“The Chop Notation Project”, el mapa definitivo de la técnica “chop”

nEl “chop” no es ya una técnica de arco novedosa entre los instrumentistas de cuerda no clásicos. Desde que Richard Green definiera sus fundamentos en los años sesenta, sus posibilidades se han difundido ampliamente y es utilizado y enseñado en el ámbito de muy variados estilos, desde el bluegrass original al jazz, el rock, o cualesquiera estilos que utilicen ritmos marcados que puedan ser imitados por un instrumentista de cuerda.

Sin embargo, aunque la técnica sea ya conocida y se enseñe en talleres, masterclasses y por medio de videotutoriales, sus diferentes tipos no estaban estandarizados ni sistematizadas en ninguna publicación, de modo que resultaba complicado plasmar notaciones específicas de cada “chop” que todo el mundo comprendiera.

Afortunadamente de que dos de los mejores “choppers” de la actualidad se han unido en esa labor y han lanzado “The Chop Notation Project“, una publicación en PDF de difusión totalmente libre (aquí podéis descargarla) en la que han plasmado un trabajo muy concienzudo y profundo sobre este recurso percusivo, y que puede convertirse en la fuente de referencia en materia de “chops”.

The Chop Notation Project” cae por tanto como agua de mayo para profesores y estudiantes intermedios y/o avanzados si se generaliza su uso, porque así podrán tener ya un glosario de términos y notaciones compartido por todos.

Para lograrlo, Casey Driesen y Oriol Saña lo difunde de manera totalmente libre, y animan a que todos lo hagamos también a través de nuestros medios.

Casey también ha compartido este video donde muestra los términos y técnicas de su Glosario, y proporciona una visión general de lo que se muestra en el libro. El video también está disponible sin coste, y es muy recomendable su visionado.

¿Qué incluye esta publicación?

Un somero vistazo a su índice nos informa de lo que podremos encontrar:

  • “Una breve historia del chop” con relatos de primera mano de tres generaciones de esta técnica (Richard Greene, Darol Anger, Casey Driessen).
  • “Consejos y técnicas” para “choppear”.
  • “El glosario de notación Chop” de símbolos de notación para escritura / lectura, junto con instrucciones escritas detalladas.
  • “Ejercicios y grooves”: una serie de diez talleres, creados de manera acumulativa y que muestran el uso de los símbolos a través de pequeños ritmos y frases.
  • Créditos para el desarrollo de varios golpes de arco / técnicas / símbolos
  • Todo el documento se puede descargar gratis y las partes de notación están formateadas para imprimir por separado si se desea.

En total, más de 30 páginas de valiosa y gratuita información.

Esto es lo que explica la propia página web del proyecto:

SOBRE ESTE PROYECTO

The Chop Notation Project es un trabajo escrito para crear y fijar una notación musical estandarizada para leer y escribir percusivamente la técnica de cuerda arqueada conocida como chop, actualizándola con la práctica de la interpretación actual. Creado por Casey Driessen con Oriol Saña, y en consulta con otros “choppers” reconocidos, el objetivo es que un sistema como éste permita a los compositores e intérpretes compartir y comunicar sus ideas musicales más fácilmente en todo el mundo.

El objetivo principal de The Chop Notation Project fue establecer un “glosario” de notación. Para escuchar y ver estos símbolos explicados, vea el video a continuación o en YouTube.

The-Chop-Notation-Project_Final

Fuente: The Chop Notation project

“Bluegrass violín”, el libro en español para iniciarse en el estilo de moda

La música norteamericana de raíces vive un momento dulce en España. Imagino a todos esos artistas folk que llenan las salas de concierto sorprendidos del recibimiento en un país tan ajeno a una música nacida en el ámbito rural de la América profunda.

Y es que la “americana music”, como les gusta llamarla a los aficionados (con esa manía de reducir lo americano a lo puramente estadounidense) se manifiesta en innumerables eventos y manifestaciones; productoras como The Mad Note se han especializado en artistas englobados en ese estilo y programan de forma continua conciertos de raíz americana. Los festivales dedicados al country, bluegrass, etc., como el Huercasa Country Festival, el Nofugrass Fest, el Al Ras, el Folk Me Hard, o el recientemente estrenado Americana Music Madrid se consolidan con llenos; campamentos musicales como el Barcelona Bluegrass Camp se dedican en exclusiva a estos estilos; grupos españoles especializados en las diversas variantes de la Americana Music se crean continuamente y tienen también éxito (yo mismo he formado parte de alguno); cursos de baile que enseñan Line Dance; programas de radio como el mítico Toma Uno de Manolo Fernández o la Aventura Americana Radio en internet, jams sessions que se programan en diversos locales para reunir a músicos aficionados… enfín, pocos estilos tienen una vida tan diversificada y una afición tan fiel como esta.

