Cuidado de la voz: preguntas frecuentes #FAQs

Consejos sabios para cuidar la voz y convertirla en la expresión del alma


¿Eres cantante y te mantienes al tanto del cuidado de tu voz? 


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Entonces has llegado al lugar indicado para encontrar toda la información relacionada con el cuidado de la voz, para mantenerla en condiciones óptimas y que siempre sea tu mejor aliado para una exitosa carrera como cantante.

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🎵 La música: "Un oasis en medio de la pandemia"

Por: Edgar Elías, autor invitado 



Un estudio, publicado en Nature Neuroscience, descubrió que compuestos químicos se liberan en el momento en que sentimos más placer escuchando la música que nos gusta.


Según los científicos de la Universidad de McGill en Montreal, Canadá, ésta es la primera vez que se comprueba que este compuesto químico, llamado dopamina, está vinculado a la música.

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8 consejos para mejorar la postura en violinistas/violistas

Una recopilación de los consejos más importantes y útilies que han aparecido en la revista The Strad sobre la postura correcta con el instrumento.

El consejo de Aaron Rosand:

Para la posición de pie, se puede lograr una buena postura teniendo en cuenta que el peso corporal descansa principalmente en la pierna izquierda. Recuerda que el violín descansa sobre tu lado izquierdo, y esa es la razón de que debas equilibrar el peso en ese lado. No separes las piernas demasiado. 30-35 cm es suficiente para obtener el equilibrio adecuado. Mantén las rodillas flexionadas, no te pongas rígido, y deja la pierna derecha relajada. Al cambiar el peso, tu pierna derecha puede avanzar; siempre que regreses a la posición normal no comiences a caminar. Moverse no es un buen hábito. Piensa en Jascha Heifetz, cuyas piernas eran como el tronco de un árbol. Concentra todo tu movimiento en tus manos y mantén tu mente enfocada exclusivamente en la música.

El consejo de Simon Fischer:

En la fracción de segundo antes de comenzar un golpe de arco, ya sea antes de atacar la cuerda desde el aire o antes de colocar el arco en la cuerda, debe haber un momento de equilibrio completo. Por ejemplo, para comenzar el Concierto de Bruch en Sol m, acerca el arco a unos centímetros de la cuerda y luego detente. Busca una sensación de equilibrio: del arco en la mano, el peso del arco equilibrado con el dedo meñique; la sensación del brazo suspendido en el aire con el mínimo esfuerzo para permanecer allí; y una sensación de “flotar”. Luego coloca el arco en la cuerda para comenzar con el Sol.

El consejo de John Black:

Es importante estar en buena postura siempre que sea posible, de modo que las diferentes partes del cuerpo estén alineadas correctamente, lo que ejerce un estrés mínimo en los tejidos del cuerpo. Sin embargo, la realidad para un músico es que “la-postura-menos-que-ideal” es inevitable. Las consecuencias incluyen el exceso de trabajo de algunos tejidos y la falta de trabajo de los demás, lo que conduce a desequilibrios en la flexibilidad y la fuerza; y la desalineación de las articulaciones, que luego sufren un mayor desgaste.

El daño a las fibras musculares y el tejido conectivo (que ocurre especialmente durante las contracciones musculares excéntricas, por ejemplo cuando los músculos se alargan y contraen al mismo tiempo) puede producir desgarros musculares y la formación de tejido cicatricial, que tiende a acortar las fibras musculares. Por lo tanto, es necesario estirarse en el momento apropiado del proceso de curación para contrarrestar esto.

El consejo de Ruggiero Ricci:

Cuanto más dobles la cabeza hacia la izquierda cuando toques, mayores problemas tendrás en el hombro. Por lo tanto, si decides utilizar una almohadilla, debe ser regulable. Cambia la altura para extenderla desde la base del cuello hasta la barbilla, de modo que dobles la cabeza hacia la izquierda lo menos posible.

El consejo de Mary McGovern:

La relación de la cabeza, el cuello y la espalda es de vital importancia para el equilibrio humano, la coordinación y el movimiento. Frederick Matthias Alexander (1869-1955), creador de la Técnica Alexander, describió esta relación como “el control primario” ya que precede y determina la coordinación y el uso de todas las otras partes del cuerpo. Los violinistas y violistas se enfrentan a problemas particulares en relación con el control primario, ya que la cabeza, el cuello y el hombro están directamente involucrados en el soporte del instrumento.

Un hábito problemático común al sostener el violín o la viola es la inclinación de la cabeza hacia abajo o hacia la izquierda, lo que produce una curva lateral del cuello y tuerce el torso hacia abajo y hacia la izquierda. Esto a su vez causa una compresión del lado izquierdo de la caja torácica y de la parte inferior de la espalda. Demasiado peso y presión se colocan en la cadera y la rodilla izquierdas, y la pelvis se inclina hacia abajo y hacia la derecha, una afección conocida como escoliosis.

