Recientemente me han preguntado qué hay que tener en cuenta a la hora de programar una gira de conciertos y entre las cuestiones salía si se debe descansar algún día entre concierto y concierto.
Las giras suelen ser muy ajetreadas e intensas y conviene reservar un día al menos entre concierto y concierto teniendo en cuenta una gira no es sólo cantar, es relacionarse, viajar, comer en lugares diferentes, dormir en hoteles, hacer ruedas de prensa, entrevistas, etc.
En términos de salud vocal es esencial que el cantante haya recibido formación en materia de técnica vocal e higiene vocal (aquellas pautas que nos ayudan a mantener la voz sana y que nos ayudan a paliar los inconvenientes que se van presentando, podrás encontrar todo un apartado), para poder afrontar los compromisos con profesionalidad.
Generalmente y hablando desde el punto de vista de la voz, descansando un día entre concierto y concierto suele ser suficiente. Si tras un concierto o ensayo de una hora notas que necesitas más de un día para recuperarte puede ser interesante que consultes y veas qué aspectos de tu manera de cantar puedes mejorar.
Ten en cuenta tus limitaciones, todos las tenemos, hay cantantes que necesitan dormir un determinado número de horas, otros necesitan ensayar y calentar la voz antes de la actuación, otros tan solo necesitan probar el sonido, otros deben comer unas horas antes de la actuación, debes conocerte y saber que tu público va a exigir lo mejor de tí, para eso han comprado la entrada o se han molestado en ir a verte, lo menos que debes hacer tú, como cantante, es estar en las mejores condiciones posibles. La realidad es que el día que notas la voz en sus mejores condiciones, ese día no tienes que cantar. Por eso, la técnica vocal te permite asumir compromisos profesionales y no depender del azar!
Una de las mejores cosas que podemos hacer para desarrollarnos como músicos es tocar en grupo. Dejar el estudio solitario, armonizarnos con otros músicos. Y eso es más importante aún en instrumentos como el violín, que tienen muy limitada la polifonía, con lo que siempre nos parece que nos falta algo, si no tenemos algún otro instrumento acompañándonos.
Pero ocurre que no es tan fácil encontrar personas del nivel adecuado, coincidir en horarios, intereses musicales, traslados, etc. Por eso a menudo buscamos trucos para tocar sin sentirnos tan solos. Un primer intento consistía en tocar sobre grabaciones de obras de otros maestros, pero esto realmente no era muy satisfactorio, estar escuchando a otro solista, aunque sea el mejor del mundo, mientras tocamos nosotros termina siendo más molesto que otra cosa.
El siguiente paso fue realizar grabaciones de obras de repertorio sin el instrumento solista, para que pudiéramos tocar con un pianista, grupo de cámara o incluso orquesta a nuestra disposición. Las grabaciones del sello Minus One son muy populares por ese motivo, yo mismo tengo unas cuantas partituras con su correspondiente CD MinusOne para poder tocar como en un gran auditorio.
Pero desde hace un tiempo vengo siguiendo un nuevo sistema que me ha sorprendido muchísimo. Se trata de un proyecto español que ha desarrollado una web con un sistema en el que podemos seleccionar entre un montón de obras para diversos instrumentos y estilos y que tiene bastantes ventajas adicionales con respecto al sistema Minus One.
Y es que no solo podemos disfrutar del acompañamiento deseado en el momento con disponer simplemente de un navegador estándar. Además, podemos elegir a qué instrumento de la agrupación queremos sustituir; por ejemplo en un cuarteto podríamos hacer de primer o segundo violín, o incluso silenciar a varios para quedarnos con uno que nos convenga especialmente. Cada instrumento tiene una indicación de nivel, para que veamos si está a nuestro alcance.
Podemos variar el tempo del tema entre tempo normal, lento y “muy lento”, para las primeras tomas de contacto.
Podemos ir viendo y leyendo directamente la parte de la partitura correspondiente de la obra escogida mientras se va desarrollando la música.