Viene a cuento esta introducción para presentar la primera publicación (que yo conozca) dedicada al violín bluegrass, que está editada en español. Y no sólo eso, sino que además está escrita por dos barceloneses en la cumbre de sus instrumentos, no sólo en España, sino en todo el mundo: Oriol Saña y Lluis Gómez. Así que sólo me queda alegrarme de que al fin dispongamos de un manual teórico y práctico en nuestro idioma dedicado a uno de mis géneros favoritos.

Sobre el bluegrass ya he hablado anteriormente, tanto sobre su historia como sobre su técnica, así que simplemente voy a comentar el libro de Oriol y Lluis.

“Violín Bluegrass” es una guía de acceso a esta música nacida en Kentucky que trata, de forma sencilla, las claves básicas a tener en cuenta para adentrarnos con garantías en ella. Cuestiones importantes como los distintos tipos de ritmos y golpes de arco que se suelen hacer (Nashville Shuffle, Georgia Bow, Cross Shuffle…) técnicas como el slide, dobles cuerdas, la importancia del cuarto dedo o el uso de la “cejilla”; características como el uso esporádico del modo mixolidio, detalles armónicos del blues, etc., se intercalan con la enseñanza del aprendizaje de unos doce temas canónicos de este mundo.

Para los españoles que no conozcan nada sobre el bluegrass, pero se sientan atraídos por esa eléctrica y contagiosa manera de tocar, es una estupenda oportunidad de familiarizarse con ella con seguridad y facilidad gracias a sus amenas explicaciones y sencillos arreglos de los temas y ejercicios. Desde luego, hay muchas publicaciones con canciones de este tipo, pero pocas en las que cada tema vaya acompañado con una explicación-guía que proporciona las claves para enfrentarse a ellos con coherencia y con pistas para ir perfeccionando y enriqueciendo la técnica utilizada.

También se tratan otras cuestiones interesantes cuando hablamos de bluegrass: la improvisación, la importancia de escuchar mucho a los grandes de este estilo y no limitarse a leer la partitura, el valor incalculable de participar en jam sessions, el violín de 5 cuerdas, etc.

Debo decir que, desde un punto de vista pedagógico, la música folk en general, y el bluegrass en particular, tienen un valor altísimo: con él trabajamos de forma sencilla aspectos tremendamente enriquecedores para un músico como el desarrollo de la capacidad de tocar de oído, de improvisar, de entender la armonía de lo que estamos tocando, la importancia primordial del ritmo, y la capacidad de tocar escuchando y en conjunción con otros músicos, aspectos todos ellos que no suele trabajar mucho un intérprete clásico y que son increíblemente valiosos.

El libro viene acompañado por los audios descargables de los temas tratados, a cargo de Patrick McAvinue, quizás con un enfoque demasiado sencillo y facilitado para mi gusto, pero vaya, como son temas clásicos mil veces tocados, se pueden encontrar todo tipo de versiones en internet con las que comparar y construir nuestra propia versión.

En definitiva, un libro para estudiantes que quieran iniciarse en esta irresistible música o incluso para profesores que quieran tener nociones fundamentales para utilizarlas en sus clases.

El libro está disponible tanto en formato físico como descargable, en la web del editor, la prolífica Mel Bay, y en Amazon, a 15$ el libro impreso y a 10$ el eBook.

Oriol Saña, Lluis Gómez, primero y segundo desde la izquierda, junto a un par de compañeros.

18 citas inspiradoras para violinistas

Estos son 18 citas que la página Conolly Music ha recopilado de músicos, directores y compositores que conocen el violín y el desafío que supone:

“La escuela es lo que me proporcionó una base de disciplina y trabajo duro, algo que me ha sostenido toda mi vida, y las lecciones que aprendí allí son las que ahora intento transmitir a los jóvenes.”

– Sir George Solti –

“Lo más difícil de aprender violín es la afinación, por supuesto. Lo segundo es el ritmo. Si tocas afinado y a ritmo, con un buen sonido, eso ya es un nivel alto. Esas son las tres cuestiones principales.”