El consejo de Géza Szilvay:

Normalmente centramos nuestra atención en la sujeción del violín cuando se introduce un nuevo alumno al instrumento, porque la posición es muy antinatural. Es una tarea exigente, incluso un deber del maestro, hacer que esta posición antinatural parezca natural. Los pedagogos que trabajan con principiantes deben desarrollar una técnica para moldear esta sujeción básica. Esta actividad manual es como el trabajo de un fisioterapeuta y no se limita a las primeras lecciones; generalmente dura varios meses, hasta que el niño siente que el violín es una extensión de su cuerpo.

El maestro debe moldear el agarre del violín del niño con su propia mano derecha. Cuando el niño comprende que la cabeza es lo suficientemente pesada como para sostener el instrumento por su propio peso sin presión en el mentón, el docente puede colocar la mano izquierda del niño en el diapasón, alrededor de la tercera o cuarta posición. Anime al niño a tocar las cuerdas con el pizzicato izquierdo.

El consejo de Aaron Rosand:

Cuando el violín está sobre la clavícula, el hombro izquierdo se mueve ligeramente debajo del violín. El codo izquierdo debe moverse hacia adentro y bien debajo de la parte posterior del violín. Esto colocará tus dedos en la posición ideal para la entonación y el vibrato controlado. El violín a veces se sostiene apoyado en la parte carnosa del pulgar izquierdo y, a veces, con la barbilla hacia abajo para un trabajo de paso rápido o pasajes descendentes desde posiciones más altas. Hay una interacción constante de estas partes y siempre deben estar relajadas. No agarres el cuello del violín con tu mano izquierda. El pulgar debe permanecer libre para deslizarse fácilmente.

Otro consejo de Simon Fisher:

Si usas almohadilla, el extremo izquierdo no debe estar demasiado cerca del borde del hombro, ya que esto puede causar inmovilidad y tensión en la parte superior del brazo. En cambio, coloca la amohadilla lo más cerca posible del cuello. Tampoco debe colocarse demasiado baja (hacia abajo en el caja), ya que esto puede hacer que el violín se incline demasiado, además de hacer que los hombros se estiren y la espalda se incline hacia adelante. En lugar de esto, coloca la almohadilla más arriba en el hombro.

Durante ciertos cambios hacia abajo y otras notas excepcionales, es posible que necesites sostener el instrumento con más firmeza; pero, como norma general, no presiones con fuerza hacia la barbada o entre la barbada y el hombro. Presionar es una manera segura de crear tensión que se extenderá desde el cuello, la parte superior de la espalda y los hombros hacia los brazos. En cambio, simplemente relaja el peso de la cabeza en la barbada. No hay necesidad de presionar el mentón hacia abajo: la cabeza es lo suficientemente fuerte por sí misma.

Traducido de la publicación The Strad

Enlace al original: https://www.thestrad.com/8-ways-for-violinists-to-improve-posture/6746.article

Fecha: 4 Julio 2017

Título original: 8 ways for violinists to improve posture

 

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Quien canta sus males espanta


Por Isabel Villagar, Profesora de Canto

Ahora que es tiempo de buenos propósitos, año nuevo, vida nueva, dicen :)

Me gustaría animar a aquellos que piensan que cantar es cosa de "elegidos", de "favorecidos por un don especial casi sobrenatural", "que para cantar hay que haber nacido" y otras ideas limitantes similares, a eliminarlas por la vía rápida, la de los hechos, probando una clase de canto vía Skype y comprobando las ventajas y beneficios de cantar. 

Está comprobado que el trabajo de la respiración consciente y, particularmente, la respiración que se emplea a la hora de cantar favorece la oxigenación de los tejidos que, a su vez, es responsable de la regeneración celular, de manera que podríamos decir que cantar regularmente en cierta medida rejuvenecería. 

Por otro lado, el empleo de ambos hemisferios cerebrales implicado en el estudio de la música y del canto en el que se ponen en funcionamiento tanto aspectos racionales como emocionales ayuda a equilibrar la mente.

He podido comprobar en muchos de mis alumnos y alumnas cómo la actividad canora mejoraba su estado anímico en los momentos en los que estaban pasando por dificultados.
Centrar la atención en su cuerpo y en sus emociones les hacía olvidar los problemas de su vida cotidiana e incluso, hasta cierto punto, dolores físicos que de otra manera estarían más presentes.

Esto es posible porque se segrega la "hormona del placer", es decir, endorfinas, así como otras sustancias químicas que coadyuvan a la felicidad de los que trabajan el canto o simplemente lo practican.

