El sonido del piano según su procedencia

Hoy traemos a esta página un artículo especial sobre el sonido del piano. Igual que en la voz sucede, donde el timbre o color es un factor importantísimo en la personalidad musical, en las escuelas de fabricantes de pianos ha habido diferencias tímbricas distinguibles. Espero os parezca interesante!

Si bien se considera a Bartolomeo Cristofori como el creador del piano moderno, desde sus orígenes hasta nuestros días este instrumento musical ha sufrido cambios y mejoras de diversa índole. 

Desde que apareciese el primer piano la idea fundamental para su construcción no ha variado pero se han mejorado algunos aspectos para optimizar el sonido. Entre los cambios que se han ido implementando podemos hablar de la utilización de nuevos materiales, como el acero en las cuerdas o el fieltro en los martillos, el incremento progresivo de notas para aumentar su capacidad musical y la mejora del diseño.

Con posterioridad a Cristofori, el constructor de órganos Gottfried Silbermann comenzó a construir sus propios pianos, modificando algunos aspectos del instrumento de Cristofori. De los discípulos de su taller surgieron dos famosas escuelas de construcción de pianos: la escuela alemana y la escuela inglesa; la primera, de la mano de Stein y la segunda, a cargo de Johannes Zumpe y Americus Backers.

Entre los años 1760 a 1830 hubo una gran expansión en la construcción de pianos. En 1775 se construyó el primer piano en Estados Unidos. En este país Heinrich Steinweg, emigrante alemán, comenzó a fabricar unos pianos que destacaron por su calidad y que originarían años más tarde los prestigiosos Steinway & Sons.

LOS PIANOS ALEMANES 
Los pianos alemanes más tradicionales permiten modelar la música con una gran expresividad. Su principal característica es su sonido romántico, suave y con mucha amplitud. A su calidez armónica se suman los bajos y tenores profundos y su amplia sonoridad.

Son pianos que dan lo mejor de sí mismo en los conciertos dentro de la orquesta, ya que el músico puede acoplarse a ésta con gran facilidad y control sobre el sonido. Ése es uno de los motivos de que pianos como los Steinway & Sons estén presentes en la mayoría de salas de conciertos.

Los pianos verticales alemanes son de gran tamaño, por lo que emplean cuerdas más largas y tablas armónicas mayores. De esta forma, proporcionan mayor volumen, mayor claridad y mayor potencia. 
La solidez de sus materiales hace que el sonido se trasmita con mayor velocidad y menor absorción de ondas, de manera que la sonoridad es muy superior.

LOS PIANOS INGLESES 
Los pianos ingleses, como Broadwood, tienen un sonido más fino y de menor amplitud de onda. Los más tradicionales poseen un sonido de dulce, mientras que los más modernos se caracterizan por un sonido más brillante. Por ello, se adaptan a la perfección a la ejecución de la música clásica.

LOS PIANOS FRANCESES 
Los pianos franceses siguen la estela de los pianos alemanes en cuanto a su sonido suave y romántico. En general, son más cálidos que los pianos ingleses. Entre los más destacados, Erard, Pleyel o Gaveau.

OTROS PIANOS EUROPEOS
Petrof es otro de los grandes fabricantes de pianos radicados en Europa, en este caso en la República Checa. Y de Austria proviene la marca Bösendorfer, otra de las más destacadas del mundo.

Método Vocal Center

Después de una larga trayectoria como pedagoga del canto y habiendo recibido una amplia y variada formación académica incluyendo Titulación Superior oficial para ejercer la docencia del canto en España, con las más altas calificaciones y Premio Fin de Carrera por Unanimidad, siempre me di cuenta que el trabajo multidisciplinar en el ámbito de la voz es fundamental para el desarrollo de la profesión, además de muy enriquecedor para la disciplina. 

El objeto de crear el equipo Vocal Center y su metodología hace varios años fue la generación de conocimiento de base científica relacionado con la pedagogía vocal, tendiendo puentes entre la pedagogía del canto clásica y la moderna y estableciendo un sistema de trabajo adaptado a las necesidades y requerimientos del s. XXI y, por ello, implicando en los procesos las NN.TT. (nuevas tecnologías). 

El método Vocal Center, que cuenta además con un Aula Virtual propia, no es un sistema “de nuevo cuño”, no creemos que hayamos “reinventado la rueda” ni creemos ser los únicos capaces de enseñar a cantar, ni tampoco hemos creado, porque no hace falta, nueva terminología para explicar los conceptos ancestralmente conocidos y validados tanto por la comunidad pedagógica como por la científica. El trabajo vocal, si se hace de una manera sistemática y siempre a favor de la fisiología humana, es válido para todas las personas, independientemente de su gusto musical concreto. 

Esta metodología trabaja dichas bases científicas y emplea los recursos necesarios para interpretar cada estilo musical. Estamos en constante evolución, presentes en los foros de reflexión sobre la pedagogía vocal y creando lazos y puentes con otras disciplinas, y por ello, me supone un gran placer, como directora de Vocal Center, aprovechar estas letras para dar la bienvenida a los nuevos miembros del equipo:
-Jessica Cedillo (México): cantante moderna y profesora certificada HCSM-Vocal Center 
-Joan María Martí Mendoza (Cataluña): cantante, musicólogo y profesor universitario de didáctica musical
Linkedin

-Guillermo Názara (Madrid): compositor, pianista, especialista en el género del teatro musical
-Purificación Baldoví (Valencia): experta en innovación
Linkedin

-Bárbara Breva (Castellón): cantante moderna y profesora certificada HCSM-Vocal Center
-Bibiana Badenes (Benicassim): fisioterapeuta y experta en inteligencia corporal
www.bibianabadenes.com

Estad muy atentos que muy próximamente, en Enero, habrá una grata sorpresa!

