen de J.S. Bach habría vendido bastante menos. ¿Y a quiénes se venden? Pues a el espectador medio que nunca había oído hablar de Bach.

Y tú de quien eres…

Es frecuente encontrar en el mundo de la música clásica biografías y currículums que obvian la labor del conjunto de los profesores que han ayudado al cantante a llegar a ser lo que es y prestan demasiada atención, excesiva, a los profesores de canto.

Dudo mucho que haya sido sólo labor del profesor de canto enseñar: lenguaje musical, armonía, historia de la música, estética, idiomas, piano, escena, repertorio, y un largo etcétera, siendo todas estas materias competencias necesarias para la formación integral de un cantante, sin las cuales quedaría totalmente limitado.

Antaño era responsabilidad de un único profesor la formación integral del músico y tenía sentido citar a un único profesor, era una época artesanal, podríamos decir, de la enseñanza musical. Hoy en día es un vasto conjunto de profesionales los que están implicados en la formación musical y todos ellos merecen un sitio igual, pues la aportación de cada uno es igual de imprescindible. 

Recuerdo con especial cariño a los profesores que me animaron a seguir en los momentos difíciles, como Carlos Gimeno, Agustín Manuel Martínez, Pilar Fuentes, Mariela Gómez Pardo, Francesca Roig, Alan Branch, Alba Rosa Forasté, Tomás Gilabert, Miguel Gironés, Mª Carmen Sansaloni, Gabriel y Santiago Casero, Luciana Serra, Manel Ruiz... Todos ellos creyeron en mí y me aportaron muchísimo en mis estudios. A todos ellos debo gratitud por siempre y admiración por su labor bien hecha.

Me parece justo que hagamos de vez en cuando un examen de conciencia y, aunque sea en privado, les reconozcamos a esos profesores su aportación en nuestro crecimiento.

I Concurso de música Gran Pausa

Queremos inaugurar nuestro canal de YouTube y queremos hacerlo por todo lo alto. Por eso, hemos decidido organizar un concurso online para que seáis vosotros, nuestros seguidores, los que nos ayudéis en esta tarea. ¡¡Muchas gracias por participar!!

Descarga el formulario de solicitud en formato .docx rellenable 

 

o si lo prefieres…

Descarga el formulario de solicitud en formato .pdf

BASES

El titular de la presente promoción es  granpausa.com, cuya finalidad es realizar un concurso de música online entre su comunidad de seguidores en el que podrán participar todas las personas físicas que cumplan los requisitos establecidos en estas bases.

REQUISITOS DE LOS PARTICIPANTES

  • Tener cumplidos los 18 años.
  • Aceptar las bases del concurso.
  • Será posible participar en grupo, máximo de diez personas.
  • Ser seguidor de granpausa.com a través de Twitter o Facebook.

OBJETO DEL CONCURSO

El concurso consiste en la grabación de un vídeo en el que el participante/los participantes aparezcan actuando con su instrumento/s musical/es o su voz, en grupo o individualmente.

La obra u obras interpretadas deberán ser de género clásico, pudiéndose elegir libremente el estilo (barroco, romántico, nacionalismo… etc.) Podrán interpretarse obras completas o movimientos aislados.

PREMIO

  • El ganador o ganadores del concurso inaugurarán el canal de YouTube de Gran Pausa: el vídeo de su actuación será el primero que subamos a nuestro canal de YouTube por estrenar, dándole difusión durante todo un año (hasta Septiembre de 2016) a través de nuestros perfiles en las redes sociales y a través de nuestra web-blog. Además recibirá el eBook de Gran Pausa totalmente gratis.
  • Segundo y Tercer finalista: Los finalistas también inaugurarán el canal de Youtube con los vídeos de sus actuaciones, que difundiremos por nuestros perfiles en redes sociales y nuestra web-blog durante dos meses.

CARACTERÍSTICAS DEL VÍDEO

  • Debe estar en formato digital compatible con la plataforma YouTube.
  • El participante o participantes deben ser claramente reconocibles y actuar en vivo. No será válido ningún tipo de playback o grabación previa.
  • El sonido y la imagen deben ser de una calidad aceptable.
  • La duración mínima es de 3 min y el máximo de 15 min.
  • La música interpretada debe estar libre de derechos de autor.
  • El peso máximo del vídeo es de 2GB.
  • Se debe nombrar el archivo de vídeo con el nombre del participante. En el caso de agrupación, con el nombre de la agrupación.

