Profesor de canto online: todo lo que debes saber sobre esta profesión

 Por: Redacción


La educación musical al igual que la tradicional o regular tiene en internet una aliada muy útil, pues muchas personas no tienen el tiempo necesario para ir presencialmente a tomar clases de canto. 


Sin embargo, esto no debe representar un obstáculo que los haga abandonar esas ganas de aprender a cantar, claro está siempre se debe buscar a profesionales que tengan una trayectoria sólida en la enseñanza musical. Los profesores de canto online deben enseñar al ritmo del estudiante y lo más importante es que en este tipo de aprendizaje (sin salir de casa) se puedan apreciar los avances y progresos. Esta metodología, en la que se pueden grabar las clases dota a alumnos y profesores de una herramienta poderosa para poder evaluar las competencias adquiridas y mejorar el proceso de enseñanza-aprendizaje. Ahora, no es muy fácil elegir entre miles de profesores, que tienen mucha experiencia y que además ofrecen clases y por ello es importante buscar las cualificaciones del mismo, la experiencia o las referencias de otros alumnos que han trabajado con el docente.


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¿Qué factores influyen en una buena lectura a primera vista?

La lectura a primera vista o repentización es una práctica útil tanto como necesaria. Una vez que un músico aprende a leer partituras, adquirir rapidez y eficacia es una tarea en la que la lectura a primera vista toma un papel principal.

Son muchos los músicos que se sienten cohibidos ante una situación en la que tienen que tocar una partitura que nunca antes han visto u oído. La lectura a primera vista se convierte entonces en un hándicap. Un obstáculo que hay que superar para ganar confianza y mejorar una de nuestras capacidades más valiosas como profesionales: la lectura e interpretación de partituras.

Para mejorar nuestra facultad lectora es necesario un trabajo previo. Ya sea con ayuda del profesor, o por nuestra cuenta, habrá una serie de factores que tendremos que trabajar.

La percepción ocular

La lectura a primera vista está compuesta por varias fases. La primera de ellas es la percepción visual de la música. La manera en que movemos el ojo por la partitura y el tiempo en que fijamos la vista en cada tramo es determinante. La percepción ocular estará muy influenciada por el aspecto visual de la partitura: que las notas estén correctamente agrupadas y distribuidas por el pentagrama, que la impresión sea nítida…etc.

El movimiento ocular durante la lectura de partituras ha sido ampliamente estudiado, especialmente en pianistas. A raíz de estos estudios, sabemos que hay varios factores que ralentizan la percepción:

  • No anticipar la lectura
  • Llevar la vista al instrumento en lugar de mantenerla en la partitura
  • Realizar fijaciones regresivas, es decir, volver atrás en la partitura
  • La lectura polifónica
  • La complejidad de la partitura

La mirada debe ir de izquierda a derecha. Será diagonal cuando la partitura sea polifónica. Y sobre todo, no debe desviarse hacia el instrumento. Perder el contacto visual con la partitura ralentizará nuestra primera vista. El movimiento ocular es algo que puede y debe ser entrenado.

Los conocimientos previos y la memoria

Si la primera fase de la lectura a primera vista es la percepción, la segunda es el reconocimiento de lo percibido. Sin conocimientos previos no hay posibilidad de una lectura a primera vista correcta. Y aunque parezca algo obvio, no lo es tanto. A menudo, un músico puede presentar ciertas carencias en su base en cuanto a lenguaje musical se refiere. Esto tiene consecuencias en muchas áreas de su interpretación, pero especialmente en la lectura primera vista.

Cuando trabajamos con música, ya sea leyendo partituras o escuchando, activamos nuestra memoria por medio del reconocimiento de “patrones”. Estos patrones los hemos aprendido previamente, y tienen que ver tanto con el sonido como con su representación. Por ejemplo, patrones interválicos (escalas o arpegios), patrones rítmicos (síncopa), patrones dinámicos (crescendos en figuraciones que suben), patrones armónicos (I-IV-V-I)… Son convencionalismos musicales que primero aprendemos y luego interiorizamos para que, cuando aparezcan, seamos capaces de reconocerlos.

