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Enseñar canto a niños y adolescentes

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Es importante conocer las voces infantiles y adolescentes para saber cómo trabajarlas. Como experta en este tipo de vocalidad ofrezco esta sección de artículos relacionados. 

He tenido la oportunidad de conocer de primera mano tanto la pedagogía vocal colectiva en coros infantiles como individual en clases de canto a muchísimos niños y adolescentes. De hecho es una de las líneas principales de mi desarrollo profesional, habiendo realizado varias investigaciones en la acción que validaban mis propuestas metodológicas. 

Escogí la temática de las voces infantiles y juveniles para mi trabajo de Fin de Carrera (que fue calificado por un tribunal con Matrícula de Honor) debido a la escasez de información científica en español sobre la técnica vocal aplicada a este colectivo. En el mundo anglosajón han sido ampliamente estudiados y contrastados pedagógicamente los recursos que utilizo en mis clases.

Los niños merecen trabajar sus voces con profesores cualificados, ampliamente formados en la pedagogía del canto infantil y juvenil puesto que si no practica el canto de una manera adecuada en estas edades los niños pueden ver comprometido su futuro vocal (por causa del desconocimiento de algunos docentes, no porque los niños y adolescentes no puedan aprender a cantar saludablemente). 

Es preciso hacer una reflexión colectiva y desarrollar programas de formación en técnica vocal infantil y juvenil para los docentes.

Cómo trabajar textos rápidos

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Todos hemos podido experimentar la sensación de aprender un trabalenguas y hemos podido observar que nuestros órganos articuladores (lengua-labios) necesitaban afinarse y adiestrarse para poder conseguirlo, en una palabra, entrenamiento. En otra, disciplina.

Cuando nos enfrentamos a una canción rápida y con mucho texto nos aproximamos a aquello que se parece a un trabalenguas y nos vendrá muy bien ejercitar su texto de una manera específica, como si de un trabalenguas mismo se tratara.

La obra del vídeo me requirió un trabajo intensivo del texto para que fuera inteligible y me hizo descubrir posibilidades de los articuladores. 


Empecé trabajando el texto muy lentamente sin cantar y poco a poco le fui dando más velocidad sin perder la calidad de la emisión ni que ninguna consonante quedara "blanda", inconcreta, por así decirlo. 

Mi consejo: trabajad trabalenguas como una manera de ejercitar la dicción en canciones rápidas, hacerla ágil y concreta. 

Dos ejemplos de trabalenguas que uso son: 

-Pablito clavó un clavito, qué clavito clavó Pablito?
-Tres tristes tigres trigaban en un trigal.
-El cielo está enladrillado, quién lo desenladrillará, el desenladrillador que lo desenladrille, buen desenladrillador será. 
-El arzobispo de Constantinopla se quiere desarzobispoconstantinopolitanizar, el desarzobispoconstantinopolitanizador que lo desarzobispoconstantinopolitanice, buen desarzobispoconstantinopolitanizador será. 
:)
-Supercalifragilísticoespialidoso.
Quien quiera profundizar en este aspecto: pacomova.eresmas.net/paginas/trabalenguas1.htm‎

Notas sobre el canto y su docencia (Paula Anglin), II

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Sobre la interpretación y el estudio: 
 - Investigar la orquestación de las obras porque nos da pistas del tipo de sonido, resonancias. Saber qué instrumentos tocan es esencial, no es lo mismo cantar sobre trompas que sobre violines. Escuchar una versión con toda a orquesta y marcar en la partitura los instrumentos y adecuar el estudio vocal a ello es muy importante para después adaptar la interpretación a los colores que ha pensado en compositor. 

- Es duro deshacer un error, se debe ser muy meticuloso en el estudio para no hacer errores que después cuesta mucho deshacer! Aprender directamente de la partitura y no escuchando versiones. Antes de que llegue el problema técnico el cantante debe preveerlo y no se debe insistir sobre los problemas, volver un poco atrás.

- Como se piensa la emoción sale la voz 

Sobre el trabajo escénico: 
- Cuando las obras tienen una introducción muy larga hay que pensar qué se hace durante ese tiempo. El cantante necesita un plan para no ponerse nervioso, qué hacemos durante esta introducción, se debe pensar en qué hacemos con el cuerpo y con la respiración. Se puede calcular cuanto aire se va a necesitar  y practicar en los ensayos de manera que cuando se llegue al concierto ya esta la respiración integrada.  Si el cantante se concentra en el plan no tienes tiempo de ponerte nervioso.

- En el escenario todo lo que se avanza no se deber retroceder porque se pierde el círculo de energía que se establece con el publico. Si se ha de retroceder mejor dar la espalda porque este gesto incluye al publico, nunca andar para atrás. Estas reglas de movimiento son comunes para todos los estilos y géneros. 