Por lo tanto, el refranero es sabio y "QUIEN CANTA SUS MALES ESPANTA" 

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© Isabel Villagar, Clases de Canto

9 formas de pensar y actuar que te ayudarán en tu carrera musical

Hoy traducimos este artículo de The Strad, con unos fantásticos consejos que no os podéis perder. Aprende a pensar y actuar como un músico de éxito.

Carole Talbot-Honeck estudió su Máster en la Universidad de Ottawa centrándose en los requisitos psicológicos para un rendimiento musical óptimo. Así describe una serie de actitudes deportivas, que pueden ser de igual valor para un músico.

1. El amor por tu profesión

Mi tutor en la tesis lo llamó simplemente “disfrute”. Los músicos tienen que saber que el amor por la música es lo que los hizo empezar en un principio, a veces necesitan recordar esto. En su mayoría, los músicos de élite cuentan que tras muchos años en una larga carrera, su amor por la música y el disfrute que reciben al tocar han crecido junto con su nivel de habilidad y experiencia. Así es como debe ser, pero a veces, los problemas físicos o mentales pueden conducir a una pérdida de disfrute. Es necesario abordarlos y rectificarlos para restablecer el equilibrio.

2. El compromiso

Una vez que una persona decide hacer de la música su carrera, debe comprometerse a desarrollar su pleno potencial y realizar la inversión de tiempo y energía que sea necesaria para lograr sus objetivos. Esto es perfeccionismo en el sentido más positivo de la palabra: la historia interminable de tomar un concierto por enésima vez y encontrar nuevas ideas o una nueva inspiración para hacer que suene emocionante o fresco.

3. Autoestima

Los músicos deben creer en la dignidad de su búsqueda y en su capacidad para lograrla. La autoestima es la segunda palabra más mal entendida o mal utilizada en el diccionario de aptitud mental (después de pensar positivamente). Prefiero la palabra alemana Selbstbewusstsein o auto-conciencia, y mantener que nunca se puede tener demasiado de ella. Como David Finckel escribe en su artículo (10 hábitos de músicos exitosos), sé tú mismo … La confianza en sí mismo crece de saber lo que puedes y lo que no puedes hacer y, por supuesto, de aceptarte a ti mismo como la persona que eres, sin querer dejar de aprender o mejorar.

Tal auto-conciencia no tiene nada que ver con ser arrogante o egoísta. Por el contrario, los músicos que confían en su propia capacidad dan fácilmente a otros (es decir, como profesores y/o mentores). Nunca sienten la necesidad de compararse a los demás. Un sano sentido de sí mismo debe ser de base amplia (diferentes roles, intereses, aficiones) y no supeditado a una actuación en particular. Mi frase mágica aquí es: “Yo soy lo que soy; ¡mucho más de lo que estoy haciendo ahora mismo!”

4. Objetivos idealistas y no materialistas

Los músicos tienen objetivos elevados. Sus aspiraciones se pueden dividir en tres categorías principales:

  • Auto-actualización y objetivos de desarrollo personal
  • Objetivos relacionados con la propia música (interpretar la música y hacer justicia al compositor)
  • Y finalmente, quieren comunicarse con la audiencia o expresarse a través de su música.

Cualquiera que sea la categoría (o categorías) que se aplique, las metas de rendimiento deben derivarse de estas expectativas si se quiere tener una vida de satisfacción.

Utilizo tres cualidades para describir lo que considero un rendimiento óptimo: creatividad, espontaneidad y flexibilidad. La creatividad es el proceso de tomar una pieza de música y hacerla tuya, de desarrollar una visión de lo que esta pieza significa para ti, lo que quieres expresar con ella. La espontaneidad es “creatividad del momento”, es inspiración o intuición y sólo es posible si se está bien preparado y se tiene confianza en sí mismo y en su preparación. Por último, la flexibilidad también está abierta a todo lo que viene “en el momento”, pero se relaciona más con las influencias externas (lo que mis colegas están haciendo, la sala, la acústica, la audiencia …)

5. Concentración

¡Nada de multi-tarea! El cerebro humano no está cableado para concentrarse en más de una cosa a la vez. Esto tiene implicaciones con respecto a la práctica eficiente y el estar concentrado. Irónicamente, la multi-tarea es una “habilidad” que no puede ser entrenada; Cuanto más lo haces, ¡peor funciona!

Central para la idea de autocontrol es la capacidad de concentrarse y concentrar la atención, evitando así las distracciones. Recientemente, en un seminario con estudiantes de la escuela de música, me sorprendió que la incapacidad para concentrarse había reemplazado al nerviosismo como su principal preocupación.

