´Me siento un enorme afortunado por poder vivir de lo que siempre he querido ser: Pianista de Cantantes´: conversando con el maestro repertorista Rubén Fernández Aguirre

¿Cuál es la primera experiencia que recuerda con la música?

Seguramente el mundo coral del que formaban parte mis padres. Recuerdo participar, siendo muy pequeño, en una producción de El Caserío de Guridi. En ella hacía de monaguillo, vendía rosquillas y por supuesto "canturreaba" en los coros. Imagino que a esa edad empezaría a tocar el piano e inconscientemente iría vinculando ambos mundos, el vocal y el pianístico. 

¿Qué personalidad musical cree que le influyó más en su carrera?

Sin pretenderlo, Alfredo Kraus. Mi madre es y ha sido una fan incondicional y creo haber escuchado desde siempre sus discos: óperas, zarzuelas, muchos recitales, canción popular etc...
Pretendiéndolo, no puedo olvidarme del impacto personal y musical que supuso para mí trabajar con Félix Lavilla, además de tenerle como referente cercano e inspiración.

¿Cuál era el estilo o el compositor que más le gustaba estudiar de joven?

Sin ningún tipo de duda: BACH en mayúsculas. 

¿En que repertorio se siente más a gusto en la actualidad?

Me siento muy orgulloso de defender, promover y de que se me asocie habitualmente con la Canción española (desde Manuel García a Antón García Abril), pero me confieso un enamorado absoluto del Lied alemán.

Cuéntenos, por favor, alguna experiencia o anécdota que te venga a la memoria que tenga que ver con el piano (en algún curso, o concierto..)
Cuando llegué a vivir a Sevilla, para trabajar como Correpetidor en el Teatro de la Maestranza, fui a ver un recital de Simon Estes. En dicho concierto me enteré que en los dos días siguientes iba a dar unas clases magistrales para cantantes y me apunté como oyente. Por la mañana, llegué al sitio donde se desarrollaban las clases y había un lío enorme montado: la organización pensaba que acompañaba el pianista de Estes y éste pensaba que había alguien contratado para tal menester. De repente, muy mosqueado, pregunta con su vozarrón el bajo americano "¿Hay alguien entre el público que por lo menos pueda acompañar el aria de Alfredo de la Traviata?. Yo desde el fondo de la sala, calado hasta los huesos porque me pilló un chaparrón tremendo, levanté el brazo. Acompañé ese aria y otra y otra, y así hasta el final del curso. Simon Estes se fue de Sevilla convencido de que aquello estaba pactado con la organización y yo feliz por haber compartido dos días a su lado (además acabé haciendo de traductor del curso) y por sacarme un dinerillo inesperado que me vino de perlas en ese momento.

¿Qué opina de la situación actual de la enseñanza de la música?

Desastre absoluto. No solo de la enseñanza de la música sino de la educación y la cultura en general. El PP se está cargando en esta legislatura muchos y muchos años de trabajo para poner este país en el mapa cultural europeo.

¿Cuáles son sus pianistas favoritos?

De joven me marcaron Claudio Arrau por su Chopin y Glenn Gould por su Bach. De la actualidad me quedo con dos locos: Grigory Sokolov y el cubano Jorge Luis Prats. En mi rama siempre he admirado a los míticos Geoffrey Parsons y Gerald Moore y de la actualidad Wolfram Rieger y Julius Drake. Debo incluir sin duda a un pianista brutal de jazz que es Chucho Valdés.

¿Cree que es útil conocer recursos sobre improvisación? ¿Por qué? ¿Qué cree que aporta la creatividad pianística?

La improvisación, entre otras muchas cosas, te puede ayudar a salvar situaciones "incómodas" con los cantantes. Desde que se les vaya la letra, se pierdan musicalmente o en el peor de los casos que haya problemas de afinación, por ejemplo después de una larga cadencia y tener que acabar en otro tono; esto ya me ha pasado en un recital. Además en el mundo del correpetidor (repetidor de ópera) puede venir muy bien a la hora de "atacar" las reducciones orquestales.
Admiro el mundo del jazz y en algún momento de mi vida me acercaré a él con mucho respeto empezando por una profunda inmersión armónica.

¿Qué proyectos musicales tiene en mente?