Si no tenemos estos patrones bien asentados en nuestra memoria, es muy probable que nuestra lectura a primera vista sea más lenta o dé lugar a errores. Por ello, el primer factor a trabajar serán los patrones musicales básicos. De esta forma, los reconoceremos de manera rápida y sencilla.

 

El rango ojo-mano

Se le llama rango ojo-mano a la relación que hay entre el punto de fijación del ojo en la partitura y la ejecución motora del movimiento con el instrumento. Seguramente habrás oído decir a tu profesor que, cuando lees a primera vista, es bueno leer siempre un par de compases por delante de lo que tocas. Anticipar la vista al movimiento.

La anticipación es uno de los factores más importantes a la hora de realizar una buena lectura a primera vista. Cuanto mayor sea el rango ojo-mano, mejor y más fluida será la lectura a primera vista. Esa separación entre la lectura y la interpretación se puede trabajar y desarrollar.

Es recomendable empezar a desarrollar esa anticipación visual con partituras de lectura sencilla, e ir añadiendo complejidades poco a poco. Lo ideal adquirir la capacidad de leer más de dos compases por delante.

La escucha

Y por último, uno de los aspectos más básicos en cuanto a lectura de partituras se refiere: escucharnos a nosotros mismos. Gracias al apoyo auditivo, podremos reconocer más fácilmente los patrones que estamos tocando e incluso predecir los venideros.

Al mismo tiempo, nuestra capacidad de generar representaciones auditivas de la partitura será determinante, pues así podremos completar los patrones que percibimos visualmente. Por ello, siempre nos resultará más sencillo la primera vista con partituras tonales que con partituras atonales.

Por tanto, hay que escuchar lo que leemos, y escuchar al mismo tiempo lo que tocamos. Toda una maquinaria perceptual nada fácil de poner en marcha.

¡Ánimo, y a poner en práctica estos consejos! ¡No más miedo a la primera vista!
 

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Emilio Linder en Los actores y su voz: Persevera y triunfarás

Proseguimos hoy la serie "Los actores y su voz" con el famoso y polfacético artista argentino Emilio Linder, con amplia y exitosa trayectoria en teatro, cine y televisión.
¿Cuál es el origen de tu vocación?
Creo que viene de la familia. La genética y la educación son las que más influyen en la orientación vocacional, entre muchas otras circunstancias, claro, como el lugar y el momento en el que empieza tu vida, por ejemplo…

¿Crees que es importante trabajar la voz?
Es muy importante, claro. Es una de las herramientas más imprescindibles…

¿Qué haces para cuidar tu voz?
Utilizo el sentido común y el instinto… 

¿Cómo has notado que evolucionaba tu voz conforme a tu experiencia?
Desde el principio sentí que debía cuidar y potenciar su “evolución”. Los estudios y los trabajos también me ayudaron. Las experiencias, los errores, los descuidos…

¿Realizas algún ejercicio o "ritual" antes de actuar?
La relajación y la concentración son imprescindibles y creo que cada actor (y cada artista, claro) tiene sus “métodos” y técnicas, que van evolucionando con el tiempo, la experiencia, las circunstancias… 

¿Qué hace a un buen intérprete?
Lo primero, la vocación, sin duda. Luego los estudios y la preparación. Y tantas otras cosas, como la autoconfianza, la perseverancia, asumir los errores (para aprender y no volver a cometerlos), la experiencia, no abandonar nunca el “entrenamiento”, el convencimiento de que tu labor es importante para otras muchas personas… 

¿Qué consejo darías a quien comienza en el mundo escénico?
Pues unos cuantos. Pero creo que el más importante podría resumirlo con un refrán: “Persevera y triunfarás”. Y también que sea prudente y consciente de que es una profesión en la que hay muchos “altibajos”, sorpresas (buenas y malas), reconocimientos, satisfacciones, decepciones… Pero lo más importante es que ganarte la vida con tu vocación, es un acierto y una bendición.