Podemos ver a los músicos tocando o cantando las diferentes piezas y cómo lo hacen. Es destacable el hecho de que se pueden elegir diversas vistas de los músicos, de tal manera que, por ejemplo, en el caso del violín podemos seleccionar la vista cenital del músico al que sustituimos para ver qué posiciones y digitaciones está utilizando en la obra.
Existen 4 estilos musicales disponibles: Clásica, jazz, blues y folk. Aunque el violín como instrumento sólo aparece en temas de clásica y folk, en realidad podemos explorar muchos temas de jazz y blues también y sustituir a la voz, al saxo u otro instrumento con la misma tesitura que el violín.
¿Cuánto cuesta?
El servicio completo, incluidas opciones para descargar sin necesidad de tener conexión a internet, la aplicación en facebook, etcétera, tiene un precio de 7,95€/mes con tiene ofertas especiales para Escuelas de Música. Se puede probar gratuitamente durante 3 días, cosa que os recomiendo encarecidamente para que veáis lo interesante que puede ser.
Además, acaban de inaugurar la compra unitaria de canciones, pero con conexión a internet, es decir, en vez de una suscripción mensual, puedes comprar la canción que te interese y es tuya para siempre por 3,95€, pero sujeto a que dispongas de red.
¿Se necesita algo más?
Lo mejor sería tener un buen altavoz o equipo de música conectado al ordenador, ya que los sistemas de audio integrados no suelen tener muy buena calidad.
Y nada más que decir, sólamente comentar que el servicio aparece todavía como “Beta”, aunque lo que he podido probar durante bastantes días está perfectamente operativo y sin fallos, así que parece que es una versión prácticamente definitiva.
Cosas que me gustaría que incluyeran o mejoraran:
Yo sólamente añadiría algunas opciones más referentes a las partituras: cuando las estamos leyendo, van saltando de hoja en hoja justo en la nota que está sonando, con lo que no nos da tiempo a prepararnos mirando el compás siguiente, que es lo que se suele hacer habitualmente al leer partituras. Estaría bien que se pudieran descargar pdfs de las partituras para poder imprimirlas y tenerlas también en hojas que poder leer en su totalidad de un vistazo.
Y por supuesto, ¡más obras!, de eso nunca parece suficiente, y siempre estamos ansiosos de tocar lo que aún no hemos catado. Estaría genial tener piezas de jazz o blues específicas para violín, de las que hay tantos buenos ejemplos…
Repertorio para violín
Como ya comenté, estas son las obras en las que aparece el violín propiamente dicho, pero podemos escoger otros instrumentos o voces para sustituirlos.
Cuarteto nº 3: Presto 04:17 Wolfgang Amadeus Mozart Música clásica: Clasicismo
Antoni eta Anton 04:31 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Aitorren hizkuntz zaharra 04:33 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Juana Bixenta Olabe 04:40 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Cuarteto nº 3: Menuetto y Trio 03:54 Juan Crisostomo Arriaga Música clásica: Clasicismo
Antxiketan – Potxiketan 03:45 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Sonatina, Op.100: Scherzo. Molto vivace 03:39 Antonín Dvořák Música clásica: Romanticismo
Triste bizi naiz eta 03:25 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Begiak barrez barrez 03:13 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Ixil-ixilik dago 03:27 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Lili eder bat badut nik 05:16 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Pequeña serenata nocturna: Menuetto y trio 01:58 Wolfgang Amadeus Mozart Música clásica: Clasicismo
Concierto para violín nº2, Op 35: Allegro moderato 02:52 Oskar Rieding Música clásica: Romanticismo
Ständchen (Serenata) 03:40 Franz Joseph Schubert Música clásica: Romanticismo
Aldapeko 01:37 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Concertino en Sol: 2. movimiento 02:19 Ferdinand Kuchler Música clásica: Romanticismo
Ikusten duzu goizean 05:01 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Concertino en Sol: 1. movimiento 04:02 Ferdinand Kuchler Música clásica: Romanticismo
Cuarteto nº 6: Allegro 01:50 Franz Joseph Haydn Música clásica: Clasicismo
Concierto para violín nº1, Op 34: Allegro moderato 03:59 Oskar Rieding Música clásica: Romanticismo