Algunos músicos prefieren auto-eliminar su autoestima por miedo a parecer arrogantes, pero estas dos expresiones no son opuestas. El altruismo es el objetivo principal en el que enfocarse durante una actuación, pero sólo una fuerte auto-concepción te permite olvidarte y concentrarte en la tarea que tienes entre manos.

6. Autocontrol

¡La fuerza de voluntad vuelve a estar de moda! Después de años de abandono, se considera de nuevo una habilidad muy importante. Evito llamarla un rasgo de carácter porque la investigación muestra que la gente puede ser muy organizada y/o disciplinada en algunos aspectos de sus vidas y notoriamente complaciente en otros. Por ejemplo, muchos estudiantes universitarios estrenados ​​que se preparan para los exámenes finales usan calcetines sucios (véase Baumeister y Tierney).

El hecho es que probablemente no tienen elección. Piensa en la fuerza de voluntad como una cantidad finita: no importa cuán diferentes o no relacionadas sean las demandas que te haces a ti mismo (concentración, paciencia, control de la conducta, etc), sólo tienes un frasco de fuerza de voluntad a tu disposición. Cuando el frasco está vacío, te has quedado sin él y sólo la reposición (nutrición, descanso) te permitirá abordar el siguiente desafío.

7. Perspectiva adecuada

Definir la perspectiva apropiada en unas pocas líneas cortas no es fácil. Perspectiva adecuada significa estar abierto; siempre buscando oportunidades para crecer. Significa mantener la vista más allá, no quedar atrapados en pequeños detalles.

Y ahí lo tienes, la actitud o habilidad mental más incomprendida y mal utilizada: pensar positivo. Los pensadores positivos pueden vivir hasta siete años y medio según un estudio longitudinal de miles de enfermeras suecas. No se enferman con tanta frecuencia y sanan más rápido cuando lo hacen. Todo esto no tiene nada que ver con ser irreal o engañarse. Significa acercarse a problemas y/o contratiempos en un estado de ánimo de búsqueda de soluciones. Significa asumir el control, lo que nos lleva al siguiente aspecto de la perspectiva apropiada: sentarse en el asiento del conductor.

Los músicos exitosos no quieren sentirse víctimas ni quieren ser vistos de esa manera por otros. Los retrocesos están ahí para ser analizados y comprendidos. Las soluciones pueden ser incorporadas en su plan de preparación. Lo que está más allá de su control pertenece a la categoría de “oh, qué diablos”, para relacionarse y reírse después.

Por último, mantener las cosas en perspectiva significa divertirse. Recuerda, se trata de amar la música y hacer música y estar agradecido de que puedes ganarte una buena vida haciendo lo que te gusta.

8. Salud y estado físico

Cuando los músicos preguntan por qué deben entrenar físicamente y cuidar su cuerpo, yo respondo,”¿Por qué no? Tú eres un ser humano también, ¿no?” Puedes leer todos los días sobre la necesidad de hacer algo por tu salud. Los músicos (en oposición a la mayoría de los atletas de élite) pertenecen a la gente afortunada que puede disfrutar de muchos años de hacer música, siempre y cuando su salud mental y física lo permitan. Además, tu cuerpo es tu instrumento. Si te tomas en serio su cuidado, si entrenas eficientemente y le das lo que necesita funcionar, estará ahí para ti. Ser capaz de confiar en tu instrumento es el factor más importante en el trato con el miedo escénico.

9. Análisis

Un conocido director solía decir: “Si eliges leer y creer las buenas críticas, ¡entonces debes creer también las maloa!” El feedback viene de muchas formas, y los músicos tienen que saber cómo lidiar con ello. Tienen que analizar su propio rendimiento (manteniendo una buena perspectiva), dar sentido a lo que otras personas están diciendo, incorporar cualquier cosa útil en su plan de preparación, y a continuación, olvidar esa actuación y poner sus miras en la siguiente.

 

La tesis de Carole Talbot-Honeck “he Essence of Excellence; Mental Skills of Top Classical Musicians” fue publicada en The Journal of Excellence, vol. 1 Nr. 1, mayo de 1998.

Ha impartido seminarios “Fit to Play” en la Academia de Audición VENIA, como parte del programa de audición de VENIA (incluyendo orquesta) y de preparación de actuaciones para instrumentistas y cantantes. VENIA cree que los músicos son personalidades individuales, capaces de alcanzar sus metas, y mejorar la presencia en el escenario y el desempeño combinando habilidades musicales, mentales y físicas.

Traducido de la publicación The Strad

Enlace al original: https://www.thestrad.com/9-ways-for-musicians-to-think-like-top-athletes/195.article

Autor: Carole Talbot-Honeck

Fecha: 20 Marzo 2017

Título original: 9 ways for musicians to think like top athletes

 

 

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