Cómo utilizar la práctica aleatoria para mejorar el aprendizaje a largo plazo

Publicación: The Strad

http://www.thestrad.com/cpt-latests/how-to-use-random-practice-to-help-long-term-learning/

Autor: Christine Carter

Fecha: 7 de Julio de 2016

Título original: How to use random practice to help long-term learning

“Estudiar no debe ser aburrido. Con las técnicas extraídas de la psicología del deporte se puede retener más de lo que se aprende”, dice la experta en psicología del músico Christine Carter.

Aunque un horario de práctica estricto (trabajando en una tarea hasta que acaba, y luego pasando a la siguiente) es intuitivo y conduce a mejoras inmediatas en la sala de estudio, no es la estrategia más eficaz para el aprendizaje a largo plazo. Muchos músicos han experimentado la frustración de estudiar mucho durante todo un día y volver al día siguiente sólo para darse cuenta de que lo trabajado no se recuerda. Estudio tras estudio se ha demostrado que la técnica más eficaz para la retención a largo plazo es la práctica aleatoria. Ello permite tomar las sesiones de estudio más largas y romperlas en tramos más pequeños y periódicos.

Veamos el ejemplo de la natación. La hora se puede dividir, poniendo al nadador cinco minutos braceando A, B y C, volviendo a repetir las mismas brazadas cuatro veces (ABC, ABC, ABC, ABC). El nadador también podría pasar dos minutos en cada una de las tres brazadas, volviendo a cada una diez veces. El resultado neto de estas alternativas es quer todavía quedan 20 minutos para practicar cada brazada, pero con mucha más variedad. Mientras que un cierto orden aleatorio puede ser similar a ACB, CAB, BAC, CBA, una secuencia repetitiva se utiliza a menudo en el deporte para prevenir que la misma tarea aparezca dos veces en la serie, lo que sin querer crea un bloque más largo.

Entonces, ¿cómo puedes aplicar la práctica aleatoria a tu estudio?

En lugar de pasar períodos largos e ininterrumpidos de tiempo con cada fragmento o sección de una pieza, escoge algunos pasajes que te gustaría trabajar y alterna entre ellos. Si quieres pasar un total de 20 minutos en un fragmento en particular, estudia en segmentos más cortos, volviendo continuamente a ese pasaje hasta que hayas alcanzado tu meta de 20 minutos.

Experimenta con períodos de tiempo. Si estás estudiando extractos muy cortos, deberías ser capaz de alternar entre ellos a un ritmo más rápido de lo que necesitarías practicando secciones más largas. Se puede usar un reloj de alarma para medir los intervalos de tiempo, o tomar un enfoque más libre con el tiempo de cada sesión.

Esta programación del estudio también se puede aplicar a la técnica. Muchos músicos completan todas sus escalas y ejercicios técnicos al comienzo de sus sesiones de estudio, y a menudo en el mismo orden. Puedes cambiar entre estos ejercicios técnicos y también intercalarlos con tu trabajo de repertorio. Un ejemplo de una sesión de entrenamiento de una hora podría ser algo como esto (repite esta secuencia de 20 minutos hasta que rellenes una hora de estudio):

DuraciónEjercicio/Pasaje
2Notas largas, escala, notas largas, escala
6Exposición de concierto
2Dobles cuerda, arpegios, dobles cuerdas, arpegios
5Pasaje 1
5Pasaje 2

Las permutaciones son infinitas y la división exacta de tiempo no es lo importante. Lo que es crucial es que te mantengas concentrado variando el material. Esto es más difícil, por supuesto, porque te ves obligado a reiniciar distintas piezas, recuperando secuencias de comandos mentales para la tarea en cuestión. Pero es precisamente esto lo que produce buenos resultados a largo plazo. Además de los aumentos de aprendizaje a largo plazo, tu mente permanece más comprometida y el tiempo parece volar mucho más rápido. Debido a los cortos segmentos de práctica individual, también te ves obligado a centrarte en los objetivos. Cuando sabemos que sólo tenemos 3 minutos para lograr algo, somos más propensos a hacer buen uso de esos minutos.

Hay ocasiones, sin embargo, en las que un estudio más estructurado es útil. Cuando te preparas para un concierto o audición, por ejemplo, pasar todo el programa crítico en las semanas previas al concierto. Puedes seguir utilizando horarios de práctica al azar para resolver cualquier pasaje problemático, pero estas sesiones pueden equilibrarse con simulacros de concierto en el que lo pases todo del tirón.