Sonata para violín en Sol mayor: Musette 02:51 Jean-Marie Leclair Música clásica: Barroco
Gure aitak amari 01:45 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Axuri beltza 02:02 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Hiru damatxo 03:04 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Markoxen txarrixe 03:13 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Madalen Buzturingo 02:29 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Maria nora zoaz 03:59 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Pello Joxepe 03:01 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Cuarteto nº 5: Menuetto y trio 03:01 Franz Joseph Haydn Música clásica: Clasicismo
Cuarteto nº 2: Menuetto y Trio 02:41 Franz Joseph Schubert Música clásica: Romanticismo
Oriko xori a03:09 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Habanara joan ginan 05:13 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Concertino en Sol: 3. movimiento 02:31 Ferdinand Kuchler Música clásica: Romanticismo
Oi, Pello, Pello 03:03 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Amak ezkondu ninduen 03:01 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
A, a, a, ardo gorri nafarra 02:46 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Suite nº 3: Gavotte I/II 03:39 Johann Sebastian Bach Música clásica: Barroco
Haika mutil0 4:49 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Maritxu malas mañas0 2:12 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Cuarteto nº 5: Menuetto y trio 03:01 Franz Joseph Haydn Música clásica: Clasicismo
Cuarteto nº 2: Menuetto y Trio 02:41 Franz Joseph Schubert Música clásica: Romanticismo
Oriko xori a03:09 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Habanara joan ginan 05:13 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Concertino en Sol: 3. movimiento 02:31 Ferdinand Kuchler Música clásica: Romanticismo
Oi, Pello, Pello 03:03 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Amak ezkondu ninduen 03:01 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
A, a, a, ardo gorri nafarra 02:46 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Suite nº 3: Gavotte I/II 03:39 Johann Sebastian Bach Música clásica: Barroco
Haika mutil0 4:49 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Maritxu malas mañas0 2:12 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Ikusten duzu goizean 05:01 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Concertino en Sol: 1. movimiento 04:02 Ferdinand Kuchler Música clásica: Romanticismo
Cuarteto nº 6: Allegro 01:50 Franz Joseph Haydn Música clásica: Clasicismo
Concierto para violín nº1, Op 34: Allegro moderato 03:59 Oskar Rieding Música clásica: Romanticismo
Sonata para violín en Sol mayor: Musette 02:51 Jean-Marie Leclair Música clásica: Barroco
Gure aitak amari 01:45 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Axuri beltza 02:02 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Pequeña serenata nocturna: Menuetto y trio 01:58 Wolfgang Amadeus Mozart Música clásica: Clasicismo
Concierto para violín nº2, Op 35: Allegro moderato 02:52 Oskar Rieding Música clásica: Romanticismo
Ständchen (Serenata) 03:40 Franz Joseph Schubert Música clásica: Romanticismo
Aldapeko 01:37 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Concertino en Sol: 2. movimiento 02:19 Ferdinand Kuchler Música clásica: Romanticismo
Divertimento para cuerdas: Andante 03:51 Wolfgang Amadeus Mozart Música clásica: Clasicismo
Tercera canción de Ellen (Ave María) 04:03 Franz Joseph Schubert Música clásica: Romanticismo
Ene izar maitea 02:41 Oskorri Músicas del Mundo: Pais Vasco
Il pastor fido: Marcha 01:13 Georg Friedrich Haendel Música clásica: Barroco
Rondeau de Abdelazar01:36 Henry Purcell Música clásica: Barroco
Divertimento para cuerdas: Menuetto01:00 Wolfgang Amadeus Mozart Música clásica: Clasicismo
Judas Maccabaeus Chorus of Youths Georg Friedrich Haendel Música clásica: Barroco
Tras el primer artículo sobre el mundo de las diversas formas barrocas, seguimos nuestro recorrido por esos nombres raros que escuchamos a menudo en las piezas barrocas que practicamos pero no sabemos exactamente qué significan. Podéis ver la primera parte aquí.