Yaiza Guimare: "A medida que más he profundizado en el cuerpo y el movimiento, más libre ha estado mi voz"

Hoy en nuestra serie "Las actrices y su voz" entrevistamos a Yaiza Guimaré, actriz muy reconocida tanto en cine como en series nacionales.
Cuál es el origen de su vocación?
Empecé a cantar desde muy pequeña, alrededor de los 4 años, fue algo que vino inmediatamente después de empezar a bailar, a los 3 años. Imitaba a todos los cantantes que me gustaban. Recuerdo aprenderme de arriba abajo “We are the World” y cantarla con un inglés inventado, pero haciendo cada una de las voces que aparecen en la canción. 

Crees que es importante trabajar la voz? 
Sí lo creo, incluso más que trabajarla, conocer el instrumento, la herramienta que tenemos, para darle un buen uso y ponerla al servicio de la canción o el trabajo. No soy obsesiva con esto, pero desde luego, si uno va a estar cantando mucho rato, como en una gira en un concierto, o grabando en el estudio, sería muy positivo hacer algo de trabajo constante. 

Qué haces para cuidar tu voz? 

No mucho, sobretodo lo que hago es entrenar el cuerpo y la respiración. Porque realmente creo que el 90% de la voz está en el cuerpo. Así que teniendo el cuerpo entrenado, libre y suelto para que el aire circule bien, y por supuesto, que circulen las emociones y estemos abiertos para expresarlas, ya está casi todo el camino hecho. Además de eso, si tengo actuaciones, hago ejercicios de vocalización, que no me llevan mucho tiempo, le dedico más tiempo a relajar y mover el cuerpo, que a la técnica vocal en sí. 

Cómo has notado que evolucionaba tu voz conforme a tu experiencia? 
A medida que más he profundizado en el cuerpo y el movimiento, más libre ha estado mi voz. Y por supuesto, el tiempo, las vivencias vividas, eso es lo que hace que pueda dar matices e interpretar con más exactitud y saber qué estoy cantando. Si al principio cantaba de manera más técnica, y más superficial, ahora, la voz transmite mucho más todo el mundo emocional que intepreto. Y me da mucho más placer contar la historia de la canción, que dar bien las notas o tener una bonita voz. Para mí, transmitir la historia y conmover al público es más importante que la voz brille con una técnica perfecta. 

Realizas algún ejercicio o "ritual" antes de actuar? 

Sí, como dije antes, me paso un buen rato moviendo el cuerpo, relajando y respirando. Y luego le dedico un poquito a vocalizar. 

Qué hace a un buen intérprete? 

En mi opinión, un buen intérprete es el que comunica, conmueve y emociona al oyente. El que es capaz de llevarte de viaje mientras dura una canción o un concierto entero, y eso es magia. 

Qué consejo darías a quien comienza en el mundo escénico? 

Que esté abierto a todas las experiencias, que se forme, pero que sobretodo, entre en el cuerpo, que aprenda a escucharlo, que haga trabajo de movimiento, que se conozca a sí mismo, y que nunca deje de aprender con las diferentes técnicas que existen, siempre y cuando, esas técnicas resuenen dentro de sí. Es un viaje muy largo, pero maravilloso, así que, a vivirlo desde la alegría y el descubrimiento que supone cada “lección”.

Podéis seguirla también en su:
Más info y contacto:
http://www.yoloviprimero.com

Todo el mundo puede beneficiarse de aprender a cantar!

Es un placer compartiros el vídeo de la entrevista (la última del programa) que me realizaron recientemente en TEVE4.

En ella hablo sobre pedagogía del canto y de cómo el canto es beneficioso para todos. Un buen profesor debería saber enseñar canto en todos los estilos, respetar el gusto musical del alumno y nunca intentar hacer cantar, por ejemplo, con timbre clásico, a un alumno/a que desea aprender canto en estilos modernos.

La mayoría de los grandes de la música actual han estudiado técnica vocal y eso no les ha restado personalidad vocal sino todo lo contrario, les ha dado más recursos y seguridad para expresar su mensaje musical único, el propio DNI vocal del alumno/a. Podría poner muchísimos ejemplos de voces famosas que han mejorado su manera de cantar (ganancias en brillo, extensión, potencia, duración, expresividad, vibrato, etc.) gracias al estudio fundamentado científicamente según las bases y principios fuertemente asentados por el conocimiento pedagógico acumulado.

En mi estudio profesional aprenden canto alumnos de todo tipo de música  (pop, rock, folk, clásico, flamenco, copla, new age, ranchera mexicana, jazz y amplio etc...), conviven cada uno en su autenticidad y se fomenta que su propia voz sea personal y auténtica, nunca imitación de ningún género en concreto. La voz propia con el timbre único de cada ser, es un vehículo de expresión individual que se debe mimar, venerar y conservar en toda su personalidad.  

Os dejo más información sobre la Guía Práctica para Cantar aparecida hasta la fecha:

Comentario en APPS PARA MÚSICOS

Reseña en AMADEUS

Ficha técnica y sinopsis en LAIE

Ficha del libro e índice completo en El Argonauta