En lo que queda del 2013 destaco el recital con Nacy Fabiola Fabiola Herrera el 16 de octubre en el Avery Fisher Hall de Nueva York, el "Winterreise" de Schubert que haré con el barítono americano Chistopher Robertson en el Arriaga de Bilbao en Septiembre, conciertos en París, Bremen y Londres en relación a los 80 años del compositor Antón García Abril en Octubre, mi debut en la Fundación Juan March de Madrid con el tenor José Ferrero, mi vuelta al Maestranza con Nancy Fabiola Herrera en Noviembre y una gira por Sudamérica con María Bayo que nos llevará a Montevideo, Buenos Aires, Santiago de Chile y Lima a principios de Diciembre.

¿Quiere añadir algo más sobre su relación con la música?

Me siento un enorme afortunado por poder vivir de lo que siempre he querido ser: Pianista de Cantantes.

www.rubenfernandezaguirre.com/

La muerte y la doncella

Franz Schubert

Franz Schubert by Wilhelm August Rieder (PD)

La Historia de la Música, al igual que la Historia de las demás expresiones artísticas, necesita clasificar autores y obras en épocas y movimientos para de esta manera identificar más fácilmente los elementos estilísticos que los unen o los diferencian. Hay períodos muy fáciles de delimitar, como por ejemplo el Barroco, gracias a su omnipresente bajo continuo y a sus grandes contrastes dinámicos y tímbricos. Al contrario, hay otras épocas consecutivas que se funden en su punto de unión de manera tal que presentan simultáneamente los ideales de ambas poéticas, totalmente contrastantes y sin embargo en perfecta armonía.

Esto es muy evidente en el caso del paso del Clasicismo al Romanticismo, trance para el cual es muy difícil fijar una fecha, aunque aproximada: algunos autores (cada vez menos) la sitúan en el cambio del siglo XVIII al XIX, otros coincidiendo con la muerte de Beethoven (1827) y otros aún alrededor de 1820. Esta última opción, la más aceptada actualmente, es la única que tiene en cuenta, además de los muchos rasgos románticos que posee la producción musical del último Beethoven, la inexistencia de claros elementos de diferenciación entre el lenguaje musical del Clasicismo y el  del Romanticismo, algo que sí existía en otros momentos, por ejemplo en el Barroco, con el bajo continuo.

En este contexto resulta bastante inadecuado clasificar (si nos empeñamos en hacerlo por mera costumbre) a Beethoven entre los compositores clásicos sin más, así como también lo sería definir simplemente como romántico a Franz Schubert, que, aunque mucho más joven que su colega, murió tan sólo un año después de aquel, hoy hace exactamente 184 años.

A pesar de haber vivido sólo 31 años, Schubert nos dejó un catálogo de obras bastante amplio que incluye las principales formas instrumentales de la tradición clásica: 1o sinfonías, 21 sonatas para piano y 16 cuartetos de cuerda además de varios tríos, quintetos y otras formaciones camerísticas.

También se dedicó a la ópera, componiendo varias, sobre todo Singspielen, aunque lo que realmente destaca de su música vocal son los más de 600 Lieder, canciones para solista acompañado por un piano sobre poemas de grandes escritores románticos como Wolfgang Goethe, Wilhelm Müller o Matthias Claudius. Este último es el autor de los versos de La muerte y la doncella, a la que Schubert puso música en 1817. El texto consiste en dos estrofas: en la primera la doncella suplica a la muerte que la deje vivir pues todavía es muy joven y en la segunda la muerte le contesta intentando tranquilizarla, presentándose como una amiga entre cuyos brazos tendrá un sueño dulce y suave.

Varios años después, en 1824, tras un grave brote de la enfermedad que le llevaría a su prematura muerte, Schubert utilizó esta melodía como tema para las variaciones que constituyen el segundo movimiento de su Cuarteto de cuerda nº 14 en re menor, composición que también toma el nombre del poema. La obra está cargada de dramatismo desde el primer acorde, atacado con energía por los cuatro instrumentos. Cuatro robustos acordes fortissimo enlazados por tresillos dejan paso repentinamente a un pianissimo, dos expresiones extremas que seguirán alternándose en todo el movimiento de la misma manera en que el desgarro y la melancolía también se van turnando.

Las cinco variaciones que componen el segundo movimiento están construidas de manera que los cuatro instrumentos se alternan en la parte del solista, acompañados por los otros tres que, además de la función armónica, se encargan de mantener un ritmo trepidante.