Allemanda
No es difícil deducir, por su nombre, el origen de esta danza, una de las pocas formas que la cultura germana ha aportado a las danzas de tipo cortesano. Su nacimiento se remonta al medievo, y era originalmente muy tosca, puesto que se dice que la bailaban caballeros con armadura con estilo militar y muy poca gracia y variedad.
Su difusión en Europa la dotó de rapidez y riqueza, y en su forma barroca típica (siglo XVIII) suele estar formada por un compás cuaternario “comenzando con una o más anacrusas y encaminándose hacia cadencias sobre partes fuertes en frases de longitud irregular. Su textura está impregnada de imitaciones y figuras en style brisé que oscurecen una sensación de frases melódicas claramente delineadas; su carácter es serio y su tempo, moderadamente lento.” – Diccionario Harvard de Música.
En las suites (compendio de danzas barrocas) suele ser la que se realiza en primer lugar.
Pues sí, todavía hay gente que baila estas cosas en sus ratos libres.
“Al bailar la alemanda, un joven puede a veces robar una damisela, quitándosela a su compañero; el que queda así desposeído trata a su vez de robar la de otro. Pero de ningún modo apruebo esta manera de bailarla, ya que puede originar rencillas y descontento”.
Ay ay, qué picarones.
Musette
A muchos os sonará por la musette de Bach del segundo volumen Suzuki. Debéis conocer que su nombre proviene de Francia, donde nació como danza pastoril en los siglos XVII y XVIII y que se ejecutaba con un instrumento llamado musette o cornamusa. Se caracteriza por su nota pedal en el bajo y un ritmo de 3/4.
Así que nada, a imaginarse en una campiña francesa bailando entre ovejas. También es una de las formas que componen la suite, en la que a veces se fundía con la Gavota.
Zarabanda (Sarabande)
He aquí una de las formas de origen español, o mejor dicho “latinoamericano”, ya que según la wikipedia, la primera mención a esta danza se encuentra en escritos de la América española, desde donde viajaría hasta España, donde fue tildada de obscena y despreciable por los numerosos moralistas de aquella época. Más tarde se extendería por Europa para insertarse en la forma suite, de una manera más lenta y tranquila que la original española.
“…solo quiero decir que entre las otras invenciones ha salido estos años un baile y cantar tan lascivo en las palabras, tan feo en los meneos, que basta para pegar fuego aun á las personas muy honestas. Llámanle comúnmente zarabanda, y dado que se dan diferentes causas y derivaciones de tal nombre, ninguna se tiene por averiguada y cierta; lo que se sabe es que se ha inventado en España, que la tengo yo por una de las graves afrentas que se podian hacer á nuestra nacion…”
Juan de Mariana. Tratado contra los juegos públicos.
Está escrita en compás ternario simple y posee un movimiento pausado y noble. “Es una melodía expresiva, formada por valores largos muchas veces sobrecargada de adornos. Frecuentes terminaciones femeninas.”
Os dejo esta estupenda interpretación, tanto en musical como de las danzas, del English Baroque Festival, interpretando una Sarabanda de Handel, parte de su famosa Música acuática, que nos hace soñar con haber vivido épocas pasadas.
Os recomiendo también escuchar otra famosa Zarabanda de Handel, que Stanley Kubrik utilizó en su película Barry Lyndon.