– Ruggiero Ricci –

“El objetivo era la perfección, pero la perfección te puede convertir en un programa informático. No quiero decir que debas tocar desafinado o de forma sucia, por supuesto, pero hay que encontrar un equilibrio.”

-Viktoria Mullova –

“La verdadera misión del violín es imitar el tono de la voz humana, una misión noble que le ha proporcionado la gloria de ser considerado el Rey de los instrumentos.

– Charles Auguste De Beriot –

Cuando tocas una pieza al violín te conviertes en un narrador, estás contando una historia.”

“Lo que me condujo hasta el violín fue querer dominarlo técnicamente, cosa que continúo haciendo. Busco romper mis límites, no quedarme siempre en la zona de confort. Si no lo haces, te quedas estancado. Así que tienes que encontrar áreas donde seguir creciendo.”

– Joshua Bell –

“Un violín debe ser tocado con amor o no ser tocado.”

– Joseph Wechsberg, escritor y músico checo, autor de “La Gloria del violín” –

“Si todos decidiéramos tocar como primer violín nunca formaríamos un conjunto. Por eso, hay que respetar a cada músico en su lugar.”

– Robert Schumann –

“He tocado el violín toda mi vida. Deseé tocar desde que era muy pequeño y también me encantaba bailar. Quería hacer sonreír a los demás. Quería añadir un poco de energía extra a mi interpretación y hacerla visual, especial y divertida.”

– Lindsey Stirling –

“No existe la cima. Siempre hay mayores alturas que alcanzar.”

– Jascha Heifetz –

“Una manifestación artística rara vez surge de la nada. Surge de una inspiración que eventualmente puede llegar a convertirse en una creación individual.”

– Hilary Hahn –

“A veces, es tarea del artista averiguar cuánta música puedes crear con lo que tienes.”

– Itzhak Perlman –

“La música crea orden en el caos: y es que el ritmo impone unanimidad sobre lo divergente, la melodía impone continuidad sobre lo inconexo y la armonía impone compatibilidad entre lo incongruente.”

– Yehudi Menuchin –

“Nosotros somos tan fans de Mozart y Beethoven como de “South Park” y Borat. Creemos que podemos atraer a mucha gente que evita el ambiente serio de las salas de conciertos y no asiste a los conciertos de música clásica por tales motivos. Sin embargo, hay un ‘humor serio’ en el escenario; divertido y ridículo ¡Eso es importante!”

– Aleksey Igudesman –

“Si estás tocando dentro de tus capacidades ¿cuál está el reto? Si no llevas tu técnica más allá de sus límites, con el riesgo de que todo colapse en cualquier momento, entonces no estás haciendo tu trabajo”

– Nigel Kennedy –

“El único inconveniente de tocar el violín es que nunca se sabe cuándo te pedirán que toques. Podría salir a cenar o tomar una copa en un bar, y alguien podría darme un violín y yo tendría que estar listo para tocar.”

– Charlie Siem –

“No es que la música sea demasiado imprecisa para las palabras, sino demasiado precisa.”

– Felix Mendelssohn –

“La honestidad viene solo de una buena salud física y psicológica, y una mente honesta no puede separarse del más sincero dominio de la expresividad. Hay que aceptar que la perfección pura es inalcanzable. Por lo tanto, la comprensión de que los fallos y deficiencias son inevitables debe ser enfrentada nos guía en la primera etapa del aprendizaje. Debemos aceptar esas situaciones con dignidad. En ese fino equilibrio entre la aceptación del yo y la misión de superarse, se nutre la compasión, la humildad y la disciplina”.

– Midori Goto –

Fuente: https://www.connollymusic.com/stringovation/18-motivational-quotes-for-violinists

18 citas inspiradoras para violinistas

Estos son 18 citas que la página Conolly Music ha recopilado de músicos, directores y compositores que conocen el violín y el desafío que supone:

“La escuela es lo que me proporcionó una base de disciplina y trabajo duro, algo que me ha sostenido toda mi vida, y las lecciones que aprendí allí son las que ahora intento transmitir a los jóvenes.”

– Sir George Solti –

“Lo más difícil de aprender violín es la afinación, por supuesto. Lo segundo es el ritmo. Si tocas afinado y a ritmo, con un buen sonido, eso ya es un nivel alto. Esas son las tres cuestiones principales.”

– Ruggiero Ricci –

“El objetivo era la perfección, pero la perfección te puede convertir en un programa informático. No quiero decir que debas tocar desafinado o de forma sucia, por supuesto, pero hay que encontrar un equilibrio.”