El trío del tercer movimiento, un scherzo construido sobre el esquema del minueto clásico, es el único momento tranquilo del cuarteto, un instante de paz entre los fortissimi sincopados del resto del movimiento y el frenético cuarto tiempo, un tiempo de tarantella, danza italiana que según la tradición imitaba las convulsiones provocadas por la picadura de la tarántula, algo que varios autores describen como una especie de danza de la muerte.

Entre las muchas transcripciones que se han hecho de este cuarteto hay que destacar la que planificó Gustav Mahler para orquesta de cuerda, de la que sólo llegó a realizar el segundo movimiento y que fue completada por el editor. Personalmente prefiero la versión original aunque como curiosidad, y también porque ofrece la posibilidad de seguir la obra leyendo la partitura, os la propongo en el vídeo siguiente.

Lied para principiantes


La palabra Lied significa en alemán canción. Constituye en sí un género gracias a su desarrollo en el romanticismo pero la canción es tan antigua como la música pues es, en sí, una manifestación humana que se da en todos los pueblos. Son piezas a una o varias voces, acompañadas generalmente de piano.

El romanticismo, que huía de las grandes formas y que se inspiró en grandes poetas como Goethe,   Heine, Shiller... consiguió hacer una fusión entre música y palabra excepcional. La música genera un clima para el poema y emplea todo tipo de recursos para mejorar su expresión.

Se pueden encontrar dos tipos de Lieder los estróficos y los desarrollados. Los primeros tienen la forma A-B-A-C-A-D-A... y los segundos A-B-C-D...  Estos pueden encontrarse en un ciclo de canciones con un tema como por ejemplo "Amor y vida de mujer" de Schumann que tiene ocho lieder o pueden haberse compuesto sueltos.

En la interpretación del Lied es muy importante conocer la lengua en la que se canta, su pronunciación, es muy interesante introducirse en el mundo de la poesía y del poema pues toda la información que se obtenga dotará al intérprete de una versión propia acorde a su visión de la obra.

El alemán es una lengua en la que hay que tener en cuenta que hay vocales largas y cortas, además de muchas consonantes y que los grupos de consonantes se deben anticipar un poco al pulso para que sea la vocal la que caiga sobre el tiempo y las consonantes se puedan entender mejor.

También es interesante observar que los poetas utilizan muchos efectos onomatopeyicos al emplear las palabras que asemejan su pronunciación al efecto sonoro como pueden ser susurrar, silvar, etc...

Los compositores más importantes de Lied son: Schubert, Schumann, Brahms, Hugo Wolf, Strauss, Mahler, Mendelssohnn, Beethoven, Mozart

Mis intérpretes favoritos de Lied son: Edith Mathis, Dietrich Fisher Diskau, Fritz Wunderlich y Elly Ameling. Os dejo una selección de videos.

Dietrich Fisher Diskau, barítono y Sviatoslav Richter, piano interpretando "Im Früling" de Schubert. 


Elly Ameling, soprano y Dalton Badlwin, piano cantando "Der Nussbaum" de Schumann


Fritz Wunderlich, tenor y Hubert Giessen, piano interpretan "Adelaide" de Beethoven

Qué aprendemos de los grandes: Fisher Dietrich-Diskau. In memoriam

Justo ayer estaba preparando esta entrada y otra en la que hablo del lied. 

Me acabo de enterar de que hoy ha fallecido este gran maestro del canto, heredero de la tradición belcantista, gran cantante, pedagogo, escritor... Un referente para todos los amantes de la música.  

En su memoria adelanto la publicación de este post.

He aquí una muestra de su talento y saber hacer. Gran maestro del Lied en el que es un especialista impregnando el sentido de texto con la matización de la voz



En esta clase magistral  se puede ver la importancia que le da a mantener una linea de canto, el legato, en no golpear los sonidos. También la importancia de anticipar las consonantes para que se oiga y de cantar sobre el aire. Explica la exigencia del género en la precisión de la intepretación y la necesidad de impregnarse del mundo poético a través del texto y de la música.


Y una lectura esencial para todos los cantantes y profesores de canto es "Hablan los sonidos, suenan las palabras". En esta publicación hace un análisis exhaustivo del arte vocal y de la interpretación. 

portada del Libro: Hablan los sonidos, suenan las palabras : Historia e interpretación del canto

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