Giga
A muchos os sonará el nombre Giga a divertida música irlandesa o escocesa y quizás no vais muy desencaminados, pues es una danza de origen inglés (jig) en la que que “uno o dos solistas realizan pasos rápidos, saltados y muy complejos con una música en compás de 6/8, 12/8, 3/8, 9/8. En la suite barroca de Johann Sebastian Bach, la giga es el movimiento final. El término se refiere también a cualquier tonada de contradanza en tiempo de giga y a cualquier danza establecida (una contradanza para un grupo de parejas) con una tonada de giga.” (wikipedia).
Como nosotros estamos hablando de la versión barroca de esta forma, os vuelvo a dejar esta deliciosa versión de una de las piezas de la Water Music de Handel. Como veis es una de las más “divertidas” (dentro de lo divertido que puede ser una danza cortesana barroca).
Cuando escribo artículos con consejos sobre cómo aprender a tocar el violín suelo reflejar las ideas comúnmente aceptadas por profesores y pedagogos, junto con alguna reflexión derivada de mi experiencia personal. Pero esta vez voy a escribir algunas ideas que van un poco por libre, son sólo reflexiones y “ocurrencias” que quiero compartir con vosotros y que podéis probar o desechar directamente, ya que no obedecen a ningún estudio serio, sino a mis propias inclinaciones e intuiciones personales.
Hoy en día hay muchísimos violinistas con un gran nivel técnico. La pedagogía del instrumento, en conservatorios y escuelas de música, está ya bien desarrollada para producir instrumentistas que pueden cumplir perfectamente su papel en cualquier orquesta. Infinidad de buenos solistas pueden enfrentarse al repertorio clásico con solvencia. Y sin embargo, ¿cuántos aportan realmente un carácter nuevo una nueva visión, un estilo?
Antiguamente era fácil reconocer sin verlo a un violinista por su forma de tocar, incluso los melómanos podían intuir a qué escuela violinística pertenecía.
Actualmente en todo el mundo se estudia con los mismos métodos, mismos ejercicios, mismo repertorio, y no es sencillo escuchar intérpretes con una personalidad que defina las obras en las que interviene. Me atrevería a decir que hay muchísimos buenos violinistas clónicos. Y en base a esa reflexión he escrito estas ideas, ejercicios, sugerencias para probar otras cosas, abrir la mente y mirar con otra actitud que nos haga ver la música de siempre desde otro punto de vista.
Por supuesto todo esto va dirigido a estudiantes que ya tienen un nivel estimable, y deben verse simplemente como pequeños ejercicios, pruebas, experimentos.
1. Imita sonidos;
animales, voces, ruidos de la ciudad…chirridos de puertas, eructos.
Pasad directamente al minuto 4:20, la fuerza bruta de Vengerov dando rienda suelta a su espíritu más radical y “hardcore”, imitando una Harley Davidson.
2. Explora otras músicas:
Música carnática, flamenco, jazz manouche…
La música carnática, originaria del sur de la india es una de las culturas más antiguas, complejas y refinadas. Su sistema propio de escalas (ragas), sus microtonos, su predisposición para la improvisación, su simbología… ha hecho que el violín se adapte a ella como si haya sido creado para ella. Quizás no es necesario que viajes a la India, pero probar a interpretar su música te hará sentir de otra manera.
Al flamenco le ocurre lo contrario: aun siendo también una fuente inmensa de inspiración, parece que el violín nunca ha terminado de parecer pertenecer del todo a ese mundo, a pesar de que el flamenco es una música de lamento y el violín el instrumento que llora como ninguno.
3. Destroza los clásicos
Django Reinhardt, el grandísimo y olvidado Eddie South y el mítico Stephane Grappelli se juntaron un día y, entre humo de tabaco y copas perpetraron este heterodoxo doble concierto de Bach en clave swing. Lo que hoy nos parece ya un clásico del jazz manouche, empezó como una broma irreverente y casi blasfema de un, hasta entonces, casi intocable Bach.
4. Date un tiempo para tocar, sin partitura, mirando hacia dentro.
No estoy hablando de componer, sino de buscar qué música hay en ti en ese momento, de expresar cómo te sientes sin la muleta de otro autor. Puede ser desde un par de notas tenidas hasta unos desquiciados chirridos desafinados.