SOLICITUDES

Las solicitudes serán enviadas a la dirección de email concurso@granpausa.com  antes del 27 de Septiembre de 2015 de la siguiente forma:

  • Solicitud rellena.
  • Vídeo en formato digital. Puedes usar la plataforma WETRANSFER para enviar archivos pesados con más facilidad. El vídeo debe ser descargable, no un link a una plataforma tipo Vimeo o YouTube.

JURADO Y VALORACIÓN

El jurado estará compuesto por músicos profesionales y presidido por la creadora del blog granpausa.com, Teresa González. El fallo del jurado se hará público durante la semana del 5 al 11 de octubre. El jurado se reservará el derecho a declarar el concurso desierto. Se valorará:

  • Calidad técnica.
  • Calidad musical, creatividad a la hora de interpretar.
  • Puesta en escena y estética de la actuación.
  • Originalidad en la elección de la obra/s.

DISPOSICIONES FINALES

La organización se reserva, durante y después de su celebración, el derecho de difusión por cualquier medio de reproducción, de todos y cada uno de los vídeos, sin que ello ocasione retribución alguna o percepción de derechos para los concursantes.

Las bases podrán ser modificadas en pos de corregir posibles errores.

La solicitud de inscripción implica conocer y aceptar las presentes bases.

 

Un verano de festivales

En esta edición de viajes musicales te vamos a proponer varios destinos muy especiales para tus vacaciones de verano, y todos tienen en común la celebración de algún festival de música clásica.

Reino Unido y The Promsfirst_night_of_the_proms

Fechas: Del 13 de Julio al 12 de Septiembre

¿Qué puedes encontrar? En Proms se ofrecen infinidad de conciertos y otras actividades musicales, la mayoría de ellos en la ciudad de Londres. Desde conciertos “late night”, conferencias y charlas, los clásicos de siempre, bandas sonoras, macro conciertos al aire libre…

¿Es muy caro? Depende del concierto al que vayas, hay eventos que son gratuitos, luego los precios pueden ir desde la 5 hasta las 90 libras. También puedes adquirir pases o bonos para ir a varios eventos.

Puedes encontrar toda la información pinchando en el link.

Bayreuth y Wagner

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Fechas: Del 25 de Julio al 28 de Agosto

¿Qué puedes encontrar? Este festival data de 1876 y se celebra en un teatro construido expresamente para representar las óperas de Wagner. De hecho, él mismo supervisó las obras de este teatro. Cada verano se representan todas sus óperas de mano de los mejores especialistas en el compositor. Desde luego, la meca de los amantes de su música. Sólo advertir que debes reservar tu entrada con bastante antelación.

¿Es muy caro? Hay entradas desde 30€ hasta 300€, pero ya te aviso de que la mayoría de los sitios superan los 100€.

Tienes toda la información del festival aquí.

Ópera y más en Aix-en-Provence

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¿Qué puedes encontrar? Aunque en sus inicios era un festival centrado en la lírica, y sobretodo en las obras de Mozart, actualmente su oferta es muy rica. Desde óperas de diversos autores, música de cámara, master class, conferencias… Todo tipo de actividades culturales.

¿Es muy caro? Para ver las óperas, sus eventos estrella, debes desembolsar entre 140€ y 250€. También cuentan con pases y ofertas especiales.

Toda la información la tienes en su web, pinchando aquí.

La ópera italiana en Verona

1_ 2012 Arena di Verona_Ennevi photoFechas: Del 19 de Junio al 6 de Septiembre

¿Qué puedes encontrar? En un emplazamiento único, la Arena romana de Verona, este festival reúne cada año lo mejor de la ópera italiana, aunque también programa a otros autores. La oferta de espectáculos nos es tan variada como en otros festivales, pero vale la pena, pues la calidad lo merece.

¿Es muy caro? Los precios van desde los 20€ hasta los 225€, depende de la zona en la que te sientes, y del día del espectáculo.

Tienes toda la información aquí.