-Viktoria Mullova –

“La verdadera misión del violín es imitar el tono de la voz humana, una misión noble que le ha proporcionado la gloria de ser considerado el Rey de los instrumentos.

– Charles Auguste De Beriot –

Cuando tocas una pieza al violín te conviertes en un narrador, estás contando una historia.”

“Lo que me condujo hasta el violín fue querer dominarlo técnicamente, cosa que continúo haciendo. Busco romper mis límites, no quedarme siempre en la zona de confort. Si no lo haces, te quedas estancado. Así que tienes que encontrar áreas donde seguir creciendo.”

– Joshua Bell –

“Un violín debe ser tocado con amor o no ser tocado.”

– Joseph Wechsberg, escritor y músico checo, autor de “La Gloria del violín” –

“Si todos decidiéramos tocar como primer violín nunca formaríamos un conjunto. Por eso, hay que respetar a cada músico en su lugar.”

– Robert Schumann –

“He tocado el violín toda mi vida. Deseé tocar desde que era muy pequeño y también me encantaba bailar. Quería hacer sonreír a los demás. Quería añadir un poco de energía extra a mi interpretación y hacerla visual, especial y divertida.”

– Lindsey Stirling –

“No existe la cima. Siempre hay mayores alturas que alcanzar.”

– Jascha Heifetz –

“Una manifestación artística rara vez surge de la nada. Surge de una inspiración que eventualmente puede llegar a convertirse en una creación individual.”

– Hilary Hahn –

“A veces, es tarea del artista averiguar cuánta música puedes crear con lo que tienes.”

– Itzhak Perlman –

“La música crea orden en el caos: y es que el ritmo impone unanimidad sobre lo divergente, la melodía impone continuidad sobre lo inconexo y la armonía impone compatibilidad entre lo incongruente.”

– Yehudi Menuchin –

“Nosotros somos tan fans de Mozart y Beethoven como de “South Park” y Borat. Creemos que podemos atraer a mucha gente que evita el ambiente serio de las salas de conciertos y no asiste a los conciertos de música clásica por tales motivos. Sin embargo, hay un ‘humor serio’ en el escenario; divertido y ridículo ¡Eso es importante!”

– Aleksey Igudesman –

“Si estás tocando dentro de tus capacidades ¿cuál está el reto? Si no llevas tu técnica más allá de sus límites, con el riesgo de que todo colapse en cualquier momento, entonces no estás haciendo tu trabajo”

– Nigel Kennedy –

“El único inconveniente de tocar el violín es que nunca se sabe cuándo te pedirán que toques. Podría salir a cenar o tomar una copa en un bar, y alguien podría darme un violín y yo tendría que estar listo para tocar.”

– Charlie Siem –

“No es que la música sea demasiado imprecisa para las palabras, sino demasiado precisa.”

– Felix Mendelssohn –

“La honestidad viene solo de una buena salud física y psicológica, y una mente honesta no puede separarse del más sincero dominio de la expresividad. Hay que aceptar que la perfección pura es inalcanzable. Por lo tanto, la comprensión de que los fallos y deficiencias son inevitables debe ser enfrentada nos guía en la primera etapa del aprendizaje. Debemos aceptar esas situaciones con dignidad. En ese fino equilibrio entre la aceptación del yo y la misión de superarse, se nutre la compasión, la humildad y la disciplina”.

– Midori Goto –

Fuente: https://www.connollymusic.com/stringovation/18-motivational-quotes-for-violinists

El Método Suzuki de la mano de Marina (profesora), Gabriela (alumna) e Isabel (madre)

El Método Suzuki es probablemente el sistema pedagógico musical para instrumentos de cuerda más seguido del mundo.

Sobre él ya escribí hace tiempo un par de artículos: en uno de ellos explicaba sus fundamentos y en el otro os contaba mi experiencia personal como estudiante adulto. Pero en el Suzuki, por su esencia de émulo de la lengua materna, intervienen tres elementos indispensables a los que este vídeo da voz: el profesor, los padres y el niño.

Creado y publicado por un nuevo canal divulgativo sobre música llamado Música Limón, estos tres protagonistas nos cuentan cómo viven el método desde su propio punto de vista. 

Una interesante introducción para los que están buscando la mejor forma de abrir las puertas del mundo de la música y la interpretación a sus hijos de un modo natural, amable y accesible.