Este chico, aunque toca a partir de un patrón muy definido (por tanto quizás no es en rigor una improvisación de las que yo digo), y pesar de algún error de afinación al atacar la nota, desarrolla de forma muy efectiva ideas interesantes con mucha soltura.
5.Toca para que otros bailen
Antes de que los violinistas nos convirtiéramos en divos snobs, nuestra labor era secundaria; tocar en eventos, veladas, fiestas, en los que el objetivo fundamental era bailar (y por tanto emparejar gente). Realmente la función de la música era mayoritariamente esa, y tocar para que otros bailen requiere varias cosas: un ritmo absolutamente perfecto, transmitir la alegría de bailar y captar el carácter del tipo de baile que se trate.
Os dejo este sencillo vídeo que refleja exactamente cómo es posible hacer feliz a cualquiera de esa manera.
7. Conoce la música de tu país.
Cuando tanta gente aprende con los mismos métodos (Suzuki, Sevcik, o lo que sea) y escucha los mismos éxitos internacionales, es fácil perder el carácter del lugar donde vives. Conocer e interpretar la música de tu país es una buena base para adquirir una personalidad musical.
8. Cómprate un Ehru y aprende a tocarlo
La verdad es que esto lo he hecho y ha sido un poco fracaso. Pero la experiencia me enseñó el fascinante sonido de este antiguo instrumento chino y la delicadeza que requiere tocarlo.
9. Coge el violín de otras formas.
Toca el violín como si fuera una guitarra, un chelo, un instrumento de percusión…
Ve al minuto 5 de este vídeo de Paul Giger:
10. Aprende a tocar chops
¿Aún no has aprendido esta técnica rítmica? Dale otra dimensión a tu instrumento y descubre los innumerables patrones rítmicos que se pueden desarrollar.
En este vídeo, el supuesto inventor de este golpe de arco explica cómo se hace:
11. Haz hip hop, o heavy metal
u otro género habitualmente ajeno ajeno al violín
12.Toca el violín eléctrico
Puede que seas de los que se niega a los avances tecnológicos, pero por probar no pierdes nada, al menos así hablarás con conocimiento: si no lo has hecho aún, toca el violín eléctrico (o usa una pastilla) y prueba efectos de sonido. Como esto por ejemplo:
Recuerdo que, cuando seguía el Método Suzuki, al avanzar un poco, muchos temas tenían nombres llamativos que se repetían: Gavota, Bourrée, Minueto, etc.
Realmente en aquel entonces nunca me paré a pensar qué sentido exacto tenían esas palabras, aunque intuía que eran algún tipo de forma musical con ciertas características con origen en danzas antiguas. Y más adelante me los he vuelto a encontrar en muchas piezas barrocas, suites, sonatas y partitas de Bach, piezas de Corelli, etc.
Pero, de la misma manera que denominaciones como Andantino o Allegretto, nos informan vagamente del carácter de la pieza, lo de Gavota no me decía nada. Así que creo que, con la ayuda de wikipedia y blogs musicales ya es hora de aprender de dónde vienen estas palabras y qué significan. Porque, igual que si vamos a tocar un tango o un vals, intuimos el carácter que debe tener el tema, lo mismo debería ocurrir con estas formas antiguas.
Qué bien lo pasamos bailando gavota
Gavota
También llamada Gavotte, gavot o gavote, tiene su origen en una danza popular francesa, y debe su nombre al pueblo de Gavot.
Podríamos decir que lo que la distingue es un tiempo de 4/4 o 2/2, y velocidad moderada, y en que las frases se inician siempre en la mitad del compás, es decir en la tercera nota (suzukis, acordaos de eso en la Gavota de Mignon y la de Lully, la nota fuerte en la segunda parte del compás).