- A la hora de comenzar una canción hay que establecer una consigna con el pianista y lo más adecuado es levantar la cabeza cuando se esta preparado. 

Sobre el trabajo docente: 
 - Observar a los alumnos y ver los efectos dominós que hacen que las cosas o salen. Lo único que es fiable es el cuerpo, no el sonido.

 - Los cantantes siempre se están juzgando y siempre lo hacen en el peor sentido. Es difícil parar los pensamientos negativos y sustituirlos por un pensamiento negativo. Hay que saber discriminar lo que se hace bien de lo que se hace mal con objetividad. Como profesores debemos decir las cosas buenas y comunicar los aspectos a mejorar de una manera objetiva proporcionando el camino a seguir.

- Aceptar las sugerencias de los alumnos, el trabajo de un profesor es explorar las voces no decir siempre lo que se tiene que hacer.

- El profesor siempre ha de facilitar el camino para que el alumno tenga una experiencia de disfrute al cantar.

Notas sobre el canto y su docencia (Paula Anglin), I

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Ya publicamos una breve conversación que mantuve con la cantante y coach vocal Paula Anglin, ahora comparto con vosotros algunas notas que tomé en su masterclass. 

Sobre la clase: 
- Paula deja al alumno cantar la obra entera.

- Los alumnos interpretan las obras de memoria y antes las presentan y cuentan el argumento o la situación que van a interpretar. 

- Casi todos los alumnos cantan descalzos para sentir la conexión del cuerpo con el suelo.

Sobre la postura:
 - Si se tiene que interpretar un rol en el que el personaje cojee se debe  parecer tambaleante pero sin perder la posición y mantener el cuerpo abierto. 

- Siempre se ha de encontrar la postura equilibrada y que la espalda no se arquee. Esta bien moverse pero sin perder la conexión del cuerpo.

Sobre la respiración:
 - Se ha de poner primero el aire y después el sonido. El aire es el medio de propagación del sonido.  En la respiración se ha de implicar la musculatura abdominal y del suelo pélvico. Al respirar se ha de movilizar el aire y se debe prestar más atención a la espiración que a la inspiración.

 - Cantar no es mas que impulsar el aire y poner el sonido encima. Da igual el estilo.

-  El gesto de la respiración deja libre la laringe para hacer lo que se necesite y esto es para todos los estilos. 

- La historia de la canción tiene que estar ya en la respiración inicial.

Sobre la emisión: 
- Para no perder los armónicos superiores hay que mantener el cuello sin adelantarlo.  El cuello debe estar libre y alineado con la espalda. 

- La mandíbula debe estar suelta para tener un sonido completo. No se debe enganchar en la mandíbula, debe estar totalmente disponible para articular los sonidos y abrirse.

Sobre la dicción: 
- Las consonantes sonoras ayudan a movilizar el aire. También las consonantes fricativas. 

- Ingles, aleman, checo y ruso la linea de legato la llevan las consonantes fricativas y sonoras.  En el Italiano y Español la linea de legato la llevan las vocales.

 - El texto es todo. Se debe decir con energía el texto. El trabajo de las consonantes del alemán:  las coonsonantes deben anticiparse y vocal debe caer en el tiempo. Que la consonante suene con la afinación para que coja la resonancia y se debe hacer una apertura de la boca directa.

Cantar está al alcance de todos

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Desde esta bitácora siempre hemos defendido que cualquier persona puede adquirir un conocimiento consciente del funcionamiento de su voz que le permita desarrollar todo su potencial artístico. Si todos compartimos una misma anatomía (en realidad muy similar, unas mismas estructuras básicas anatómicas) es obvio que el manejo de la voz tiene un fundamento común para todos.

Hoy voy a hablaros de una publicación titulada "Técnica vocal completa" de la pedagoga danesa Catherine Sandolin, de la editorial Shout. Se trata de un volumen de 272 páginas que condensa aspectos básicos de la técnica vocal y explica cómo a partir de ese modelo o fundamento común compartido colectivamente se pueden modificar las cualidades sonoras (timbre y volumen especialmente) para producir una gran diversidad de sonidos vocálicos que se adapten a diferentes estilos musicales, tanto clásicos como modernos.

Comparto con esta pedagoga que el cantante siempre ha de buscar una manera sana de emitir, de cantar, y esto no tiene por qué tener como consecuencia la producción de sonidos que desde el mundo clásico estarían "fuera de estilo", sin embargo, son sonoridades que se utilizan ampliamente en el jazz, pop, rock, heavy... Catherine explica cómo obtener efectos de distorsión, creak, growl, rattle, etc...

Opino que es interesante que en el libro se traten aspectos de la percepción de la voz, recursos para la improvisación, para la actuación y sobre la importancia de que el cantante realice ejercicio físico.

Me parece asimismo interesante que se incluyan como complemento del libro unas claves para acceder a una web y poder escuchar más de ochocientos ejemplos vocales.