 

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Tips para una práctica eficiente del instrumento

La famosa violonchelista Rhonda Rider nos deja en su blog (pincha el link para verlo) algunos consejos sobre planificación y técnicas de estudio para hacer nuestra práctica diaria más eficiente. Despeja dudas como cuánto tiempo estudiar, qué descansos hacer, qué hacer cuando nos atascamos...etc.

En nuestra web puedes encontrar más información sobre estos temas:

 

4 horas al día, 6 días a la semana

El motivo: Te encuentras en un punto formativo de tu carrera. Ahora es el momento para que puedas solidificar tu técnica, desarrollarte como músico y aprender a tocar de una manera sana y eficiente. Sí, mejorarás todavía en tus (¡oh!) 40 y 50 años, pero los años de secundaria y universidad no vuelven. Se necesita una buena base. Ahora es el momento. ¡Aprovecha el día!

1 día libre a la semana (Esto significa que ni siquiera mires el instrumento.)

El motivo… Quieres permanecer fresco y entusiasta. Gran parte del aprendizaje en el instrumento consiste en la repetición. Es fácil quemarse tanto física como mentalmente. Quizás lo más importante es que convertirse en un gran artista no sólo se consigue en la sala de ensayo. Sal y haz algo nuevo.

Las 4 Horas:
  • 15 minutos – calentar
  • 45 minutos – un estudio
  • 1 hora – un concierto
  • 1 hora – una sonata
  • 1 hora – música de cámara, pasajes de orquesta, etc.

El tiempo de estudio… Si has planeado pasar 30 minutos en un estudio, ¡para! cuando pasen los 30 minutos. Puedes sentir ganas de seguir hasta una hora. ¡NO LO HAGAS! Déjalo para mañana. Es posible que quieras dejarlo cuando lleves 10 minutos. ¡NO LO HAGAS! Continúa con ello.

Mezcla… Utiliza una rutina de estudio durante tres días y luego cambia la receta. Por ejemplo, pasa menos tiempo en el concierto y más tiempo en la sonata.

¿Cansado, inquieto o aburrido? Prueba estas ideas.

  • Estudia desde el final de la pieza en lugar del principio. Por ejemplo, comienza con la reexposición.
  • Estudia todos los tramos (exposición, primer tema, reexposición, etc). ¿En qué se diferencian?
  • Trabaja la afinación en las partes más lentas. Sé un “drone”,  comprueba la afinación con cuerdas al aire. ¿Tu instrumento vibra libremente? Lo hará si estás tocando afinado. Observa cómo el instrumento se siente cuando las notas están en sintonía y cuando no lo están. Siente las vibraciones a través del mástil y de la mano izquierda.
  • Lee los pasajes más virtuosos dos veces en el tempo más rápido que puedas. ¿Qué secciones no funcionan bien? ¿Por qué? ¿Era el arco? ¿Los cambios? ¿La coordinación? Trabaja sólo en aquellas partes que son problemáticas. Debes ser específico en la localización del problema. Prueba también la transición hacia y desde esos pasajes. Termina tocando todo el pasaje lentamente. Asegúrate de utilizar las articulaciones y las digitaciones que vas a utilizar cuando es rápido. Utiliza un movimiento mínimo. Sé eficiente.

Cuando estudies… Ya que no siempre apetece, te recomiendo que te pongas una o dos horas a primera hora de la mañana. En estas primeras horas tus oídos no están llenos de los sonidos del día y tu mente no está pensando aún en la larga lista de cosas que tienes que hacer.

Después de estudiar… Escucha unos 10 minutos el sonido de un violonchelo (del instrumento que toques o de una voz que te guste) que te resulte realmente bonito. Ese es el sonido que debes intentar reproducir al día siguiente en la sala de ensayo.

La tarea más difícil en el aprendizaje y la vida con un instrumento está en descubrir la manera de ser tu propio profesor. Los profesores sólo pueden enseñarte la dirección correcta. Al final, te toca a ti.

 

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