La gavota se hizo popular en la época de Luis XIV de Francia, cuando Jean-Baptiste Lully era el principal compositor. A partir de entonces, otros muchos compositores de la época incorporaron la danza con agregado en suites instrumentales.
En la suite barroca, la gavota es habitualmente interpretada después de la zarabanda, y antes de las giga, o junto con otras opciones como minuet, bouree, rigodón y passepied. La gavota barroca solía ser de forma binaria. Una excepción notable es la forma rondó de gavota escrita por Bach en su Partita nº 3 en mi mayor para violín solo, BWV 1006 (el tercero de sus siete movimientos).
Compositores posteriores, particularmente en el siglo XIX, comenzaron a escribir gavotas iniciadas en el tiempo fuerte en lugar del medio del compás. La famosa Gavota en re de Gossec es un ejemplo (suzukis, podéis hacerlo así, o a la antigua, es decir, remarcando la tercera nota, que a mí me parece más original).
Os dejo una de las más famosas, de las suites para cello de J.S. Bach.
Comparad esta marchosa version con la más clásica, más profunda de Rostropovich
-“Hey baby, ¡let’s dance minuet!”
Minueto
El minueto, también llamado minué, minuet o menuet, diminutivo de menu (diminuto) es una antigua danza tradicional de la música barroca originaria de la región francesa de Poitou, que alcanzó su desarrollo entre 1670 y 1750. De nuevo, como en el caso de la Gavota, fue popularizada por Jean Baptiste Lully al incorporarlas en sus obras. Como baile de corte tiene carácter galante
Grandes compositores de la música clásica se han servido de ella para sus obras, como Wolfgang Amadeus Mozart en su Don Juan, adaptándola como una composición instrumental de ritmo ternario y moderado. Suele tener carácter humorístico y forma parte de sonatas y sinfonías.
Al principio, el minueto de compás ternario era bastante rápido, pero en el transcurso del siglo XVII fue moderando su velocidad. El minueto se compone de dos secciones con repetición de cada una de ellas. Es una de las danzas facultativas de la suite: se inserta, generalmente, después de la zarabanda y antes de la giga. En su forma clásica el minueto comporta:
Exposición: a) tema con repetición; b) vuelta al tema con repetición.
Trío, después del segundo minueto.
Reexposición de la primera parte sin repetición y con coda facultativa.
Es la única danza de la suite conservada en la sonata: en las sinfonías de Joseph Haydn y de Carl Stamitz todavía pueden encontrarse algunos minuetos, pero desaparecieron finalmente sustituidos por el scherzo, que es una evolución digamos “extendida” con mayor profundidad.
Así que ya sabéis, los minuetos del suzuki, sin correr, con ceremonia y que se note bien que es un compás de tres tiempos. Algunos piensan que el minueto 2 hay que hacerlo cuanto más deprisa mejor, y no es así.
Minuetos en la famosa “Musica acuatica” de Haendel acompañados por una bonita danza que, no sabemos si será como antiguamente, pero lo parece:
En algunos lugares aún bailan la borrèia, variante de la bourrée
Bourrée
Efectivamente, este nombre también tiene origen francés (les encantaba bailar) y las primeras noticias escritas que se tienen datan de 1665. Como la Gavota, a la que se asemeja, se popularizó también en el ambiente cortesano que vivió J. B. Lully. Y ahora veamos cómo la define la wikipedia:
Empieza con una negra en anacrusa y su movimiento es sincopado, siendo similar a la gavota, aunque normalmente más extensa. Uno de los más conocidos compositores de bourrés fue Johann Sebastian Bach.
Esquemas rítmicos
En el bourrée se utilizan dos esquemas rítmicos básicos a la hora de componer:
El primero consiste en 2 corcheas sincopadas y una negra que, por la síncopa, cae en el tiempo fuerte. Con este esquema comienza el 99% de las bourrées. Un ejemplo claro de este esquema rítmico es el famoso Bourrée en mi menor de Johann Sebastian Bach.
El segundo consiste, simplemente, en una sucesión de corcheas. Un ejemplo es el comienzo del segundo Bourrée de la Suite para Cello nº 3 de J.S. Bach.
Combinación
Estos dos esquemas se combinan. Las melodías suelen comenzar con el primer esquema, luego es indistinto cuál se usa (se usa uno de los dos, se combinan o en ocasiones se varían; la variación más común es la sucesión de dos negras) y el final de la melodía suele terminar con el segundo esquema.
Las blancas y las redondas solo se usan en el final y es sumamente raro encontrar figuras con valores inferiores a la corchea.
Os dejo una bourrée de J.S. Bach que sonará a los que hayan practicado el volumen 3 de Suzuki, pero que fue escrita originalmente para cello.
Courante (corrente)
Esta vez hablamos de una familia de danzas de origen italiano del siglo XVI. De compás ternario, también se la puede encontrar como “corrente”, “coranto” o “corant”.
En el barroco la courante tuvo dos variantes: la francesa y la italiana. El estilo francés se le solía anotar como “courante” mientras que el italiano aparecía cómo “corrente”. Bach incluso distinguía entre ambos en sus suites: especificó “correntes” en las partitas para clave nº 1, 3, 5 y 6; las nº 2 y 4 tienen courantes en estilo y nombre. (La mayoría de los editores modernos no han conservado la distinción de Bach). En el resto de sus suites, los títulos no ofrecen ningún indicio del tipo de que se trata, pero sí la elección de compás (3/4 o 3/8 para la corrente y 3/2 para la courante). tenía muchos acentos cruzados y era una danza lenta. La courante italiana era más rápida, con desarrollo más libre y rápido.
El tipo italiano, (corrente) utiliza el compás ternario rápido (3/4 o 3/8), a menudo con figuraciones triádicas o de escalas en corcheas o semicorcheas regulares. Presenta generalmente una textura homofónica, pero no son infrecuentes los comienzos imitativos.
Los teóricos contemporáneos describieron la courante francesa madura como solemne y grave, con idéntico pulso que una zarabanda. Se escribe generalmente en 3/2, con una fuerte tendencia hacia las figuras de hemiolia que combinan modelos de acentuación de 6/4 y 3/2, así como figuras sincopadas afines. La norma es una textura algo contrapuntística o style brisé, y las estructuras de frase son a menudo ambiguas, al igual que el esquema armónico. Ambos tipos suelen estar en forma binaria, aunque los primeros ejemplos podían tener tres secciones. Ambas empiezan con anacrusas y concluyen en la parte fuerte.
En una suite barroca, sea italiana o francesa, la courante típicamente se incluye entre la alemanda y la zarabanda, como segundo o tercer movimiento musical.
Los que habéis llegado al volumen 7 del Método Suzuki sabréis que ahí aparecen dos courantes, una de Bach y otra de Corelli.
Os dejo una Courante de una de las partitas de Bach, interpretada de un modo que me ha parecido “muy barroco” seguramente de forma parecida a como se hacía en la época de Bach.
Como este tema no es quizás el más emocionante del mundo, lo dejamos aquí, pero no os relajéis, que todavía quedan muchas otras formas musicales que descubrir, así que seguid atentos a próximas entregas.
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No es difícil deducir, por su nombre, el origen de esta danza, una de las pocas formas que la cultura germana ha aportado a las danzas de tipo cortesano. Su nacimiento se remonta al medievo, y era originalmente muy tosca, puesto que se dice que la bailaban caballeros con armadura con estilo militar y muy poca gracia y variedad.
He aquí una de las formas de origen español, o mejor dicho “latinoamericano”, ya que según la wikipedia, la primera mención a esta danza se encuentra en escritos de la América española, desde donde viajaría hasta España, donde fue tildada de obscena y despreciable por los numerosos moralistas de aquella época. Más tarde se extendería por Europa para insertarse en la forma suite, de una manera más lenta y tranquila que la original española.
